Luis De León

Licenciado en comunicación social y paralelamente soy estudiante de cine en Venezuela.

“Bojack Horseman”: la serie con la que debes ponerte al día

Bojack Horseman. VoxBox.

Netflix ha superado de nuevo las expectativas previstas de todos, con la creación de Bojack Horseman en 2014.

Opinión.- Hoy en día puede que se haga difícil seguir el ritmo de la cantidad de series de animación dirigidas para adultos que existen deambulando por ahí. Existen múltiples opciones ofrecidas por una inmensidad cadenas televisivas como Fox o Adult Swim que pueden destacar por su tonalidad cruda y desentendida, humor negro, personajes con diseños creativos y tramas originales que buscan ciertos estándares de calidad.

Sumándose a esta lista, Netflix ha superado de nuevo las expectativas previstas de todos con la creación de Bojack Horseman en 2014. Si de casualidad aún no has visto esta serie, he aquí una serie de razones por las cuales quizás sería un buen momento para ponerte al día, antes del estreno de su nueva temporada prevista este 2017:

1. Si te gustan las referencias al mundo del entretenimiento

La trama gira en torno a las complicaciones que conlleva el mundo del espectáculo y la fama, trata sobre la vida del narcisista actor de una famosa sitcom de los noventa, sin mucho que ofrecer a la sociedad más que gastar su dinero en cosas sin sentido, estar constantemente en búsqueda de un nuevo proyecto que lo mantenga ocupado y quizás volver a tocar la gloria que tanto cree anhelar para ser feliz, en su absurda existencia sin sentido aparente.

En cierta forma es una serie que está consciente de lo absorto y dependiente a la cultura popular que se ha vuelto nuestra sociedad, aprovechándose de estos recursos para de nuevo parodiar aquellos estereotipos de la vida hollywoodense, exaltarlos y caricaturizar aún más este mundo tan fascinante como oscuro.

2. Si te gustan las series con desarrollo en su trama

Hoy en día es común ver como las series intentan sacar el máximo provecho de sus personajes y retarlos cada vez con nuevos conflictos en las más difíciles situaciones, trayendo consecuencias que acarrearán durante el resto de la serie.

Aun cuando Bojack pueda sentirse que tenga una cierta estructura como fórmula, en cada episodio siempre hay una constante evolución funcionando a veces en los niveles más sutiles. Los personajes no tienen vidas estáticas y en cada temporada los descubrimos en una nueva e importante etapa de su vida para la serie.

3. Si te encanta el humor negro, absurdo, crudo y caricaturizado al máximo

¿Mencioné que la mitad del elenco está compuesto por animales antropomórficos? Aun cuando es una serie que lidia con emociones y problemas muy humanos, hay que estar conscientes que se trata de una caricatura que no podría funcionar de otra forma. Su humor es tan exagerado, que resulta cada vez más sorprendente y bizarro, pero aun así logra mantener un buen equilibrio con sus momentos más serios.

No habría forma de que esta serie tuviera éxito en un formato live-action convencional, haciéndolo automáticamente una joya del género de animación para adultos.

4. Si gustas reflexionar sobre la existencia y las relaciones humanas

Aun cuando su sentido del humor es notable, el punto más importante de la serie siempre será su mensaje cargado de profundidad y momentos sumamente fuertes a nivel emocional. Está tan bien cargada tanto de momentos divertidos como deprimentes, que siempre requieren de un mayor análisis sobre el significado de la existencia de sus personajes y lo mucho que sus vidas son equiparables a la forma de vivir de muchas personas en la actualidad.

Es una serie que rebosa de ingenio y problemas que aun cuando parezcan superficiales en un principio son muy universales: el interminable temor a la soledad, buscar la aprobación de la mayoría para sentirse amado, rodearse de distracciones y de objetos materiales para encontrar la felicidad, así como deambular por una vida sin ningún propósito o meta, son todos temas relevantes para la sociedad contemporánea.

Todas estas razones hacen que esta serie necesite ser vista más de una vez, así como conocida por aquellos a quienes todavía no haya tocado su radar.

VoxBox.-

La respuesta ante la humillación del pueblo venezolano el 19 de abril

Pueblo venezolano. VoxBox.

El pueblo venezolano ha sido maltratado y humillado hasta la saciedad por un régimen hipócrita, descarado y corrupto.

Opinión.- El 19 de abril quizás represente para el mundo lo que el pueblo venezolano ya sabía desde hace mucho: que efectivamente somos una mayoría la que está cansada de vivir en un país donde a diario familiares y seres queridos mueren a manos de la inseguridad, la falta de medicamentos e injusticia. Que además son cientos quienes mendigan a causa del hambre y la pobreza. Un país del que todos quiere huir y que cada vez parece tener menos razones para enorgullecerse de su nacionales, al ver cómo los valores más humanos se desintegran.

Somos un pueblo que ha sido maltratado y humillado hasta la saciedad por un régimen hipócrita, descarado y corrupto, que desde el día que llegó al poder no ha hecho más que separarnos, sembrando por todas las vías comunicacionales el odio y la condena a sus hijos, con el culto a la ignorancia. Pero no bastando con eso se ha tomado todos los recursos —tanto oficiales como ilegales— para dar la vil y muy cobarde orden de reprimir de la manera más violenta inimaginable a su propio pueblo, cuando este ofrece la más mínima forma de resistencia.

No solo hablamos de miembros de la ya satanizada Guardia Nacional, sino aquellos grupos paramilitares armados y financiados para matar a nuestros hermanos. Por más conspiratorio que suene para el mundo estas declaraciones, tienen que saber que estos grupos son una realidad en el país, que existen y son los que en su mayoría se han llevado consigo por lo menos un alto porcentaje de responsabilidad en la pérdida de vidas humanas durante todas las protestas ocurridas en el transcurso del año y en años anteriores.

Todos los hechos ocurridos durante el transcurso de la marcha del 19 de abril y lo que el mundo presenció son una clara ejemplificación exaltada de todo lo que acontece al venezolano a diario, de una u otra forma.

Ver cómo personas caminan entre agua contaminada para esconderse de la Guardia Nacional, una mujer catalogada y acusada de terrorista en los medios oficiales solo por demostrar su resistencia ante la represión y, encima, presenciar cómo un joven de 17 años fue privado de ver otro día de su vida y verse realizada la libertad en su país, con sueños y metas propias de salir adelante, de mejorar su situación y trabajar en beneficio al país… todo eso ahora inconcluso. Muerto, asesinado y tratado como si él fuera el enemigo.

Todo esto simboliza el grado de humillación generalizada que vivimos como ciudadanos por parte de este régimen que una y otra vez nos pisotea, y nos priva de vivir en paz y dignidad humana, todos los días, cada día de nuestras vidas sin cesar, como un interminable circulo que parece no acabar.

Estos son solo tres hechos aislados a los que se les suman otros cientos reportados y quizás muchos aun sin conocerse, ocurriendo de forma simultánea en todas partes del país, todos siendo detenidos, perseguidos y amedrentados. Y aun así… existe una necesidad de seguir adelante, de salir ante esa locura, de seguir gritando por nuestros derechos, de lograr un cambio…

Es difícil decir que es lo que ocurrirá el día de mañana o el siguiente después de ese. Por una parte, el país parece haber entendido que la ayuda internacional solo se quedará en meras declaraciones y reuniones burocráticas inútiles que no tendrán resultados hasta que todo haya acabado para nosotros, que la ayuda de los dirigentes políticos de la oposición, aunque es necesaria en estos momentos, no dejan de ser más que una decepcionante representación popular inactiva y oportunista de la coyuntura, aunque no es mi deseo hablar en contra también de la Mesa de la Unidad Democrática, tristemente no merecen quedar también libres de culpa de todo lo que está ocurriendo. Estamos ante un pueblo que ha sido demasiado engañado y traicionado por sus representantes políticos.

Los verdaderos protagonistas y héroes de la historia son civiles comunes y corrientes, hombres y mujeres de familias y sueños propios que han logrado entender que los únicos que podrán cambiar algo al respecto de toda esta miseria somos nosotros mismos, cada vez con mayor insistencia, resistencia y lamentablemente con mucho sacrificio… parecemos vivir una etapa decisiva en la que no se está luchando por un presente, sino un futuro que valga la pena ser vivido.

Solo deseo que la historia nos dé un buen final.

VoxBox.-

Homenaje a Fabián Bielinsky: el cineasta que murió demasiado pronto

Homenaje a Fabián Bielinsky. VoxBox.

“Uno aprende a hacer películas haciendo películas.”

Fabian Bielinsky (1959-2006)

 

Con solo dos películas en toda su filmografía, Fabián Bielinsky dejó un legado muy importante dentro del cine argentino.

Cine.- Con solo dos películas en toda su filmografía, Fabián Bielinsky dejó un legado muy importante dentro del cine argentino y detrás de sí uno de los sabores más amargos que puede dejar un gran cineasta o cualquier gran artista: morir demasiado pronto. Bielinsky inmortalizó su recuerdo en escasas pero grandiosas creaciones, con muchas posibilidades de haberse convertido en un rico universo autoral, del que ahora solo queda la suposición de lo que pudo haber sido y no precisamente lo que fue.

Bielinsky trabajó muchos años en el mundo publicitario e hizo una carrera en ese ámbito, así como en el cine. Fue asistente de dirección en numerosos proyectos audiovisuales, pero no comenzaría a llamar la atención propiamente como realizador hasta que el guion de Nueve reinas se llevó el galardón del concurso de Nuevos Talentos en 1998, lo que aseguró que se hiciera la producción e inversión por parte de Patagonik Film Group.

Su ópera prima, Nueve reinas, es una incesante montaña rusa de emociones, de rapidez e ingenio que desprende de la pantalla con cada minuto que pasa. Cada acción genera otra igual de importante para el desarrollo de la trama, como si el guion hubiera sido construido como una serie de piezas de dominó chocando entre sí. La historia gira en torno a una red de mentiras en la que se mueven dos estafadores callejeros, en una oportunidad única en sus vidas, una estafa tan loca que es imposible habérsela inventado.

Con Nueve reinas se nota la clara influencia del cine norteamericano, en especial de los thrillers y filmes policiacos de los años setenta, que tanto influyeron a su director. Una historia universal sobre la búsqueda de riqueza por medio de la vía fácil, pero trasladada a un contexto argentino local, sobre todo un tema tan latinoamericano como lo es el estereotipo de la viveza criolla.

Con esta película podemos desglosar distintas características que posiblemente pudieron ser recurrentes en su filmografía, al estar también presentes en su siguiente proyecto, El Aura, como lo son: los personajes moralmente ambiguos, la inalcanzable búsqueda por el crimen perfecto, la admiración por el ingenio al arte del engaño, la atención a los detalles más simples, la metódica y casi milimétrica planificación.

Aun cuando estas dos obras guardan estas similitudes, son muy diferentes entre sí. La primera teniendo muchos toques de comedia negra, numerosos e ingeniosos diálogos y una sorpresa tras otras otra bombardeando constantemente al espectador, mientras que la segunda es una historia mucho más contemplativa de un hombre con la peligrosa obsesión de planificar un crimen, una puesta en escena mucho más cuidada, una estética centrada en los detalles, pero muy acorde a la personalidad aislada y fría del protagonista.

Bielinsky demostró ser un maestro en lo que a la manipulación en cine se refiere, donde siempre predomina el ingenio cargado del más puro suspenso e intriga con sabor un contenido fresco y original, así como cautivador… aun cuando solo hayan sido dos trabajos como director, las dos son obras maestras, con un legado que sigue presente, inmortalizado y disponible para capturar la imaginación de nuevos cineastas, que con suerte puedan sacar lo mejor de su influencia.

VoxBox.-

“El ciudadano ilustre”: la depuración de las raíces

Cine.- El dúo de directores Mariano Cohn y Gaston Duprat vuelven de nuevo a hacer un divertido pero a la vez cínico retrato de situaciones cotidianas, haciendo colisión con el estilo de vida de sus personajes pertenecientes a la más alta categoría de condescendía intelectual, una temática recurrente en su filmografía, pero que posiblemente aquí se haya logrado de manera más sórdida y memorable, para una audiencia internacional.

Cinta ya ganadora del Goya y muy posiblemente de una contienda muy importante en la última selección de los premios Platino, aquí se cuenta la historia del escritor argentino ganador del premio Nobel de Literatura, Daniel Mantovani (Óscar Martínez), en su viaje personal por reencontrarse con el pueblo en que creció, Salas, al que es invitado para ser condecorado con el más alto título que este puede ofrecer, la medalla del “Ciudadano Ilustre”.

Durante años Mantovani ha utilizado sus memorias sobre la localidad y sus personajes como un elemento constante de su bibliografía; sin embargo, ahora que se encuentra de nuevo en él no deja de sentirse ajeno a todo lo que este parece representar. ¿Qué es lo que lo motiva a estar ahí? ¿Una forma de conectar con su pasado? ¿De recuperar algo que consideraba perdido? ¿O encontrarse con algo más que lo saque de su bloqueo creativo?

A menudo alternamos entre situaciones tanto cotidianas como ridículas, una incomodidad constante invade nuestro cuerpo, que nos hace reflexionar sobre la verdadera naturaleza del relato. A menudo, no se sabe si se trata de una crítica mordaz a las tradiciones y a los más comunes estereotipos del pueblo latinoamericano (argentino, respectivamente), o si en cambio es una muy profunda reflexión y el más vivo retrato de lo que significa para un hombre, y sobre todo para un artista, el volver a sus tierras pero como un extraño.

El filme está lleno de pintorescas locaciones rurales y excéntricos pero reconocibles personajes claramente sacados de una infancia pueblerina. Se nos da la oportunidad de verlos bajo una nueva perspectiva, quizás no siempre de la forma un tanto indulgente de Maltovani, pero sin duda sirve como una forma de hacer introspección en lo que se refiere al conformismo, la ignorancia e hipocresía de nuestros pueblos. Se nos presenta un universo un tanto familiar, contradictorio en su discurso, pero que no pareciera ser por completo ficticio.

Aunque el apartado técnico es posiblemente de las cosas más planas que tiene la cinta, el personaje principal y las situaciones en las que se ve envuelto dan pie a las exquisitas e interesantes contemplaciones a la vida del artista autoexiliado, así como el grado de responsabilidad que podría llegar o no a tener con sus compatriotas.

No basta decir que se trata de una obra con un guion sólido y valiosas interpretaciones, que vale la pena hacer una mirada, aunque podría quedar en duda cuál es la verdadera “moraleja” como de modo muy memorable lo expresa el protagonista: “Muchas de las conductas deleznables de mis personajes lamentablemente forman parte del mundo en el que vivimos. Que mis personajes hagan lo que hacen no significa que yo aprueba o desapruebe esas acciones”.

 

Voxbox.-

Censura de la película venezolana “El Inca”: Recuento del caso

Película venezolana El Inca. VoxBox.

En Venezuela siguen sin poder tener acceso a la película venezolana El Inca, tras casi 6 meses de haber salido de modo repentino de la cartelera.

Opinión.- A pesar de encontrarse para la preselección de los premios Platino 2017 y haber sido parte del Miami Film Festival, en Venezuela siguen sin poder tener acceso a la película venezolana El Inca, tras casi 6 meses de haber salido de modo repentino de la cartelera. Hasta ahora no se ha vuelto a hablar mucho del tema en los medios de comunicación, pero he aquí un recuento del caso para el resto de Latinoamérica:

Oficialmente la decisión pareció ser conclusiva el pasado 20 de enero, cuando el juez Salvador Mata García determinó lugar al amparo contra el filme venezolano de Ignacio Castillo Cottin, sobre el polémico boxeador venezolano Edwin “el Inca” Valero, por violar derechos constitucionales contra la privacidad e intimidad de sus familiares.

Todas las proyecciones de la película y la difusión del material promocional fue suspendido a mediados de diciembre del año pasado, después de haber cumplido su tercera semana obligatoria por ley en las salas de cine comerciales del país. Con 14,613 espectadores acumulados, la orden fue emitida tras una denuncia presentada por los familiares del exboxeador, que alegaron que dicho material audiovisual era una violación contra el honor de “el Inca” Valero y la vida privada de sus hijos.

Cabe destacar que la decisión de la medida preventiva fue tomada cuando los familiares y mismo Juez Salvador Mata García admitieron que ninguno llegó a ver dicho filme previo a su prohibición, a pesar de que el hermano del fallecido lo acusó de haber estado “plagado de mentiras”, poco antes de la salida del primer tráiler promocional.

En un comunicado, el Círculo de Críticos Cinematográficos de Caracas (C4) expresó su rechazo a tal medida, catalogándola de un “daño patrimonial a los realizadores”, además de considerar un posible antecedente para futuros casos de censura contra otras obras cinematográficas o artísticas.

El director de la película, Ignacio Castillo Cottin, cuestionó este acto refiriéndose a él como un vulneración contra la libertad de expresión, que fue tomada “de la noche a la mañana”, sin que se pudiera realizar una defensa apropiada. Además, admitió que ya había tenido desacuerdos con la familia del pugilista, cuando le sugirieron que el papel principal debía ser interpretado por uno de sus hermanos. Esta diferencia de opiniones claramente terminó por cerrar las relaciones entre la producción y los familiares del exboxeador.

Para la decisión final se tuvo que realizar semanas antes una función privada en una sala de cine de Caracas, donde asistieron los miembros implicados en el juicio. Tanto el juez, representantes de la Fiscalía como la Defensoría, al igual que miembros en representación del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) y Pa’los Panas Producciones, responsables del filme.

Al final todo el material como el DCP Master y sus respectivas copias, material que es necesario para la recaudación de taquilla, se mantendrá retenido basándose en los artículos 60 y 78 de la Constitución de la República Nacional de Venezuela, así como los artículos 8 y 65 de la Ley Orgánica para la Protección del Niño, Niña y el Adolescente (Lopnna), a forma de proteger la intimidad de los hijos del deportista, que según la versión oficial se suicidó en 2010 en prisión, tras haber sido culpado de la muerte de su esposa.

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“La Bella y la Bestia”: el eterno recurso de la nostalgia

La Bella y la Bestia. VoxBox.

La Bella y la Bestia, dirigida por Bill Condon, pertenece a esta tanda de películas de Disney que pretende reinventar los clásicos animados. Pero ¿vale la pena?

Opinión.- La última gran producción de Disney perteneciente a la tanda que pretende reinventar a los clásicos largometrajes animados de la compañía, pero con homónimos “live action”, ha traído consigo esta nueva versión de La Bella y la Bestia dirigida por Bill Condon, pero que tiene como mayor atractivo contar con la muy popular Emma Watson en el papel protagónico,

El principal problema de la cinta radica en que más que consistir en un remake o en una reimaginación de la versión animada, esta termina siendo realmente un intento de calco exacto de la original pero con intencionales cambios, con la descarada pretensión de decir que se está aportando algo nuevo, lo que saca a relucir como principal interrogante: ¿cuál fue el propósito entonces de siquiera haber hecho esta reproducción?

La respuesta resulta obvia al estudiar las estrategias de promoción implementadas, trayendo a relucir una simple cuestión de querer complacer de forma desmedida una necesidad de querer redescubrir o reconectar con una emoción nostálgica de la infancia, por parte de los millones de fieles seguidores; sin embargo, busca hacerlo de una forma tan complaciente, que termina siendo insustancial y por momentos innecesaria.

Aunque resulta a nivel técnico, visual y artístico bien cuidada, por completo interesante el rediseño de los personajes, aceptable la interpretación de canciones e incluso tampoco podría decirse que exista algún fallo garrafal en cuanto al guion, puesto que sigue estando bien construido, no deja de ser una repetición de algo ya visto.

Los cambios anunciados previamente que de alguna forma atrajeron por su carácter “polémico”, al mostrar a uno de los personajes secundarios declarado abiertamente ahora como homosexual, es mostrado de forma lo suficiente sutil para no llamar la atención de grupos conservadores (aunque es posible que en esto poco les importa el grado de sutileza, pues protestarán igual los más radicales), pero es retratado de una forma tan caricaturesca que no permite apreciar de forma admirable esta revelación que en apariencia prometía ser vista como un cambio en el paradigma clásico: se queda en un mero hecho anecdótico.

Aunque es producto inocuo, fácil de digerir para las masas e incluso llega a conservar el carisma con un grado de superioridad técnica, me parece ser un producto que no aporta nada en realidad nuevo, ni necesita o merecerá ser recordado en el futuro. Es solo otro intento de aprovechar el carácter nostálgico de las propiedades intelectuales, para beneficio de la taquilla y no porque busque contar algo innovador.

Es curioso que el mismo año en que se anunció la producción de esta película también hubo planes de hacer en paralelo una adaptación libre del mismo cuento clásico, pero producido por Guillermo del Toro. Aun cuando este segundo proyecto nunca vio a luz, estoy casi seguro que esta otra “cara de la moneda” tuvo más posibilidades de ofrecer una nueva mirada a la historia, o al menos un estilo menos conservador que pretendiera mantener siempre a relucir la popularidad de la historia.

Split: La reivindicación de Shyamalan

Split. VoxBox.

“Split” se convertirá fácilmente en una de las obras más destacadas del realizador pero por las razones correctas, poniéndola al lado quizás de “Six Sense”.

Opinión.- No suele existir nombre que posiblemente ahuyente más a un espectador levemente conocedor, catalogado quizás como “cinéfilo”, que el de M. Night Shyamalan en los créditos principales, su estatus como director ha sido casi irrisorio durante ya casi dos décadas y hasta cierto punto ir a ver una de sus películas puede ser tomado como una muestra de sadomasoquismo audiovisual, sea por las razones que sea.

Por lo tanto, es fácil entender la curiosidad y conmoción que ha ocasionado esta última cinta dirigida por él titulada simplemente: “Split”, que solo para sacar de dudas a los lectores me limito primeramente a decir que se convertirá fácilmente en una de las obras más destacadas del realizador pero por las razones correctas, poniéndola al lado quizás de “Six Sense”. Incluso te puede dar cierto grado de alivio y satisfacción al salir de la sala conociendo de antemano la reputación del cineasta.

La historia gira en torno a Kevin, un hombre  con trastorno de identidad disociativo que tiene nada más y menos que 23 identidades coexistiendo en un mismo “portador”, las cosas se complican cuando tres de las personalidades más inestables toman el control y confabulan para secuestrar a tres adolescentes que usaran como ofrenda en un extraño ritual.

No es una obra maestra, termina cumpliendo su propósito y al final resultar ser muy entretenida pero claramente no está exenta de errores,  existen momentos en que el dialogo es tan forzado en cuanto a lo que exposición de información se refiere que a pesar de sacarse un par de comentarios y chistes ligeros no terminan quitarle ese esencia prefabricada que caracterizan una mala escritura.

Lo que destaca sin lugar a dudas, es la actuación de James McAvoy como el “protagonista/antagonista”, su versatilidad como actor le dotan al personaje de interés y mucha empatía en varias de las personalidades que precisamente al igual que la película lo plantea, son todos personajes independientes y no de una misma persona, factor que resulta interesante y te deja plenamente inmerso en la historia.

Se convierte en un juego el conocer sus “otros papeles” y discernir los momentos en que una personalidad toma control sobre otra, además de que es impresionante el hecho de que en algunas escenas logremos diferenciarlas con un mero cambio en el semblante de la cara de McAvoy, inmediatamente identificamos el personaje en que se encuentra y concediéndole un atractivo singular a la cinta.

La película no deja de ser exagerada por momentos pero la naturaleza de la historia permite hasta cierto punto credibilidad a aquellos momentos “extraños” o quizás demasiado incomodos para determinar si son graciosos o terroríficos, que a veces parece ser un sello del director.

Algunas cosas podrían no ser del agrado de todos como el “giro” de la ubicación de la casa o la referencia a otra película Shyamalan que anuncia a gritos la intención de una secuela/crossover. Pero dentro de todo, no está mal para hacer una visita casual al cine sin demasiadas pretensiones.

VoxBox.-

¿Ha logrado la Televisión superar al Cine?

La Televisión ha superado al cine. VoxBox.

Definitivamente nos encontramos en una era en la que trabajar para un formato de serie televisiva nunca ha sido tan sexy.

Opinión.- En un capítulo Dawson’s Creek, el protagonista principal de la serie de televisión hace una reflexión sobre la supremacía del cine sobre, precisamente, el medio televisivo. Básicamente su argumento principal era que el primero era un medio en una constante búsqueda de adquirir un valor artístico que plasmara la visión e ideas de un director. Nos enfrentamos dos medios que, aunque parecidos, son diferentes.

El cine posee un estilo y atmósfera particular, sumado a una historia concreta dentro de un inicio-desarrollo-cierre. Mientras que “la caja boba” buscaba crear dramas sosos de una hora de duración sin ningún tipo de desarrollo concreto o personalidad, eran producciones blandas al no poseer unas cualidades estéticas propias.

Un momento muy meta (considerando que fue una reflexión que vino precisamente de un drama televisivo), pero no del todo alejado de la realidad. Durante años hemos presenciado cómo series televisivas de formato semanal fácilmente han alargado de más su estadía, perdiendo su esencia o simplemente han desgastado su fórmula de “monstruo semanal”, o se aprovechan en exceso de “la tensión sexual no resuelta”. En fin, se vuelven tramas reiterativas y más complicadas de lo necesario.

Sin embargo, si usáramos hoy en día este argumento podría ser fácilmente anulado, pues es innegable que hay series que aprovechan mucho mejor su formato para crear historias con verdadero desarrollo y evolución en sus personajes, es más pausado que el cine pero aún sigue siendo verosímil, incluso más que lo que se plantearía en una película de solo dos horas.

Este crecimiento del medio televisivo no solo es visible en sus guiones, sino también en la propuesta de dirección. Ya no se limitan a contar todo a través de un estudio con tres cámaras simultáneas siempre en la misma posición, sino que podemos ver transiciones complejas, planimetría arriesgada y un diseño de producción más realista.

Quizás muchos concuerden que todo comenzó con propuestas como The Sopranos, que además gozaba de influencias cinematográficas, pero hoy en día ya es común ver series con estos mismos estándares de calidad. Breaking Bad quizás sea la Mágnum Opus que reivindica a las series y que además es capaz de ser equiparable o incluso llegar sobreponerse a una película.

Pero existen otros ejemplos: la adaptación de Game Of Thrones es obvio que es superior a cualquiera que se hubiera podido hacer en la pantalla grande. Gracias a HBO pueden ser tocados temas más escabrosos sin riesgo a la censura, historias concretas en temporadas temáticas y actores de alto calibre como en True Detective o Newsroom.

En el caso de Newsroom, se cuenta con la particularidad de estar escrita por un solo guionista a cargo, a diferencia de un departamento completo de personas, como tiende a ser lo común para una serie: Aaron Sorkin fue el creador y único supervisor creativo.

Por otro lado, la modalidad de Netflix como plataforma online sin cortes comerciales y disponibilidad total del contenido para los usuarios hace que Stranger Things y muchas otras propuestas puedan ser vistas de forma continua, como si se trataran de películas de 10 horas.

Directores de cine como Martin Scorsese ya han coqueteado con proyectos televisivos, y todo parece ir en esa dirección. El Showrunner goza ahora de un control creativo envidiable en cualquier medio, aunque en Gran Bretaña casi siempre ha gozado de tener “guionistas jefe de temporada”, haciendo que la calidad de sus historias sea mayor por lo general. Incluso así los británicos han logrado a superar aún más sus propios límites como con Sherlock.

Definitivamente nos encontramos en una era en que trabajar para un formato de serie televisiva nunca ha sido tan sexy… demuestra que aún existe un futuro para dejarse impresionar por lo que nos tiene preparada la pantalla chica e incluso aún más chica, gracias a plataformas de streaming. Así que quién sabe cuál sea el siguiente paso: solo el tiempo y nuestras formas de encontrar entretenimiento lo dirán.

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Nocturnal Animals: Un ensayo sobre la colisión entre realidad y ficción

Nocturnal Animals. VoxBox.

Nocturnals Animals posiblemente sea una de las mejores propuestas del 2016. Basada en la novela Tony y Susan, de Austin Wrigh.

Cine.- Existen películas de las que escuchas hablar en el momento de su estreno pero por alguna razón no terminan de capturar tu atención sino hasta un tiempo después y cuando por fin las visualizas, te arrepientes completamente de no haberlas visto antes.

Nocturnals Animals posiblemente sea una de las mejores propuestas del 2016. Basada en la novela Tony y Susan, de Austin Wrigh.  Es el segundo largometraje de Tom Ford y una de las mayores nominadas en premios de la crítica, además de ser candidata al León de Oro en Venecia.

La película cuenta la historia de Susan (Amy Adams), dueña de una galería de arte cuya existencia se ha venido diluyendo en un entorno superficial y un matrimonio deteriorado. Un día recibe un manuscrito de su ex-esposo, Edward (Jake Gyllenhaal), que será su primera novela para publicación y estará dedicada a ella, titulada “Animales Nocturnos” también en su honor.

Susan se encuentra cada vez más inmersa en la novela, encontrándose con un relato profundamente humano sobre un hecho violento y la búsqueda de un hombre por venganza. Esta historia “paralela” sirve a veces como una metáfora a la vida que la misma Susan ha escogido, haciendo que se replantee encontrarse nuevamente con Edward tras 19 años de su separación.

Esta es una película con un guion complejo, no solo porque estamos ante dos historias contadas en paralelo sino tres; ya que también aborda diferentes periodos de tiempo en la relación de Susan y Edward para entender la razones de su separación y el génesis de lo que inspiraría la “ficción” dentro de la propia ficción.

A pesar de estos saltos en la trama en todo momento funcionan, se mantiene como una construcción coherente, es apelativa al no alejarse nunca de las emociones más profundas y humanas de los personajes convirtiéndola en una reflexión muy personal sobre la vida ante la creación artística y cómo se conjuga esta con las relaciones.

Vemos dos mundos cinematográficos en el que colisionan distintos géneros no excluyentes, sino complementarios: uno es el de la novela, que funciona como una historia policial, cruda, desgarradora y aterradoramente personal, que al mismo tiempo contrasta con la vida “real” de Susan, que se mueve más hacia el thriller psicológico entre la soledad y el aislamiento.

La película en sus dos facetas posee propuestas estéticas diferentes, haciendo magistral el trabajo de dirección de arte, cuenta con excelentes interpretaciones especialmente las de Amy Adams y Aaron Taylor Johnson (como uno de los antagonistas dentro del relato de la novela), pero los valores que verdaderamente predominan son la construcción visual del relato y la naturaleza de la historia que cuestiona en todo momento hasta qué punto converge la ficción creada de un artista con su propia realidad.

Reta constantemente la sensibilidad del espectador y te hace reflexionar sobre su final, que te cae como un balde de agua fría. No dejará indiferente a nadie.

VoxBox.-