Chavela Vargas: la musa con voz herida

Chavela Vargas. VoxBox.

Cada una de las letras de sus canciones está cargada de profundos sentimientos y emociones. Estrujaba las vocales en su garganta para que fluyeran como pájaros en libertad. Esa misma libertad que Chavela Vargas tanto buscó y encontró en su más grande pasión: el canto.

Opinión.- Ícono del bolero ranchero mexicano, musa de grandes cantautores, compositores e intérpretes; referente cultural y social de escritores contemporáneos, inspiración para cineastas y productores de televisión. Pero “la mexicana más universal” no nació en tierra azteca. El pequeño poblado de San Joaquín de flores en la provincia de Heredia, en Costa Rica, es la cuna de María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano, quien posteriormente pasó a la inmortalidad con el nombre de Chavela Vargas. Nació en el verano de 1919.

Chavela es un orgullo centroamericano, pues hasta en sus últimos días de vida siempre recordó su natal Costa Rica. Sin embargo, empezaron los giros en la vida de la musa. La separación de sus padres causó que buscara refugio en casa de sus tíos. Pero a los 17 años tomó la decisión que marcó por siempre su vida: mudarse a México.

La búsqueda de libertad en un mundo raro

Cómo borrar de nuestras memorias la imagen de aquella mujer con pantalones y ponchos largos. En los años 40, durante sus primeras presentaciones en México, conoció a uno de sus más grandes y entrañable amigos, a José Alfredo Jiménez, cantautor que comprendió que Chavela Vargas era más que una simple cantante, y que se distinguía del resto. Descubrió que en la voz de aquella mujer se concentraba lírica y emoción. Sus más íntimos sentimientos coronaban sus actuaciones, pues tenía una voz desagarrada, pero a causa del desamor, de las andanzas y malandanzas, por el alcohol, por la búsqueda de libertad y por la misma existencia.

Chavela Vargas le cantó al imaginario popular del amor, al dolor, al sufrimiento, al engaño, a las despedidas, al orgullo, a la soledad y a lo imposible. Le cantó a la tierra, a sus raíces, al arte y al cosmos. Le cantó a su más grande amor, a sus amigos, a la juventud, a la rebeldía, a los poetas que no conoció, admiró y se fueron antes y, claro, a su amado México. Chavela curó sus penas con borracheras y celebró la fusión de lo intangible: la vida y la muerte.

Pero la vida de Chavela va más allá del canto. Dejó un legado e impregnó fuerza al pensamiento de la libertad sexual. La musa fue parteaguas de la libre expresión sexual, que en aquellos períodos plagados por el extremo conservadurismo no eran aceptados en su totalidad. Chavela Vargas asimiló su sexualidad con completa naturalidad, pero fue hasta su vejez que declaró públicamente que era lesbiana. ¿Lesbianismo, un crimen? Jamás. Ella sostuvo distintas relaciones sentimentales con mujeres, a las que seguramente alguna vez también les cantó. Fue pareja de Frida Khalo y de Alicia Pérez Duarte.

Aquella diosa de voz herida, musa de generaciones

Son muchísimos los covers del repertorio musical de Chavela Vargas. Cantantes consagrados han creado maravillosas versiones de las canciones de Vargas. Muchas de estas interpretaciones fueron incluidas en películas, documentales y presentaciones de distintos artistas de todas las expresiones. La nueva generación de artistas rinden tributo a Chavela Vargas cantando sus éxitos y trasmitiendo su legado a los jóvenes, quienes quizás no la conocieron, pero que sin duda desde entonces quedará grabado en sus memorias el nombre inmortal de La Chamana.

Les dejo mi herencia…

En septiembre del 2003, Chavela Vargas concedió una entrevista exclusiva a la revista Letras libres, donde contó la anécdota de una de sus presentaciones en el Zócalo de la Ciudad de México. Expresó su sentir y emociones al ver a su público, la vibración de las almas de los presentes, el llanto por múltiples emociones, llanto “dulce”, como lo manifestó. Amó la libertad del espacio, del momento y de su arte. En la entrevista también dijo que esa noche fue inolvidable y que la juventud la marcó, y de ahí surge una de sus más emblemáticas frases “Me voy. Les dejo de herencia mi libertad, que es lo más preciado del ser humano”.

¿Y tú cómo recuerdas a Chavela Vargas?

Nosotros en VoxBox la recordamos 15 de sus canciones más emblemáticas:

1. No volveré

2. La llorona

3. Piensa en mí

4. Macorina

5. Un mundo raro

6. En el último trago

7. Adoro

8. Volver, volver

9. Luz de luna

10. María Tepozteca

11. Las simples cosas

12. Paloma negra

13. Que te vaya bonito

14. Esta tristeza mía

15. Cruz de olvido

VoxBox.-

Los “artistas” más escuchados en Centroamérica en Spotify

Spotify. VoxBox.

Música.- Sabemos que el año está por terminar, cuando Spotify revela cuáles han sido las canciones más escuchadas a nivel mundial y en cada país o región del mundo.

En México, por ejemplo, sabemos que lo más escuchado fue el reguetón, específicamente la canción Mi gente, de un tal J Balvin. Sin embargo, tal como recoge Huffingtonpost México, otros artistas como Cartel de Santa, La Arrolladora Banda El Limón y nuestro querido Juan Gabriel lograron también entrar en la lista.

A nivel mundial, el oro se lo llevó Ed Sheeran, cuyo álbum Divide alcanzó las tres millones de reproducciones. Solo su canción Shape of You obtuvo 1.4 millones de reproducciones.

Otro dato interesante es que la música latina (muy mal representada en el reguetón) logró sobresalir desmedidamente, con un aumento del 110 % en reproducciones a nivel global. Eso lo saben, porque 10 canciones latinas formaron parte del Top 50 Global, entre las que están Despacito, Mi gente y Canción de verano.

Es válido apuntar que los listados de las canciones más escuchadas y los artistas más sonados se actualizan cada 20 horas en la plataforma digital.

¿Y qué escuchamos en Centroamérica, según Spotify?

Lastimosamente, la buena música que se produce en nuestra región no logra posicionarse ni siquiera entre los melómanos de por acá.

Así que con profunda tristeza tenemos que informarte que estos son los 10 artistas más escuchados en Centroamérica, en Spotify. Ahora más que nunca vale aquella famosa expresión de la cultura memística: acompáñennos a ver esta tristísima historia.

1. Natti… ¿quién?

En serio, ¿quién?

2. El que sale en todas las que están de moda

Su nombre artístico suena a equipo de fútbol, pero a la gente le gusta.

3. Becky Gusta de los mayores

A ella le gusta que le reciten poesía y… ajá.

4. Conejito Malo

Las putas se montan fácil como GTA. Eso es todo lo que recordamos. Pero de este espécimen sí te hablamos en esta otra nota.

5. Carlos Ya No Vives del vallenato

Al fin uno que no es reguetWAIT! WHAT?

6. ¿George Clooney?

Esta, de hecho, entró en la lista de las 50 más escuchadas a nivel mundial, así que la vergüenza no es solo de nuestra región.

7. El feo de Chino y Nacho

Exintegrante del dúo con el nombre más ridículo de la historia.

8. El que se parece a Ozuna

Pecado culposo detected: esta no está tan jodida.

9. Ni putísima idea

Otro que hizo dueto con Ozuna. Es todo lo que podríamos decir.

10. Daddy Vencí a Don Omar Yankee

Y cómo negarlo, prácticamente inventó el reguetón. Gracias por nada.

VoxBox.-

Pequeñísima radiografía no autorizada de la cumbia

Cumbia. VoxBox.

Música.- Hoy VoxBox deja la seriedad que nos ha caracterizado, para ponernos nuestro traje guapachoso de sabrosura increíble: hablemos de cumbia.

Para comenzar, vámonos por lo pedagógico. La raíz de la palabra “cumbia” procede, según estudios lingüísticos elaborados por este prestigioso medio, del vocablo africano “Cumbé”, que significa jolgorio o fiesta.

La cumbia es, pues, la imagen viva de la fiesta y el goce intenso.

El origen de la cumbia

La experta en música María del Pilar Jiménez González sitúa el origen de la cumbia alrededor del siglo XVIII, en la costa atlántica de Colombia y describe su formación como el resultado de un largo proceso de fusión de tres elementos etnoculturales: los indígenas, los blancos y los africanos, de los que adopta las gaitas, las maracas y los tambores.

La adición de guitarras bajos, cuernos y pianos fueron añadidos por los diferentes intérpretes de este género musical que ha rodado por todo el continente americano.

Las letras eran principalmente en español, aunque algunas palabras en lenguas africanas o de indígenas.

Según los historiadores, en 1950 apareció la primera cumbia grabada para ser comercializada. Por allá por el año 1953 fue lanzada una cumbia llamada El flamenco, compuesta por  Efraín Mejía, un músico natural del municipio de Soledad, en el departamento del atlántico.

En los años de 1950-1960 la cumbia se extendió a los países por América del sur, e incluso hasta América Central, tomando en cada uno de estos países algo del sabor del país que lo había adoptado.

La cumbia fue y será siempre un ritmo musical sellado por el sabor latino. Por eso, hemos hecho esta pequeña selección, para bajarle un poco la carga a la semana.

Recomendamos discreción:

Jugo de Piña, en la interpretación de El Super Show de Los Vásquez

Esta canción fue compuesta por el maestro argentino Domingo Rullo. La primera grabación del tema fue en Lima, Perú, por la orquesta de otro argentino, Enrique Lynch. Jugo de Piña se popularizó mucho más en México, Costa Rica, El Salvador y Guatemala:

Loquito por ti, en la interpretación de Armando Hernández

Una cumbia de manufactura colombiana, específicamente del norte de Colombia. Su autor fue Armando Hernández, uno de sus más exitosos exponentes del género y de la música popular.

Que nadie sepa mi sufrir, en la interpretación de La Sonora Dinamita

Esta canción no nació siendo cumbia, ya que en realidad fue compuesta en ritmo de vals peruano por el argentino Ángel Cabral, en 1936. Julio Jaramillo, María Dolores Pradera, Julio Iglesias, Raphael, Soledad Pastorutti y la mismísima Édith Piaf hicieron eco de esta canción.

El ausente, de Pastor López

Esta canción fue escrita por el venezolano conocido como El Indio Pastor. Esta canción apareció originalmente en el disco Aquí está el sabor, de 1980.

Canoa Ranchá, en la interpretación de Grupo Niche

El Grupo Niche, famosos por ser confundidos con un filósofo y escritor alemán, tiene entre sus temas más bailados esta canción, de la que desconocemos quién la compuso. Pero para subsanar esa falta podemos comentarte esto: ranchá es una palabra que viene del inglés ranshad, que viene del francés ranchatte, que a su vez deriva del alemán antiguo Runn Schattz, que significa “Viejo, antiguo”.

La cumbia sampuesana, de Aniceto Molina

Primero hay que decir que esta cumbia la compuso José Joaquín Bettín Martínez, originario de Sampués, un municipio del departamento de Sucre, en Colombia. Pero quien la hizo famosa en Centroamérica (especialmente en El Salvador) fue otro colombiano: Aniceto Molina.

Como dato ultrafriki: Emilianito Zuleta interpretó esta canción cuando en 1982 trascendió la noticia de que Gabriel García Márquez había ganado el Nobel.

Somos latinos, interpretada por Benny y sus Tropicales

Aquí sí hemos fallado horriblemente: no hemos encontrado el origen ni el autor de esta obra. Sin embargo, no la quisimos dejar afuera porque ejemplifica demasiado bien el espíritu de este hermoso género. Sí sabemos que la han interpretado en todo el triángulo norte: en El Salvador, Orquesta Los Hermanos Flores; en Honduras, Banda Blanca; y en Guatemala, Benny y sus Tropicales.

Chipi Chipi, interpretada por Los Melódicos

Al igual que con la anterior, la historia de esta canción se nos escapa entre las arenas del tiempo y la desmesurada popularidad de esta canción. Encontramos varias versiones, pero nos quedamos con esta de Los Melódicos, una orquesta de baile venezolana fundada el 15 de julio de 1958. ¡A bailar al ritmo del Chipi Chipi!

¿Tienes más información sobre el origen de alguna de estas canciones? Nos encantaría que nos lo compartieras.

VoxBox.-

Microsoft Edge tiene una gran ventaja a la hora de ver porno

Microsoft Edge. VoxBox.

Detalles.- Últimamente la conversación sobre navegadores web gira en torno a Firefox Quantum, pero ¿alguien quiere pensar en el pobre Microsoft Edge, por favor?

Microsoft Edge, el navegador nativo de Windows, no le ha hecho ningún mal a nadie. Quien nos arruinó la vida a todos fue su hermano malvado, pero parece que le toca cargar con la mala fama de su antecesor.

Así que hoy te vamos a hablar de una de las grandes virtudes de esta nueva versión, que tiene que ver con el porno.

Microsoft Edge y el porno

La compañía de Redmond ha registrado una solicitud de patente, para una nueva tecnología que detecta cuando el usuario visita una página NSFW (esto quiere decir que no es seguro ni apropiado para el trabajo) y activa automáticamente el modo de navegación privada, más conocido por los entendidos como “modo incógnito” o “modo porno”. Tal cual.

Aunque se puede ver como una opción que salvará de un apuro a los que se olvidan de borrar el historial del navegador, también tiene implicaciones importantes para la seguridad de los usuarios.

Al fin y al cabo, una sesión en modo incógnito impide que se almacenen cookies o archivos temporales, y tampoco permite el acceso a nuestra información personal.

Por eso mismo, Microsoft quiere que el sistema funcione con base en una lista de sitios web “cuestionables”, entre los que se incluyen páginas inseguras, además de webs porno.

Según la propia patente, esa lista se actualizará de manera remota, pero también se podrá editar de forma local. De llegar a implementarse, la nueva función de Microsoft Edge permitirá al usuario configurar este cambio automático entre los dos modos de navegación, mediante un mensaje emergente.

¿Qué opinas de esta buenísima idea? ¿Crees que podría revivir al tan maltratado navegador de Microsoft?

VoxBox.-

Felipe Fournier: el costarricense incluido en un disco de Paul McCartney

Felipe Fournier. VoxBox.

Música.- Felipe Fournier es un nombre que quizás no te suene mucho, pero como en VoxBox nos interesa tu conocimiento general —sobre todo en lo que refiere a asuntos de Centroamérica—, te vamos a contar.

Fournier, por ponerlo fácil, es un músico y productor costarricense, tiene 32 años, y hace unos días trascendió la noticia que ganó otro premio Latin Grammy para Costa Rica la tarde del jueves, en la edición número 18 de los galardones de la Academia Latina de la Grabación.

Lo ganó por su trabajo en el disco Las caras lindas, del mariachi Flor de Toloache.

Pero aquel éxito casi inédito para la región centroamericana quedó opacado con la más reciente noticia: una de las canciones de este disco llamada That’s What I Want For Christmas fue tan buena, que fue seleccionada para ser parte del disco Holidays Rule Vol. 2, el álbum navideño del mítico exbeatle Paul McCartney.

Esa canción compartirá espacio en ese disco con canciones interpretadas por artistas como Grace Potter, Judah & The Lion, The Decemberists, Albin Lee Meldau y el propio McCartney, quien canta junto a Jimmy Fallon y The Roots, e interpreta la canción Wonderful Christmastime.

Fournier recordó que el contacto entre la producción del álbum de McCartney y el mariachi se dio un tiempo después de que se publicara Las caras lindas.

El cantante Colin Meloy, de The Decemberists, conoció la propuesta del mariachi, compartió un video en sus redes sociales, y la disquera de Paul, luego de ver las imágenes, las invitó a participar del álbum.

La compañía hizo la invitación a varios artistas y agrupaciones. En el proceso de selección les asignaban las canciones, para que cada artista le hiciera su propio arreglo e interpretación; así, Flor de Toloache fue seleccionada para ser parte del disco y son el único grupo latinoamericano presente en la grabación.

Felipe Fournier: “Es un gran honor”

“Es un gran honor trabajar en el proyecto de una leyenda viviente, como lo es Paul McCartney. Al igual que con el Latin Grammy, esto significa una oportunidad para abrir nuevas brechas de trabajo, colaboraciones y seguir trabajando de manera honesta, humilde y con esfuerzo, como lo aprendí de la gente que más admiro, como mi padre Diego Fournier (que también es músico), Wálter Flores y Carlomagno Araya”, dijo el artista.

Definitivamente, un orgullo tico y centroamericano.

Aquí te dejamos esta canción de Flor de Toloache, porque es uno de los covers más extraños que hemos escuchado:

VoxBox.-

Bolero latinoamericano: el género que nunca muere

Bolero. VoxBox.

Música.- Hablar de bolero es hablar de nuestra identidad, de nuestro gentilicio como ciudadanos de este amplísimo país llamado Latinoamérica. Y es que quizás no haya otro género tan profundamente latinoamericano como este.

El Bolero (con mayúscula incluida), a pesar de sus raíces europeas, es definitivamente algo latino. A veces se le puede reducir a Cuba o El Caribe, pero viéndolo detenidamente se descubre que es un patrimonio colectivo, que toca e involucra desde México a la Argentina, y llega inclusive al Brasil.

Aunque no hay claridad absoluta de cómo o dónde nació, en el sitio web Analítica se explica una de las teorías sobre el origen de este género:

“El bolero viene de España e inicialmente era una danza de movimiento ligero. Posiblemente el bolero es una manifestación musical gitana, pues su nombre puede venir de la expresión ‘volero’ de volar, y las danzas gitanas a veces implican movimientos agudos y rápidos que aparentan el vuelo de aves. Además, si nos fijamos de la instrumentación musical de las danzas gitanas, notamos guitarras y unas cajas de madera que hacen de percusión, además del aplauso y el uso de las palmas de las manos”.

Pero independientemente de su origen, en VoxBox hemos querido hacer este homenaje a esos compositores de boleros que nos han conmovido, que han estado ahí desde siempre y que, seguramente, nos sobrevivirán a todos.

Hemos incluido versiones de distintos intérpretes, de diferentes zonas del mundo y no solo latinoamericanos, porque queremos hacer hincapié en lo hermosamente universal de este género.

Dos gardenias, interpretada por Daniel Santos

Es un bolero escrito en 1945 por la compositora cubana Isolina Carrillo. Carrillo provenía de una familia muy relacionada con la música. Ella misma estudió en el Conservatorio Municipal de La Habana. Aunque quizás eso no sea suficiente para justificar su genio inaudito a la hora de componer:

Desesperanza, interpretada por Alfredo Sadel

Bolero compuesto por la venezolana María Luisa Escobar. Para entender mejor quién era esta mujer, habrá que decir que fue musicóloga, pianista y compositora. Pero además​ fue fundadora del Ateneo de Caracas. Nos regaló esta delicia de canción:

Aquellos ojos verdes, interpretada por Ibrahim Ferrer, de Buena Vista Social Club

Esta canción fue estrenada en el Teatro Nacional de Cuba, el 21 de junio de 1930. Algunos expertos la ubican como el primer bolero conocido a nivel mundial. Nat King Cole, Antonio Machín y el Trío Los Panchos han interpretado también esta canción.

Solamente una vez, interpretada por Agustín Lara

Compuesta e interpretada por el mexicano Agustín Lara, la estrenó en Argentina la también mexicana Ana María González, en 1941. Desde entonces la han interpretado varios artistas alrededor del mundo. Una joya imperdible:

Encadenados, interpretada por Luis Miguel

Es un bolero mexicano compuesto por Carlos Arturo Briz Bremauntz, dada a conocer en 1955 a través de los Hermanos Reyes, aunque popularizada por Lucho Gatica.

Perfidia, interpretada por Nat King Cole

Es un bolero del compositor mexicano Alberto Domínguez Borrás, compuesto en 1939. Domínguez hizo una notable carrera de pianista, dirección de orquesta y composición, en la Escuela Nacional de Música y en el Conservatorio Nacional de Música de su país.

Luna liberiana, interpretada por Manuel Chamorro

Estamos ante el primer bolero de origen centroamericano de esta lista, y fue escrito por el compositor costarricense Jesús Bonilla Chavarría, estrenado el 14 de febrero de 1936. Popularizada recientemente por Plácido Domingo, pero disfrutada desde antaño en la voz del costarricense Manuel Chamorro. Esta canción es reconocida en Costa Rica como una de las obras musicales más representativas del país.

Contigo en la distancia, interpretada por Christina Aguilera

Lo compuso el cantautor cubano César Portillo de la Luz, en 1946, cuando tenía tan solo 24 años.

Bésame mucho, interpretada por Pedro Infante

Consuelito Velásquez compuso este bolero en 1940, cuando apenas tenía 16 años. Escribió esta canción cuando todavía no había dado su primer beso de amor… eso explica muchas cosas ¿no? Te dejamos dos de las versiones más bellas.

Consuelito Velásquez

Pedro Infante

El reloj, compuesta e interpretada por Roberto Cantoral

Compuesta y escrita en 1956 por el mexicano Roberto Cantoral, entonces integrante del trío Los Tres Caballeros. Como dato inútil y absolutamente banal habríamos de agregar: ¿Recuerdan la escena de la “maldita lisiada” de María, la del barrio? Fue interpretada por Itatí Cantoral, hija de este compositor.

Sabor a mí, interpretada por José José y Francisco Céspedes

Compuesto por el intérprete mexicano Álvaro Carrillo, en 1959. Fue popularizada por el trío Los Panchos, en un primer lugar, y luego por otros gigantes de la música como José José o Luis Miguel.

Cómo fue, interpretada por Benny Moré

El bolero fue escrito por el cubano Ernesto Duarte Brito, en 1953. Al igual que otros muchos que están en esta lista, Brito fue un hombre de música con todas las de la ley: compositor, arreglista, director de orquesta e, incluso, ejecutivo.

Historia de un amor, interpretada por Il Volo

El compositor de este tema, Carlos Eleta Almarán, goza de una hoja de vida bastante distinta al del resto: empresario, ingeniero, ministro de Hacienda y Tesoro, y canciller.​ Junto a su hermano fundaron la primera televisión en Panamá, fue fundador y presidente de empresas panameñas como la Corporación Panameña de Radiodifusión (RPC Radio y Televisión). Además (lo que nos interesa acá), escribió en 1955 este bolero, a raíz de la muerte de la esposa de su hermano.

Quizás, quizás, quizás, interpretada por Andrea Bocelli

Compuesta por el cubano Osvaldo Farrés, en 1947. Farrés es célebre por sus más de 300 canciones compuestas (sí, 300), y es considerado uno de los artistas cubanos más interpretado fuera de la isla.

Derrumbes, interpretada por Memo Neyra

Original del compositor nicaragüense José Octavio Latino Acuña y popularizada por el costarricense Memo Neyra, en 1976. Una pieza magistral, nacida y popularizada, como ya decíamos, por compatriotas centroamericanos.

Perdón, interpretada por trío Los Panchos

Bolero compuesto por el puertorriqueño Pedro Flores, probablemente en los años cuarenta. Flores trabajó en Nueva York, en el corazón del mundo artístico de aquellos años, y posteriormente su música fue interpretada por artistas tan dispares como Shakira, Rubén Blades o Ednita Nazario.

BONUS TRACK: bolero-son

Lágrimas negras, interpretada por Celia Cruz

La composición y el arreglo fueron del cubano Miguel Matamoros, a partir de un poema recibido de manos de la dominicana Aurora Golivar, quien fuera novia del músico cubano cuando este hizo su paso por Santo Domingo. Por definición, esta grandísima canción es considerada un bolero-son:

¿Disfrutaron de esta lista tanto como nosotros? Esperamos que sí.

VoxBox.-

Björk y la inesperada virtud de ser de otro planeta

Björk. VoxBox.

Música.- En el año que nació Björk (1965), Islandia no era un lugar que apareciera con frecuencia en las conversaciones cotidianas. Por eso, era difícil imaginar que ese país con menos de 350,000 habitantes podría dar a una de las mujeres más famosas del mundo.

Björk es un ser extraño, comenzando por su apellido: Guðmundsdóttir. Hija de una conocida activista medioambiental y de un electricista que se separaron cuando tenía 2 años, la cantante creció junto a sus seis hermanos en una comuna hippie, en la que la música tenía un papel fundamental. Pero no fueron canciones de campamento lo que hizo que Björk se interesase por cantar y tocar instrumentos varios como la flauta y el piano, sino la banda sonora de una película que se había estrenado el mismo año que nació: The Sound of Music.

Por eso, para honrar a esa mujer increíble que nos ha deleitado por tanto años con su música, sus excentricidades y su actuación, hagamos este breve recorrido por sus 52 años de vida bien vivida.

Björk: estrella infantil

El musical I Love To Love, de Tina Charles, le dio su primera oportunidad profesional, en 1977. La cantó en un recital escolar y su profesora, fascinada con el resultado, mandó la grabación a una emisora de radio —la única del país por aquel entonces—, que no dudó en emitirla.

La voz de la niña, que tenía 11 años, gustó tanto a una discográfica, que le ofreció grabar un álbum de versiones llamado Björk y que fue Disco de Oro en Islandia. A pesar del éxito, no quiso repetir la experiencia. La Björk de entonces estaba más interesada en los insectos, Albert Einstein y la banda estadounidense Sparks, que en convertirse en la versión islandesa de Melody.

Rechazó la oportunidad de grabar el segundo álbum, porque sintió que fue empujada al estrellato contra su voluntad.

Ponle un corcho en el culo a la puta

Empezó a escribir sus propias canciones y consiguió trabajo en una fábrica de pescado. Después de tocar en algunos grupos de punk (incluyendo uno llamado Spit And Snot), se quedó con una banda llamada Tappi Tíkarrass, que significa “ponle un corcho en el culo a la puta”. Poesía pura.

Después se unió a otro grupo llamado Kukl. Ficharon por el sello del grupo punk Crass, se fueron de gira por Europa en una furgoneta, no podían ducharse, vivían de pan y dormían en casas okupas: una punk consagrada, con todas las de la ley. Se rapó el pelo y en 1986 actuaron en un programa de televisión islandesa, donde Björk apareció mostrando su enorme panza de embarazada. Esto fue demasiado para algunos televidentes. Muchos se quejaron, una anciana sufrió un infarto. Björk estaba ganándole la partida a su país.

Su Debut

Instalada en Londres, divorciada y con un hijo de 7 años y con toda la vida por delante, Björk publicó en 1993 Debut, su primer disco en solitario, tal y como la conocemos hoy. Uno de los álbumes más importantes de la década de los 90 —la revista NME lo puso en el número uno de los mejores de aquel año—, cuya repercusión fue tal, que incluso Madonna pidió varias veces a la cantante que le escribiera algo para su próximo disco. Ella accedió y le entregó la canción Bedtime Stories.

De hecho, fueron muchos los artistas que quisieron colaborar con ella después del éxito de este primer trabajo en solitario, pero ella se mantuvo fiel a su espíritu raro y solo accedió a tocar con una persona, PJ Harvey, con quien interpretó un cover del I Can’t Get No Satisfaction, de los Rolling Stones.

Dancer in the Dark

A lo mejor algunos de ustedes, queridos lectores, todavía no lo sepan porque llevan mucho tiempo viendo solo cine comercial, pero a Björk le debemos también una de las películas más trágicas y hermosas de los últimos años: Dancer in the Dark.

Parece que para la cantante no fue, sin embargo, una experiencia nada agradable: decidió poner fin a su carrera como actriz en su primera película. La razón fue el director Lars Von Trier.

Tan mal se lo hizo pasar, que el propio director recordó después que cada día, antes de empezar la jornada, la cantante se acercaba a él para decirle lo mucho que lo despreciaba, para a continuación lanzarse un escupitajo.

Solo una de las muchas leyendas en torno a aquel rodaje, en el que Bjork también desapareció durante varios días y cuyo vestuario, dicen, se comió nada más finalizar la película.

La Utopia de Björk

Si Vulnicura —el álbum maravillosamente oscuro de 2015— reflejó la ruptura de su relación de una década con el artista Matthew Barney, con canciones de un dolor casi paralizante y furia latente, Utopia es un soplo de esperanza.

El álbum saldrá a la venta el 24 de noviembre y es, en palabras de algunos expertos, un disco lleno de optimismo. Además de una intensa mezcla entre tecnología y naturaleza.

De cualquier forma, lo que sacamos en claro de todo esto es que Björk no es de este planeta. Y la amamos precisamente por eso.

VoxBox.-

 

De Charles Manson a Ted Bundy: así suenan los asesinos seriales

Charles Manson. VoxBox.

Música.- Charles Manson ha muerto a los 83 años, hace unas cuantas horas. El mundo ahora es un lugar un poquito más bello, hay que decirlo.

Pero la historia de Manson no deja de ser, por lo menos, fascinante. Sobre todo porque está sumergida hasta la raíz en la cultura pop, en el imaginario colectivo de los estadounidenses y buena parte del mundo.

Cultura pop, sí, y qué más cultura pop que emparentar —aunque sea de forma equívoca— a Manson y su “familia” con la banda pop por excelencia: The Beatles.

Más o menos, así comenzó la historia

El 10 de agosto de 1969, cuando la policía llegó al 3301 de Waverly Lane, no podían creerlo: los cadáveres del empresario de la alimentación Leno LaBianca y su mujer Rosemary yacían apuñalados 60 veces.

La noche anterior habían presenciado un espectáculo parecido: la actriz Sharon Tate, el peluquero Jay Sebring, el guionista Voytek Frykowski y la acaudalada heredera Abigail Folger fueron brutalmente asesinados.

Pero ese 10 de agosto, las palabras “Haelter Skelter” (sic) podían leerse escritas con la sangre de las víctimas sobre la refrigeradora del lugar.

Aquel fue el sangriento génesis de la leyenda más maldita de la historia del pop: a nadie se le escapaba que Helter Skelter era una canción de The Beatles.

¿Habría sido la música de los Beatles el detonante de uno de los crímenes más famosos de la historia?

Obvio que no. Es una estupidez siquiera plantearlo. Aunque quizás no tan estúpido: seguramente esas leyendas que vinculaban una canción escrita por McCartney con un asesino serial, bien que mal, contribuían a vender discos.

Pero otra relación no existe. Y por mucho que nos parezca moralmente reprobable, lo cierto es que no tiene nada de extraordinario que una persona enferma escuche una canción de un grupo famoso y encuentre una justificación para sus actos.

Y aunque quizás no lo sabías, hay muchas canciones de rock —y metal— inspiradas por las historias de asesinos en serie.

Es decir, tampoco tiene nada de especial que funcione al revés: que sean los asesinos quienes inspiren a los músicos.

Aquí hay algunos ejemplos de ello:

Blackest Eyes, de Porcupine Tree (inspirada en Ted Bundy)

Ted Bundy fue un asesino que mataba y violaba a chicas. Su especialidad eran las mujeres y no le importaba la edad.

Licenciado en Psicología, mató alrededor de cien mujeres y nunca mostró mayores signos de arrepentimiento. Insistía en su inocencia, pese a las reveladoras evidencias.

Fue asesinado en la silla eléctrica en 1989, luego de ser declarado culpable. Esta canción está inspirada en este villano temible.

Midnight Rambler, de The Rolling Stones (inspirada en Albert DeSalvo)

La forma de asesinar de DeSalvo fue a apretando el cuello de sus víctimas, y generalmente eran mujeres. Albert DeSalvo venía con antecedentes familiares, ya que su padre golpeaba y tenía sexo con prostitutas delante de sus hijos. Un currículo ideal para inspirar a Sus Satánicas Majestades, The Rolling Stones.

Jack The Ripper, de Morrissey (inspirada en Jack, El Destripador)

Uno de los casos de asesinos seriales más conocidos del mundo (quizás uno de los pocos más famosos que Manson) fue conocido por ir acosando principalmente en la oscuridad de la Inglaterra victoriana del siglo XIX, destripaba a sus víctimas y hasta les arrancaba el corazón. También ha sido objeto de múltiples producciones. Morrissey, muy interesado en la literatura y en esta historia, decidió componerle una canción.

Jack es, como dijimos, uno de los asesinos seriales más archiconocidos del mundo. Por eso no es de extrañar que haya más de una canción inspirada en él. Aquí otro ejemplo:

Revolution Blues, de Neil Young (inspirada en Charles Manson)

Volvemos a nuestro inicio: Charles Manson. Esta vez no tiene nada que ver con The Beatles, pero sí con otro monstruo del rock: Neil Young.

De Manson sabemos que adoctrinó a una secta completa y los obligó a realizar diversos asesinatos durante la época de finales de los sesenta.

Neil Young conoció a Manson, quien incluso admiró su música en algún momento. En su canción habla de la secta y de los asesinatos.

33 Something, de Bathory (inspirada en John Wayne Gacy)

El miedo a los payasos no ha sido un invento de Stephen King (aunque quizás sí lo perfeccionó). La terrible historia de Wayne Gacy prueba que ese terror no es invento de la literatura: entre 1972 y 1978, comenzaron a desaparecer una gran cantidad de niños y jóvenes en el condado Cook, de Illinois. Después de una serie de investigaciones, encontraron que John Wayne Garcy fue el culpable de por lo menos 33 asesinatos. Garcy generalmente conocía a sus víctimas cuando actuaba en fiestas infantiles como el payaso Pogo, después las llevaba a su hogar para violarlas y asesinarlas. Fue sentenciado a muerte en 1980 y 14 años después fue ejecutado.

VoxBox.-

Estas son las voces francesas que más nos han fascinado

Voces francesas. VoxBox.

Música.- Las voces francesas han sido poco valoradas en este lado del mundo. Y es una pena, porque le debemos tantas cosas hermosas a Francia. Sería difícil comenzar a contar.

Pero ahí tenemos, por ejemplo, la nouvelle vague en el cine. O las grandes vanguardias como el impresionismo o el surrealismo en el arte y, cómo no, también la música.

Grandes íconos han salido de la música francesa y se han hecho un hueco en corazones de todas las partes del mundo.

Édith Piaf se convirtió en todo un símbolo del país, por su inolvidable voz. De hecho, múltiples versiones existen de La Vie en Rose, siendo la más conocida la del inmortal Louis Armstrong.

Pero hay muchos más iconos de la canción francesa, además de Édith Piaf.

Este es un pequeño tributo de los científicos de VoxBox a esa grandiosa tierra que grandes alegrías nos ha regalado.

Édith Piaf

Pequeño pero gigante gorrión de París. Su voz se ha universalizado a niveles inverosímiles. Quizás es, de esta lista, la más conocida y versionada de quienes la pueblan.

Charles Trenet

Llamado por algunos “el padre de la canción francesa”. Trenet pasó por el cine y los cabarets. Su éxito fue abrumador y su carrera fue longeva. Todavía en 1999 lanzó un disco llamado Les poètes descendent dans la rue, con catorce nuevas canciones.

Arletty

Aunque es más recordada como actriz que como cantante (su primer protagónico fue en Hótel du Nord, en 1938), esta francesa nos regaló maravillosas piezas musicales. ¿No nos creen? Súbale volumen:

Georges Brassens

Brassens no solo fue músico, sino además poeta. La simplicidad de sus canciones contrasta con sus textos llenos de ironía, de alto contenido político y crítica social. Del río de genialidad de este cantante han bebido artistas más contemporáneos como Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina.

Dalida

Cantante y actriz francesa e italiana, pero nacida en Egipto. Esta canción que te presentamos es icónica, porque la acompaña el famoso actor Alain Delon. Hermosa suicida, escribió una sentencia —tan simple que ni siquiera necesita traducción— antes de ingerir una dosis letal de barbitúricos: “La vie m’est insuppor­table. Pardonnez-moi”.

Charles Aznavour

A sus 93 años, tiene más que merecido el título de “Embajador de la canción francesa”. En sus conciertos todavía revela la estatura de clásico de la chanson, que le pertenece por derecho propio. Un deleite por donde se lo vea:

Françoise Hardy

Los más doctos podrán acá poner un grito en el cielo: Hardy es intérprete de varietés, término francés que sirve para etiquetar la música más ligera y popular. Sí, Hardy es el equivalente francés de cantante pop. Eso no la hace desmerecer ni un ápice:

Serge Gainsbourg

Feo, mujeriego y talentoso: en Gainsbourg se juntan cualidades extrañas que lo terminaron convirtiendo en un mito, en el enfant terrible. Fue, además, partícipe de uno de los romances más icónicos de los últimos tiempos: Jane Birkin y Serge Gainsbourg se conocieron en 1968, durante el rodaje de la película Slogan, en París, y en ese momento empezó todo.

Frances Gall

Interpretó en Luxemburgo, en el Festival de Eurovisión, la canción Poupée de cire, poupée de son, escrita por el mismísimo Serge Gainsbourg. Una burla monumental a ese sistema de estrellas jóvenes y bellas que le cantan al amor sin conocerlo.

Gainsbourg ocupó por varios años a Gall para que cantara sus canciones con doble sentido, hasta que salió esta canción y todo se fue a la merde.

Mylène Farmer

Aunque las comparaciones siempre están de más, no son pocos los que identifican a Farmer como la “Madonna francesa”. Fuera de comparaciones, solo en Francia ha sobrepasado los 30 millones de discos vendidos. Rara vez da entrevistas. Ha forjado su carrera y su fama a base de conciertos espectaculares y discos maravillosos.

BONUS TRACK: Daft Punk

Por supuesto, no nos vamos sin un buen, buen, buen bonus track. Aunque muchos no lo sepan, estos djs son franceses. Aunque mundialmente famosos por sus temas en inglés, nadie les quita lo francés:

A esta lista habrá que ampliarla en una segunda parte, porque nos quedamos cortos con tanta buena música francesa. Así que calma, si piensas que hemos dejado a alguien afuera, ya que pronto repararemos nuestro error.

VoxBox.-

Justin Bieber: el cantante ideal para los psicópatas

Justin Bieber. VoxBox.

Música.- ¿Lo sabíamos? Seguramente no, pero algo sospechábamos: la música de Justin Bieber es mejor recibida por psicópatas. Así lo consigna un estudio de la Universidad de Nueva York.

Este estudio analizó la relación entre personas con tendencias psicópatas y diferentes géneros musicales.

Lo que resultó en que gran parte consumía la música del canadiense Justin Bieber.

What do you mean? Justin Bieber

La NYU analizó los gustos de 190 estudiantes e identificaron 20 canciones que parecen ser muy populares entre las personas con mayor tendencia psicópata, manipuladores y con falta de empatía, y entre esas canciones sobre sale una de Bieber.

La canción es What Do You Mean?, que empieza con un inquietante sonido del movimiento de las agujas de un reloj, ideal para sacar a cualquier persona normal de quicio.

Además, los investigadores revelaron que esta canción es la más escuchada por muchos estudiantes que estuvieron muy altos en la escala de psicopatías, junto a otras canciones como Lose Yourself, de Eminem, y No Diggity, de Blackstreet.

¿Qué opinas de este tipo de estudios?

VoxBox.-