Ricardo Corea

Forma de vida basada en cafeína, series y películas. Escribir era lo mío hasta que me comenzaron a pagar por hacerlo. Un día adopté a un gato que resultó ser una galleta.

«Kurt Smells Like Teen Spirit»: El día que nació el grunge

Veamos primero la historia: El grunge surgió a mediados de los 80 como un subgénero del rock. Combina sonidos setenteros tan dispares como Led Zeppelin, Black Sabbath y Black Flag.

El término «grunge» viene de una autocrítica del cantante Mark Arm alias Mark McLaughlin que describió la música de su antigua banda —Mr. Epp and the Calculations— como «pure grunge!», basándose en la palabra inglesa «grungy», que significa «sucio».

Pero a mediados de los 80 las bandas «grunge» todavía buscaba su sonido. Nada estaba definido totalmente. El grunge buscaba una identidad, y aunque ya existían esbozos, todavía no terminaba de cocinarse.

Algunos distinguen dos momentos (olas) de este género: la primera, más parecida al metal, se incluyen grupos como Green River, Mudhoney y Soundgarden. La segunda comenzó con Nirvana y un sonido más melódico, por lo que se suele considerar que, a partir de ahí, el grunge dejó atrás sus raíces punk y se volvió más mainstream.

Y es ahí donde entra en juego la primera empresa discográfica que comenzó a impulsar este nuevo movimiento musical, —encabezado por muchachos que no solo cantaban de forma sucia, sino que además se vestían y vivían con esa misma suciedad— Sub Pop, que será recordada por haber apoyado a bandas fundacionales de este género como Green River, Soundgarden y al mismísimo Nirvana.

Y precisamente sobre este último es donde nos vamos a centrar.

El grupo encabezado por Kurt Cobain ya había publicado un disco (Bleach) allá por 1989 con un éxito, en términos comerciales, modesto —5 millones de discos vendidos—. El éxito suficiente como para que todos los involucrados pensaran en sacar un segundo álbum.

En 1991 ese segundo disco estaba terminado. Nadie se imaginaba lo que aquel disco iría a representar para la banda, para su líder, para Seattle y para la música en general. El Nevermind se daba a conocer al público un 24 de septiembre de aquel año. Vendería 30 millones de discos, sería #1 en interminables listas y posicionaría a Cobain como una de las máximas estrellas del rock de todos los tiempos.

Pero para el momento en el que Nevermind veía la luz, el grunge ya había nacido: tenía 14 días de vida, para ser exactos.

Teen Spirit

Teen Spirit es una marca de desodorantes estadounidense que vende la empresa Colgate-Palmolive. Kathleen Hanna, cantante de la banda de punk Bikini Kill y por entonces novia del baterista Dave Grohl, pintó con spray «Kurt Smells Like Teen Spirit» en el muro de Cobain. El significado verdadero del mensaje de Hanna era que Kurt olía como una mujer. Pero en ese momento él no lo sabía y lo tomó como un slogan.

Un slogan que se convertiría en un himno y en una fecha de nacimiento.

Si los géneros musicales tuviesen una partida de nacimiento, la del grunge diría 10 de septiembre de 1991. En esa fecha salió a la luz «Smell like Teen Spirit» (dicen que Cobain se fastidió cuando supo que su canción incluía el nombre de una maraca de desodorante).

Un estallido se produjo en el mundo. La Generación «X» se hacía de un himno, de una canción, de una banda y de un género que los representaba porque los comprendía.

(Por cierto, el Lado B de aquel sencillo fue esta maravillosa canción)

Cesare Pavese: el tímido homicida

El 27 de agosto de 1950 se suicidó tomando diez dosis de somnífero en un hotel de Turín. El 16 escribió: «Un clavo saca a otro clavo, pero cuatro clavos hacen una cruz» y «mi obra pública está acabada en lo que me es posible. He trabajado, he dado poesía a los hombres, he compartido la pena de muchos». El 17 escribió: «No deseo nada más en esta tierra. Este es el balance del año no acabado, que no acabaré». El 18 acaba: «No escribiré más». Y en el cajón de esa habitación encontrarán un poema: «Vendrá la muerte y tendrá tus ojos».

Cesare Pavese nació un 9 de septiembre de 1908, en Santo Stefano Belbo, Italia. Hoy lo recordamos extrayendo de su poética algunas frases que nos siguen estremeciendo.

«¡A quien no se salva por sí sólo, nadie lo puede salvar!»

«Los suicidas son homicidas tímidos.»

«No se recuerdan los días, se recuerdan los momentos.»

«Uno no se mata por el amor de una mujer. Uno se mata porque un amor, cualquier amor, nos revela nuestra desnudez, nuestra miseria, nuestro desamparo, la nada.»

«¿Te asombras de que otros pasen junto a ti y no sepan, cuando tú pasas junto a tantos y no sabes, no te interesa, cuál es su pena, su cáncer secreto?»

«Con amor o con odio, pero siempre con violencia.»

«Amor es deseo de conocimiento.»

«La lección es siempre una sola: lanzarse de cabeza y saber aguantar el castigo. Es mejor sufrir por haberse atrevido a obrar en serio, que no haberse atrevido»

«El arte de vivir es el arte de aprender a creer en las mentiras.»

«El dolor es una cosa bestial y feroz, trivial y gratuita, natural como el aire»

El milagro de Pink Floyd

Parece que septiembre se ha propuesto a recordarnos algunos de los nombres más grandes que ha dado la música en todo el mundo. Ayer celebrábamos el 70 aniversario de nacimiento de Freddie Mercury, y hoy otro monstruo cumple 73: Roger Waters.

Pink Floyd —la banda de la que Waters fue uno de sus fundadores— igual que cualquier otra banda a la que le quepa el calificativo de «legendaria» no envejece. Ni lo hará nunca. Yo nací, por ejemplo, casi 30 años después de que la banda se formara. Como en mi casa nadie escucha rock, tuve que llegar casi a tropezones a él, un poco más tarde de lo que me gustaría admitir. Pero a los 18 un amigo me invitó a un bar en la ciudad en el que se le rendiría tributo a esa banda de la que yo conocía tan poco… Y aquella música me embelesó de la forma más terrible. Creo que pasé los siguientes 5 años escuchándolos a diario. Si eso no es un milagro, no sé qué lo podría ser.

Waters ha sido, sin lugar a dudas, uno de los pilares fundamentales de la historia del rock (si es que podemos hablar de solo «una» historia del rock), y por eso quise hacer esta lista de las veces que Waters colaboró con la más variopinta gama de músicos y banda más jóvenes, y siempre sonó genial:

  1. Yo tampoco entiendo qué hizo Shakira en esa fórmula, pero quitándola a ella, esta colaboración es demoledora: Roger Waters, Gustavo Cerati y Pedro Aznar. Nada menos.

  1. El 12/12/12 fue el concierto que nos dejó algunos conciertos memorables; combinaciones de músicos de distintas generaciones y estilos. Pero ninguna como esta: Pink Floyd y Pearl Jam. Psicodelia y grunge. Waters y Vedder:

  1. Otra vez tuvo lugar este salto generacional increíble. Dave Grohl ha tenido muchos aciertos en su carrera, este quizás sea uno de los más afortunados.

  1. Esta colaboración va por partida doble: fue compuesta por Roger Waters y Ennio Morricone para la banda sonora de la película de 1998 The Legend of 1900 y, además, en esta versión el guitarrista fue Eddie Van Halen.

  1. Desde Irlanda, Sinéad O’Connor cantó junto a Waters esta maravilla:

  1. Sí, y esta canción con Cyndi Lauper es genial de una forma muy extraña.

No es soberbia, es amor: gracias Cerati

«Para mí Gustavo siempre va a ser el chico que un día vino y me dijo que quería ser músico» así lo dijo Lilian Clark, la madre de Gustavo Cerati en un programa radial argentino, a dos años del fallecimiento del músico.

En una entrevista para The New York Times, Juan Morris, periodista y biógrafo de Cerati, decía que el líder de Soda Stéreo en realidad no había sido un niño genio (como sí lo fue Charly García, por ejemplo) «Cerati era uno de nosotros: fue alguien que trabajó duro y le puso toda su energía a crecer como artista. No la tuvo fácil» aseguró.

Pero finalmente lo hizo: se convirtió en músico, como muy pocos. Fundó una de las bandas que revitalizaron por completo el rock en América Latina, primero, y luego se dedicó a componer, tocar y cantar en solitario. Y nunca el título de músico estuvo mejor utilizado.

Gustavo Adrián Cerati Clark falleció el 4 de septiembre de 2014 a consecuencia de un paro respiratorio, tras permanecer más de cuatro años en estado de coma en una clínica de Buenos Aires, a la edad de 55 años.

Desde la ciudad de la furia, seguimos tristes por su partida —por supuesto que sí— pero los músicos nunca mueren, solo se separan de la raza por algo superior. Y sí, Gustavo, sabemos que no es soberbia, es amor.

Aquí algunas frases que explican por qué nunca lo olvidaremos:

  1. «Si no olvido, moriré» (Crimen)
  2. «Este amor es la mejor cara del poder» (La excepción)
  3. «Cruza el amor, yo cruzaré los dedos» (Puente)
  4. «Es amor lo que sangra» (Lo que sangra. Soda Stereo)
  5. «Suelto el puño para no ver mi mano vacía» (Rapto)
  6. «Si el lenguaje es otra piel, toquémonos más con mensajes de deseo» (Otra piel)
  7. «Lo terrible del mar es morir de sed» Nací para esto
  8. «Un suave corazón, una premonición, dibujan llagas en las manos» (Corazón Delator)
  9. «Sé que huyo porque amo» (Prófugos. Soda Stereo)
  10. «Pronto saldrá el sol y algún daño repondremos» (Me quedo aquí)
  11. «Creo en el amor porque nunca estoy satisfecho» (Pulsar)
  12. «Mereces lo que sueñas» (Beautiful)
  13. «Sé que el diablo frecuenta soledades» (Bocanada)
  14. «Me pondré el uniforme de piel humana, no esperaba tanto resplandor» (Vivo)
  15. «Me resisto a empujarte a otro juego de azar» (Planta)

Eduardo Galeano: el rescate de la memoria secuestrada

Eduardo Germán María Hughes Galeano, nacido el 3 de septiembre de 1940 y muerto a los 74 años en su Uruguay natal, le tomó el pulso a América Latina y al mundo en su larga carrera como periodista y escritor.

Pocos escritores han comprendido y dibujado con tanta fidelidad las distintas realidades de todo un continente. Galeano es de esos pocos escritores.

Hoy, 3 de septiembre, Eduardo cumpliría 76 años y nosotros hacemos este recuento de algunas de sus mejores frases:

  1. «El código moral del fin del milenio no condena la injusticia, sino el fracaso»
  2. «La historia de América Latina es la historia del despojo de los recursos naturales»
  3. «La caridad es humillante porque se ejerce verticalmente y desde arriba; la solidaridad es horizontal e implica respeto mutuo».
  4. «Soy un escritor que quisiera contribuir al rescate de la memoria secuestrada de toda América, pero sobre todo de América Latina, tierra despreciada y entrañable».
  5. «La violencia engendra violencia, como se sabe; pero también engendra ganancias para la industria de la violencia, que la vende como espectáculo y la convierte en objeto de consumo».
  6. «Yo escribo para quienes no pueden leerme. Los de abajo, los que esperan desde hace siglos en la cola de la historia, no saben leer o no tienen con qué»
  7. «Vinieron. Ellos tenían La Biblia y nosotros teníamos la tierra. Y nos dijeron: “Cierren los ojos y recen”. Y cuando abrimos los ojos, ellos tenían la tierra y nosotros teníamos La Biblia»
  8. «El hambre desayuna miedo. El miedo al silencio aturde las calles. El miedo amenaza: Si usted ama, tendrá sida. Si fuma, tendrá cáncer. Si respira, tendrá contaminación. Si bebe, tendrá accidentes. Si come, tendrá colesterol. Si habla, tendrá desempleo. Si camina, tendrá violencia. Si piensa, tendrá angustia. Si duda, tendrá locura. Si siente, tendrá soledad»
  9. «Pobres contra pobres, como de costumbre: la pobreza es una manta demasiado corta, y cada cual tira para su lado».
  10. «La división internacional del trabajo consiste en que unos países se especializan en ganar y otros en perder»
  11. «La utopía está en el horizonte. Camino dos pasos, ella se aleja dos pasos y el horizonte se corre diez pasos más allá. ¿Entonces para qué sirve la utopía? Para eso, sirve para caminar».

JRR Tolkien: escritor y mago

El 2 de septiembre de 1973 John Ronald Reuel Tolkien (JRR Tolkien, para los amigos) finalmente se embarcó a las Tierras Imperecederas junto a Bilbo, Gandalf, Elrond, Galadriel y los elfos restantes. No lo volveríamos a ver por estas tierras, pero su obra —luego inmortalizadas en películas— seguirán con nosotros muchísimos años más.

Por si todavía no has caído en cuenta, estamos hablando del autor de la saga El Señor de los Anillos, sus libros más famosos aunque no los únicos (El Simarillion y El hobbit también los escribió él)

Pero Tolkien no solo será recordado por ser el creador de personajes tan fascinantes y memorables, sino además, y sobre todo, era filólogo (según el diccionario: «Ciencia que estudia la lengua y la literatura de un pueblo a través de los textos escritos») lo que le permitió no solo crear mundos y aventuras fantásticas, sino además inventar varias lenguas élficas (noldorin, sindarin, por ejemplo) y un sistema de escritura llamado tengwar. Un auténtico Gandalf de la lengua y la creación.

Y, como dato curioso, podemos agregar: Tolkien no quería seguir con ese tema después de El Hobbit, pero un amigo le convenció para que hiciera una secuela. Aquella petición impulsó a Tolkien a comenzar la que sería su obra más famosa, El Señor de los Anillos, publicada entre 1954 y 1955. Tolkien invirtió más de diez años en la creación de la historia y los apéndices de la novela, tiempo durante el cual recibió el apoyo constante de su amigo más cercano, C. S. Lewis, al que prestaba o leía los borradores que iba escribiendo para que los juzgara.

Aunque pueda resultar más fácil la experiencia de ver las adaptaciones cinematográficas que leer los grandes libros, tal vez estas 10 frases te animen a emprender tan colosal, pero maravillosa aventura:

«Creo que lo que llaman cuentos de hadas es una de las formas más grandes que ha dado la literatura, asociada erróneamente con la niñez»

«No debe prometer andar en la oscuridad quien no ha visto el anochecer»

«El que rompe algo para saber lo que es ha perdido el camino de la sabiduría»

«Me he dado cuenta que a menudo, los corazones de los hombres no son tan malos como sus actos, y casi nunca como la maldad de sus palabras»

«No es bueno hablar de ciertas cosas cuando las sombras reinan en el mundo»

«No todo oro reluce, ni toda la gente errante anda perdida»

«Verdaderamente intento leer muchos libros, especialmente de ciencia ficción o fantasía. Pero casi nunca encuentro un libro moderno que me llame la atención»

«Quien no es capaz de desprenderse de un tesoro en un momento de necesidad es como un esclavo encadenado».

«Poca gente es capaz de prever hacia donde les lleva el camino hasta que llegan a su fin»

Gandalf

Omar Rodríguez-López: El dictador de la música

(Post publicado originalmente el 27 de septiembre de 2012 en el blog «Ciencia del buen gusto»

Autor: @ChaloGandul)

Yo disfruto ocupar mucho de mi tiempo en buscar música, descargar discos y discos se vuelve una necesidad para mí y esta reseña está dedicada a un artista que se ha ganado mi respeto y admiración, se ha ganado un lugar entre mi selecto grupo de artistas que cariñosamente llamo “mis favoritos”.

Su nombre: Omar Rodríguez López, es un músico, cantante, productor, actor, director y guionista de cine. Nació en Bayamón, Puerto Rico pero creció en Estados Unidos, es hijo de un director de orquesta, lo que explica muy bien su pasión hacia el arte en especial la música.

Los grandes intelectos de nuestra historia se caracterizan por sus extrañas costumbres o sus increíbles experiencias de vida. En el caso de Omar, cuando era muy joven decidió simplemente irse de su casa y rondar por el mundo, viviendo en la calle, entregándose por completo a los vicios. Durante este tiempo su padre lo dio por muerto, puesto que desapareció sin dejar razón. Un día Omar se canso de vivir así y con la ayuda de su amigo de toda la vida Cedric Bixler Zavala (Músico y cantante que ha compartido la gran mayoría de proyectos de Omar) regreso a su hogar, con este acontecimiento, Omar decide empezar a trazarse un carrera dentro de la música que ha estado llena de infinidades de éxitos.

Su carrera de éxito inicia con At The Drive-In, banda de Post Hardcore en la que Omar era el guitarrista líder y Cedric Bixler , el vocalista. La banda gano el reconocimiento y respeto de la crítica con el tercer disco de la banda llamado “Relationship Of Command”, disco que actualmente es considerado uno de los pilares del género Post Hardcore. Desgraciadamente la banda se separo luego de lanzar este disco, dando lugar a que Omar y Cedric se dedicaran a otro proyecto, empezando a formar lo que luego sería su proyecto más exitoso.

Su nuevo proyecto se llamo De Facto, esta vez cambiando al género de Dub Reggae. En esta banda Omar  tocaba el bajo y Cedric, la batería agregando además teclados. Esta banda también fue muy exitosa debido a la expectativa que generaba el hecho de que el grupo estuviera conformado por miembros de At The Drive-In. De Facto únicamente lanzo dos EP y dos discos de estudio.

Omar Rodríguez López no estaba satisfecho con la música que hacía, así que empezó a dar forma a su proyecto más exitoso: The Mars Volta, banda con la que ha ganado el Grammy y ha vendido infinidad de copias, lanzando hasta la fecha seis discos de estudio, entre ellos los aclamados “De-loused In The Comatorium ” y “Frances The Mute”, además ganándose la aprobación y el respeto de artistas como Gustavo Cerati, Juanes y Molotov.

En paralelo con The Mars Volta, Omar ha trabajado en su carrera en solitario, llevando a la fecha 28 discos, cifra que de un momento a otro aumentara debido a la inquietud musical de Omar (el mismo Omar ha dicho que por cada disco que es lanzado al mercado, otras dos o tres producciones, son archivadas en su catalogo personal, lo cual incrementaría su producción como solista casi el doble o el triple). Sus discos tienen un alto grado de experimentación y cuentan con colaboraciones de otros artistas como John Frusciante (siendo también un colaborador constante en la música de The Mars Volta), Lydia Bunch, Damo Suzuki, Ximena Sariñana, Teri Gender Bender y por supuesto su entrañable amigo Cedric Bixler Zavala.

Musicalmente hablando, Omar Rodríguez López es considerado un dictador y un tirano (entre su grupo de amigos y colegas algunos lo llaman “el pequeño Hitler”), debido a que en todos su proyectos es el encargado de la composición de toda la música, cuando decide grabar un disco, el escribe la música de guitarra, bajo, batería, teclado, saxo, sintetizadores y demás instrumentos que desea agregar. Cuando ya las tiene escritas, llama a su grupo de músicos para que se dediquen a grabar las partes que les corresponden, todo esto supervisado por Omar mismo, si no tocan como Omar desea, simplemente no pueden formar parte del proyecto. Durante sus giras de conciertos con The Mars Volta y Omar Rodríguez  López Group (su banda como solista), Omar obliga a sus músicos a ensayar el setlist durante 16 horas al día, los siete días de la semana, todo esto para lograr que toquen la música como Omar desea. Esta dictadura, que se puede ver muy rigurosa y hasta cierto punto despótica, en realidad ha sido una de las mejores cosas que ha podido hacer como artista ya que le ha dado la fama y prestigio, no solo a él, sino también a sus colaboradores a quienes también la critica consideran como artistas de elite.

Como productor Omar se ha encargado de otros proyectos como Big Sir, Zechs Marquise y Le Butcherettes (banda en la cual el también colaboro tocando el bajo en su primer y a la fecha único disco). En cuanto al cine, Omar se ha destacado como actor y director, ya que en las películas que dirige también actúa, tal es el caso de “The Sentimental Engine Slayer” que enmarca la vida y adversidades que sufren la gente latina en la sociedad actual, y también es el caso de su más reciente película “Los Chidos” que retrata de manera excelente los abusos y el machismo que actualmente se vive en Latinoamérica.

Omar es la prueba más grande de que el talento, la dedicación y la disciplina, son la clave para lograr lo que se desea, en especial si te dedicas a lo que amas. En lo personal, como artista Omar siempre me sorprende, cada día encuentro un matiz nuevo entre su música, música que considero de primera calidad, una artista que tiene aun mucho que ofrecer, ya nos ha dado grandes muestras de lo grande que es como artista y creo que hacen falta muchísimos más artistas como él en el mundo.

Para concluir los dejo con un par de canciones del inmenso repertorio de canciones de Omar Rodríguez López tomadas de dos de sus discos como solista, la primera canción llamada “Population Council’s Wet Dream” de su disco “Old Money”, la segunda canción se titula “Locomoción Capilar” de su disco “Solar Gambling” que cuenta con la colaboración de Ximena Sariñana como vocalista. Disfrútenlas.

 

Instrucciones para llorar: Cortázar no es Rayuela

Cortázar no es Rayuela. Dejémoslo claro de una buena vez. Cortázar no es Rayuela, y por si no me creen, aquí algunos datos: Cortázar es un escritor argentino nacido un 26 de agosto de 1914. Rayuela es la segunda novela de Cortázar, escrita y publicada en 1963. Cortázar fue uno de los pilares de aquel momento literario en Latinoamérica conocido como el «Boom», en el que figuraba otros señores de la palabra como García Márquez y Carlos Fuentes. Rayuela es una grandiosa novela, levemente sobrevalorada, que algunos internautas creen que está compuesta por una sola oración («andábamos sin buscarnos, pero sabiendo que andábamos para encontrarnos»).

Aclarado este punto, la cosa se vuelve más fácil. Dicen por ahí que el mejor Cortázar es un mal Borges. No, no estoy de acuerdo. Me rehúso a caer en esa manía facilona de comparar lo que no se puede comparar: Cortázar no es Rayuela. Borges no es Cortázar (ergo, ¿Borges no es Rayuela?).

Cortázar, como cualquier escritor que se precie de serlo, no puede simplificarse a algunas palabras escogidas de sus libros, pero si todavía no lo has leído, si eres de los que creen que Cortázar es Rayuela, aquí te dejamos estas frases maravillosas del argentino que no están en Rayuela:

  1. «Todavía no sentimos montar los recuerdos, esa necesidad de inventariar el pasado que crece con la soledad y el hastío». (Queremos tanto a Glenda)
  2. «Todo hay que volver a inventarlo,[…], el amor no tiene por qué ser una excepción.» (Libro de Manuel)
  3. «Vení a dormir conmigo: no haremos el amor, él nos hará». (Salvo el crepúsculo)
  4. «Y diré las palabras que se dicen, y comeré las cosas que se comen, y soñaré las cosas que se sueñan, y sé muy bien que no estarás». (Salvo el crepúsculo)
  5. «Lo que llamamos absurdo es nuestra ignorancia». (Los premios)
  6. «¿Hasta cuándo vamos a seguir creyendo que lo maravilloso no es más que uno de los juegos de la ilusión?» (La tos de una señora alemana)
  7. «La verdad que no me importa si no entiendo a las mujeres. Lo único que vale la pena es que lo quieran a uno. Si están nerviosas, si se hacen problemas por cualquier macana, bueno nena, ya está, deme un beso y se acabó». (La señorita Cora)
  8. «Hasta lo inesperado acaba en costumbre cuando se ha aprendido a soportar». (Todos los fuegos, el fuego)
  9. «Ningún juego te hará olvidar: tu alma es una máquina fría, un lúcido registro. Nunca olvidarás nada en un torbellino que arrase lo grande y lo pequeño para tirarte a otro presente». (62 modelo para armar)
  10. «Un puente no es verdaderamente puente mientras los hombres no lo crucen». (El libro de Manuel)
  11. «Para llorar, dirija la imaginación hacia usted mismo, y si esto le resulta imposible por haber contraído el hábito de creer en el mundo exterior, piense en un pato cubierto de hormigas». (Instrucciones para llorar)
  12. «Creo que no te quiero, que solamente quiero la imposibilidad tan obvia de quererte como la mano izquierda enamorada de ese guante que vive en la derecha». (Salvo el crepúsculo)

Coelho y Borges: cuando el universo no conspira a tu favor

La literatura ha tenido sus buenos y malos momentos, aunque nunca se ha sabido bien cuando un momento es bueno y cuando es malo. Este día se celebra el nacimiento de dos hombres cuya obra lo ejemplifica mejor que nada: Jorge Francisco Isidoro Luis Borges Acevedo nació en Buenos Aires en 1899 y Paulo Coelho de Souza nació en Río de Janeiro en 1947.

¿Qué tienen en común estos dos escritores además de la fecha de nacimiento? Casi nada, excepto el extraño nombre de aquel librito: El Aleph. Pero veamos algunos detalles más.

Paréntesis número 1: En este punto es muy probable que los lectores de Borges estén comenzando a inquietarse conmigo por semejante comparación estólida, mientras que los lectores de Coelho recién se enteran que existe alguien llamado Borges.

Paréntesis número 2: Pero calma, lectores de Borges: «el verbo leer, como el verbo amar y el verbo soñar, no soporta el modo imperativo» ¿Recuerdan quién escribió eso?

Procedamos con las indiscriminadas comparaciones (pero como esto es Internet y aquí gana lo más light, quedémonos tan solo con algunas frases escogidas al azar)

Compare usted:

«El tiempo se bifurca perfectamente hacia innumerables futuros» (Jorge Luis Borges)

«Todo lo que ocurre una vez puede no ocurrir de nuevo. Pero todo lo que ocurre dos veces ocurrirá una tercera vez seguramente» (Paulo Coelho)

«Las herejías que debemos temer son las que pueden confundirse con la ortodoxia» (JLB)

«Las cosas no siempre ocurren del modo en que me gustaría y es mejor que me acostumbre a ello» (PC)

«Pensé que un hombre puede ser enemigo de otros hombres, de otros momentos de otros hombres, pero no de un país: no de luciérnagas, palabras, jardines, cursos de agua, ponientes» (JLB)

«No te expliques. Tus amigos no lo necesitan y tus enemigos no lo creerán» (PC)

«Todos caminamos hacia el anonimato, solo que los mediocres llegan un poco antes» (JLB)

«Creo que la iluminación o revelación vienen en la vida diaria. Busco el disfrute, la paz de la acción. Necesitas actuar. Hubiera parado de escribir hace años si fuese por el dinero» (PC)

«Ser inmortal es baladí; menos el hombre, todas las criaturas lo son, pues ignoran la muerte; lo divino, lo terrible, lo incomprensible, es saberse inmortal» (JLB)

«Vive el presente, es lo único que tienes» (PC)

«En mi corta experiencia de narrador, he comprobado que saber cómo habla un personaje es saber quién es, que descubrir una entonación, una voz, una sintaxis peculiar, es haber descubierto un destino» (JLB)

«Escribir significa compartir. Es parte de la condición humana querer compartir cosas, pensamientos, ideas, opiniones» (PC)

¿Hará falta que siga con esto?

Top random: Andrés Calamaro

Cantante, músico, compositor y productor discográfico. Hablar de Andrés Calamaro no es tarea sencilla. Lleva toda una vida consagrado a la música, a la buena música, y es una de las piezas fundamentales para entender el rock en español de los últimos años.

Con más de 30 años dedicados a su arte, hacer un recuento de sus «mejores» canciones sería una tarea bastante injusta —además de tonta—.

Por eso, y con la excusa de celebrar los 55 años de vida del Salmón, te dejamos con este listado de canciones completamente arbitrario y que responden únicamente a los gustos de quien escribe. Cualquier queja favor dejarla en los comentarios:

  1. Si no eres muy fan de Andrés, seguramente no sabías que esta canción la escribió cuando formaba parte de la banda «Los abuelos de la nada». Y no, la versión original no es una cumbia.

  1. Directamente extraído de su primer álbum como solista (Hotel Calamaro), publicado mientras todavía estaba con Los abuelos de la Nada y producido por un tal Charly García, nada menos.

  1. La segunda banda de la que formó parte Calamaro se llamaba Los Rodríguez. Estaba compuesta por dos músicos argentinos y dos españoles. Grabaron apenas 3 discos de estudio —mala suerte la nuestra— y sonaban así.

  1. En 1997 Calamaro vuelve a publicar como solista. El título de esta producción es inmejorable: Alta Suciedad. Y esta canción lo es todo.

  1. Este álbum le dejó a Calamaro el sobrenombre que lo acompañará probablemente toda su vida y una sequía creativa de casi 4 años. Nada sorprendente si tomamos en cuenta que se trata de un disco quíntuple (sí, 5  cinco discos). Luego se simplificaría a un solo disco con 25 temas y a otro disco llamado «Salmonalipsis Now» editado en 2011 con 2 CD y cinco canciones inéditas.

  1. A manera de Bonus Track voy a agregar esta joyita un poco extraña. Del disco On The Rock, esta colaboración con los puertorriqueños de Calle 13. Una canción divertida, digna de dedicar en situaciones especiales.