Preparen sus trajes y sus waffles: Eleven llegará a Sudamérica en 2017

Trending.- Millie Bobby Brown, la actriz detrás de Eleven en Stranger Things, ha anunciado a través de su cuenta de Twitter que se dará un paseo por América del Sur, visitando Brasil, Argentina y Chile.

La primera parada será en Sao Paulo el 20 de mayo, para luego ir el 21 a Rio de Janeiro. Luego pasará por la Comic-Con Argentina el 26 de mayo, para cerrar en la Comic-Con Chile, los días 27 y 28 de mayo.

Tal como dice la propia Eleven: “Preparen sus trajes”, para 2017, que además trae una segunda temporada de Stranger Things.

VoxBox.-

Hogar de mis recuerdos: la promesa de trascender a través de la memoria

Opinión.- Todos tenemos un ser querido que nos dejó esa semillita para que nos dediquemos a lo que ahora nos dedicamos, dice Javier Méndez Lafón. Y sabe de lo que habla: cuando tenía 8 años le ayudaba a su abuelo en su taller de carpintería y juntos hacían casas. Casas de madera, en miniatura. Su abuelo fue ese ser querido que sembró esa semilla.

Aquel pasatiempo se convertiría —años después— en una idea más grande: un cortometraje animado que rescata la melancolía de aquellos años, la cercanía con el abuelo y la forma en la que aprendió a construir poco a poco (que es, al fin y al cabo, como se construyen las grandes obras).

Javier Méndez Lafón estudió animación y arte digital en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey. Tuvo la oportunidad de comenzar su carrera profesional como parte del equipo del largometraje de Ana —el primer Largometraje realizado en México— y luego estuvo involucrado en la película de Huevocartoon, Un gallo con muchos huevos. Fue ahí donde comenzó a realizar el cortometraje Hogar de mis recuerdos.

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“Estuvo padre —asegura Méndez—, porque conocimos a los 150 artistas que pasaron por ahí. Fue cuando les platiqué la idea de este proyecto. Muchos me apoyaron. En las horas libres trabajamos de vez en cuando en el cortometraje”.

Javier lleva cuatro años metido de lleno en ese proyecto, su primero como director. Pero el camino es difícil, cuesta arriba desde donde se quiera ver. Se requiere de muchos artistas, mucho trabajo y mucho dinero. Sobre todo dinero.

¿Cómo se consigue el dinero para un proyecto así?

Méndez asegura que es un trabajo durísimo, que es casi imposible. “La gente ve los cortos y no ve forma de hacer negocio”, afirma.

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La solución que encontró entonces fue Kickstarter, una plataforma de financiamiento para proyectos creativos de todo tipo: desde películas, juegos y música, hasta arte, diseño y tecnología.

La plataforma funciona así: el creador de cada proyecto fija una meta y un plazo de financiamiento. Si a la gente le gusta el proyecto, puede contribuir con dinero para hacerlo realidad. Si el proyecto alcanza su meta de financiamiento, se realizará el cargo a las tarjetas de crédito de los patrocinadores cuando finalice el plazo. El financiamiento en Kickstarter es: “Todo o nada”; es decir, si el proyecto no alcanza su meta de financiamiento en el plazo determinado, no se realiza ningún cargo.

Si el proyecto se financia con éxito, Kickstarter deduce una comisión del 5 % de los fondos recaudados.

Javier lo explica así: “Estás pagando un boleto para una función y eres parte de ella. Es la parte más padre de esto, porque tomas en cuenta al público para llevarlo a cabo. Hay personas que nos han apoyado desde Rusia, Inglaterra, la India, eso lo vuelve enriquecedor”.

Javier habla de su proyecto con la misma devoción que un padre narraría las primeras palabras de su hijo. Cree firmemente que su cortometraje podría ser un éxito, porque el mensaje es universal: trascender a través del recuerdo. La vital importancia de no olvidar las enseñanzas de nuestros abuelos, a pesar de que el mundo haya cambiado tanto (o quizás precisamente porque ha cambiado tanto).

Pero Hogar de mis recuerdos, el primogénito, no se proyecta como el único. Al preguntarle a Javier qué vendrá después, responde sin titubear que, una vez terminado (espera que esté listo en octubre de 2017), planea llevarlo a festivales y presentarlo en la mayor cantidad de escenarios posibles.

Y luego vendrá el sueño de crear un estudio de animación.

Hacer cosas distintas, contar otras historias, desde otras perspectivas. Dejar de ver la animación como mero entretenimiento comercial y apreciarlo como una poderosa pero sutil forma de comunicar valores, verdades y alegrías. Algo que le vendría bastante bien recordar al mundo, en especial a América Latina.

¿Hay alguna forma de ayudar? Sí, tú puedes patrocinar este proyecto desde un dólar en adelante y ser parte de este hogar, que de seguro nos dará muchas gratificaciones. Puedes entrar a la página del proyecto haciendo click aquí.

VoxBox.-

¿Son estas las peores series de 2016?

Detalles.- El 2016 vino cargado de producciones de series. Aunque si bien hubo muchas novedades y grandes producciones, también hubieron no muy buenas: series que sus nuevas temporadas aburrieron, así como nuevas series que no cumplieron con las expectativas que iban mostrando en sus adelantos.

10. El exorcista (S01)

Los adelantos nos mostraban una calidad que poco se sostuvo con el correr de los episodios. Si bien la historia era prometedora, finalmente solo la musicalización y el comienzo donde vemos al cura con el maletín nos hace rememorar a la película de 1974. Las actuaciones dejan mucho que desear, sobre todo a quien interpreta al padre Thomas Ortega, Alfonso Herrera, con lo que no parece creíble en su papel de cura, aunque sea aclamado por muchas mujeres. Hasta la mismísima Geena Davis no logra un buen papel, haciendo que la serie que prometía ser terrorífica se transforme en terrorífica por lo aburrida que es.

9. Fear The Walking Dead (S02)

Finalmente llegó una segunda temporada para la serie que desde que empezó no logra llenar a los fans de The Walking Dead ni atraer nuevos fans. La serie que hermana a Rick y a los suyos nuevamente pasó sin pena ni gloria. Su gran problema es que básicamente no logra que la audiencia empatice con ninguno de sus personajes, haciendo que cada situación pasara de forma indiferente ante los ojos del espectador. Que el producto madre sea exitoso, no indica que un spin-off llegue a ese nivel.

8. Man With a Plan (S01)

Nuevamente Matt Le Blanc, nuestro eterno Joey, no atina con la elección de una nueva serie. Él interpreta a un padre que se queda en casa, mientras su esposa vuelve a trabajar. El tipo de humor y ver cómo un hombre quedó desconcertado ante los simples deberes paternos es una idea bastante antigua. Juega con temas que ya han quedado desactualizados y hasta parece que fuera una serie de décadas atrás. No trajo frescura y solo trajeron más de lo mismo… más de lo mismo de unos años atrás.

7. Heartbeat (S01)

Muchos suponemos que ante la vigencia de Grey’s Anatomy, lo mítico que se volvió House y las nuevas series como Chicago MED, los dramas médicos son fuente de éxito. Pero en realidad no lo es: instalarse en un género que tiene sus series preferidas dificulta la entrada de nuevos shows. Más en este caso, donde pocos sintieron empatía por esta cirujana cardiotorácica que no se tortura por las elecciones y sucesos de su vida, sino que asume que siempre existe una solución para sus problemas. Un poco de drama y comedia que no capta audiencia y que, AL FIN, terminó con la cancelación del show.

6. Damien (S01)

Retomar películas de culto del terror es una tarea bastante difícil, y lo vemos semana a semana con El exorcista, como ya hemos mencionado. Actuaciones que dejan mucho que desear, como la de Bradley James como el anticristo, además que la trama es terroríficamente aburrida. Y no llega a cumplir con lo que imaginamos cuando comenzaron los anuncios de esta serie. Cuesta mucho seguir el hilo de un producto que prometía funcionar como una continuación de La Profecía, la película de 1976, transformándose en una desilusión para los fanáticos de la película y del género terror.

5. Wayward Pines (S02)

La segunda temporada de esta serie parece que para lo único que estaba al aire era para asesinar a los personajes favoritos de los fans, además que su trama era bastante similar (por no decir repetición) de la primera temporada. Además que los nuevos protagonistas no eran tan intrigantes como fue el caso del Dr. Jason Theo Yedlin. Esa vuelta de tuerca donde Jason, el líder la ciudad, descubre que su esposa Kerry también es su madre biológica… demasiado para nuestras cabezas.

4. Houdini & Doyle (S01)

Si bien en un primer momento la idea era buena, mostrar la amistad del mago Harry Houdini y Sir Arthur Conan Doyle, el autor de Sherlock Holmes (quienes trabajaban aquí como detectives en el Londres de finales de siglo), sonaba lo bastante astuto. Aunque poco tenía que ver con la realidad, ya que ciertamente los verdaderos personajes mantuvieron uno de los enfrentamientos ideológicos más fascinantes del siglo XX (Doyle defendía la posibilidad del contacto con los muertos, mientras que el gran ilusionista se dedicó a desenmascarar médiums), la buena idea no fue acompañada por la química de los actores, ni por la audiencia, y llevó a que fuera cancelada.

3. Scream Queens (S02)

La primera temporada de Scream Queens nos sorprendió, sobre todo por la versatilidad de productos que Murphy tenía al aire. Cuando la segunda temporada comenzó a promocionarse, también generó muchas expectativas, fundamentalmente con las nuevas incorporaciones como John Stamos y Taylor Lautner. Pero finalmente solo vimos una repetición de lo que fue la primera temporada, con la diferencia que el disfraz del asesino era verde en vez de rojo…

2. Fuller House (S02)

Aunque no lo crean y muchos lo critiquen, la serie llegó a tener dos temporadas este año. Un revival que nos sorprendió y en un momento nos hizo hasta emocionar. Pero luego de los primeros episodios, donde lo que más se ponía en juego era la emoción, sobre todo al volver a ver a todos los personajes después de tanto tiempo, llegó la segunda temporada y todo se volvió en un lugar común: si bien respetan el humor familiar, los problemas son exactamente los mismos que los de Jesse, Danny y Joey, pero desde un aspecto femenino, con lo que esto no alcanzó y aburrió. Un lindo recuerdo de la infancia, pero no una gran producción de este año.

1. Vinyl (S01)

La fusión de Mick Jagger y Martin Scorsese era más que prometedora, y con una gran publicidad la serie comenzó. La forma en contar la historia era un poco compleja, complicando el entendimiento. Si bien esta serie generó una gran cantidad de fans, no fueron los suficientes y sus niveles de audiencia eran muchísimo más bajos que los costos de producción. Para el jefe de programación de HBO el show fue decepcionante, porque básicamente no funcionó como ellos querían, y eso significa fracaso. Imaginen que los números no alcanzaron, ni los 800,000 espectadores en promedio durante el estreno del episodio piloto, algo que en la TV de hoy es lo que rige la continuidad.

¿Estás de acuerdo con esta selección?

VoxBox.-

Las cumbias de Edith Piaf

Esta mañana amanecí pensando en Edith Piaf, que ayer habría cumplido 101 años y en que no he vuelto a ver la película en la que Marion Cotillard le dio vida al gorrión de París.

Música.- Siempre he sido curiosa. Es maña vieja de niña retraída en las soledades de una biblioteca. Me gusta ser así. Esto me ha salvado de varios errores o de que me engañen; de hecho, han sido pocas las personas que han logrado engañarme y cuando ha pasado reconozco que la maldad (verdadera o no) no es lo malo en los demás, sino que es error mío, por no ir a averiguar yo.

En fin, esta mañana amanecí pensando en Edith Piaf, que ayer habría cumplido 101 años y en que no he vuelto a ver la película en la que Marion Cotillard le dio vida al gorrión de París, sobrenombre amoroso e ingenioso que se le dio a esta huérfana criada en un burdel.
Pensé en escuchar Hymne a l’amour, porque ya saben… soy una cursi bajo esta pinta de señora brava. Pensé en el inmenso amor entre Edith y Marcel, un famoso boxeador que murió en un accidente de avión mientras iba a encontrarse con ella… destilo miel, pero entonces Deezer hizo la bondad de decidir por mi y sonó La Foule, y amanecer así es lindo…

Pero… ALTO… ¿dónde he escuchado una tonada parecida? Claro, en una cultura tan popular como en la que vivimos, usted, querido lector, también se estará preguntando lo mismo, y resulta que lo que nos une a usted y a mí es una conocida cumbia de la Sonora Dinamita, en cuyo video hace plétora de mujeres muy maquilladas, semidesnudas y bailando (moviendo las caderas como torbellino), e irónicamente sufriendo por un tipo ingrato…

En el momento de caer en la cuenta del remake me dio dolor en algún punto del cuerpo y renegué de la poca creatividad latinoamericana… claro, esa soy yo y mis ínfulas de superioridad académica, pobre de mí. Por supuesto, vine a mi oficina y me puse a buscar los argumentos para escribir esta entrada y dejar a Edith Piaf en los más altos altares de la poesía musicalizada, y ¡tas!, averigué que La Foule no es de la autoría de la famosa francesa, y que el autor es un latinoamericano llamado Enrique Dizeo, quien la escribió en 1936 y que originalmente era un vals peruano o criollo.

Conclusión: Hay que ser curiosos. No por escuchar una versión u otra quiere decir que una u otra sea mejor, o que la que nos guste es la ÚNICA válida. Otra lección es que hay personas que logran tomar algo y llevarlo a mejores condiciones, como lo hizo Piaf… o la Sonora Dinamita… dependiendo del gusto.

 

Texto original tomado del blog La Siguiente Accidentalidad

puede leer el texto original acá:

Lo que escuchamos, lo que nos dicen y lo que nos creemos y de paso lo que averiguamos…

El sueño de libertad: Simón Bolívar

Simón Bolivar. VoxBox.

“El verdadero destino del hombre es la libertad” – Simón Bolívar

Opinión.- A Simón Bolívar se le conoce en quinto grado de primaria, cuando las disciplinadas profesoras lo ponen a uno a recitar los hechos históricos de América Latina. Bueno… al menos yo ahí lo conocí, y es el recuerdo que tengo como primer contacto con este hombre. Por supuesto, uno entierra esos conocimientos para ir adquiriendo otros, pero Bolívar se queda por ahí agazapado, esperando el momento adecuado para resurgir, como cuando se habla de Bolivia, o de la República Bolivariana de Venezuela o tantos logros a posteriori.

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Pero resulta que Bolívar también se queda en la mente por su sueño de unificación. Algo así soñaba Morazán en nuestra Centroamérica, tan lejana de aquellas montañas y llanuras suramericanas.

Pero ¿por qué hablar de Simón ahora? Hoy se celebra su aniversario luctuoso. En 1830, el 17 de diciembre, moría el Libertador, título que había sido otorgado durante su lucha independentista. La versión oficial dice que fue una tuberculosis la que apagó esa vida con apenas 47 años de edad. La vida sigue y siglos después Netflix subió una película verdaderamente hermosa sobre este prócer.

Libertador, película de 2013, narra la vida de Bolívar, con una espectacular fotografía y una dirección muy limpia que nos muestra un inicio de la vida bastante idílica para Simón, el amor profundo entre él y su maestro, Simón Rodríguez, precisamente una figura paterna que lleva a un disipado Simón a tomar una decisión: seguir una vida de burgués luego de la muerte de su esposa, María Teresa Rodríguez del Toro, quien enfermó de fiebre amarilla y murió en su primer año de casados, o tomar parte en las gestas independentistas de Suramérica.

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En esta producción venezolana, pero con apoyo de Estados Unidos, España y Alemania, podemos ver maravillosas interpretaciones actorales de Édgar Ramírez, quien encarna a Bolívar, y le acompañan Danny Huston, Gary Lewis, Iwan Rheon, Juana Acosta y María Valverde. Como dato importante, hay que destacar la actuación de 400,000 extras, quienes encarnan a diversos pueblos liberados del yugo español en el siglo XIX.

Como es lógico, en la película no todo es maravilloso y fácil: saltan a los ojos del espectador los diversos conflictos que se  dieron entre los independentistas, que no siempre estaban de acuerdo con la visión de Bolívar.

En la dirección de la película está Alberto Arvelo y para la musicalización se contó con el director de orquesta Gustavo Dudamel.

En lo personal, la película me parece muy buena y con una visión un poco distinta a la versión oficial, y la escena final es muestra de ello. No se las cuento para que la disfruten de cabo a rabo. Les dejo el tráiler:

En la infancia, además de enseñarme historia me enseñaron a ser desconfiada, en especial de los que se presentan como salvadores y libertadores. Durante años siempre he pensado que los próceres, al menos en Centroamérica, fueron gente que querían el poder que la corona española tenía, solo para tenerlo ellos. El pueblo siguió y sigue pobre.

No sé si eso pasó en Suramérica, pero al parecer es una constante histórica. Aún así… es bueno poner atención a este hombre, que siempre ha sido mostrado muy humano, muy solidario, muy lleno de esperanzas y de importancia para sus pueblos. Hasta donde estés, Simón… regálales un poco de tino a los actuales gobernantes de América Latina.

VoxBox.-

Wolverine le dejó este mensaje a Deadpool en Instagram

Trending.- Hugh Jackman ha compartido un hilarante video en su cuenta de Instagram, en el que aparece oculto tras una careta de Deadpool (guiño a la película de Reynolds, donde este hace lo propio con una careta de Jackman). Durante el minuto que dura la grabación, el actor que da vida a Wolverine, haciéndose pasar por el canadiense, repasa su carrera: “Puede que me recuerden por ser el hombre más sexy de 2011, según la revista People o por la 12.ª mejor película de DC, Linterna Verde”. Alardea de dotes interpretativas: “¿Cómo un tío que suspendió su clase de teatro en el instituto puede tener tanto talento? No tengo una respuesta para eso”. Aprovecha para referirse a cierto ídolo: “Mi actor favorito en el mundo, el gran actor australiano Hugh Jackman, que por cierto fue el hombre más sexy según la revista People, mucho antes que yo”.

@VanCityReynolds asked me to post this 100% real video by him on being honored with a star on Hollywood’s Walk of Fame today.

Un vídeo publicado por Hugh Jackman (@thehughjackman) el

Ambos intérpretes son muy amigos, e incluso Ryan Reynolds ha pedido a sus seguidores que le ayuden a evitar que Jackman deje de ser Wolverine, antes de que puedan hacer una película juntos. Y nosotros, por supuesto, queremos que lo hagan. ¿Lo conseguirán?

VoxBox.-

10 maravillosas películas sobre el fin del mundo

Películas sobre el fin del mundo. VoxBox.

¿Qué sucede cuando los cineastas se imagina el fin de todo? A continuación te compartimos una lista de 10 apasionantes películas sobre el fin del mundo.

Cine.- Desde los días del cine mudo, los cineastas se han dado cuenta de que el fin del mundo es un tema que seduce al espectador debido a que lo confronta directamente con las catástrofes y la inminente desaparición de la civilización tal como la conocemos. El apocalipsis ha sido representado de múltiples maneras en la historia del cine.

A continuación te compartimos una lista de 10 apasionantes películas sobre el fin del mundo.

When Worlds Collide

(Dir. Rudolph Maté, 1950)

Una estrella gigante está por impactarse contra la Tierra, lo que inevitablemente provocará el fin del mundo. Las autoridades se niegan a escuchar a los científicos, y un grupo de empresarios decide financiar la construcción de una nave espacial con el fin de transportar a un número limitado de personas a otro planeta para crear una nueva civilización. A medida que se aproxima el fin, tendrán que luchar no sólo contra el tiempo, sino también contra el pánico de los que están condenados a quedarse en la Tierra.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb

(Dir. Stanley Kubrick, 1963)

El apocalipsis nuclear es iniciado por un general loco (Sterling Hayden) que cree que sus fluidos corporales están siendo manipulados por subversivos comunistas, mientras que los políticos y los altos mandos se sientan a discutir la idea del Armagedón. El presidente de los EE.UU. se pone en contacto con Moscú para convencer al gobierno soviético de que el ataque no es más que un estúpido error. Mientras tanto, el asesor del Presidente, un antiguo científico nazi, el doctor Strangelove, confirma la existencia de la “Máquina del Juicio Final”, un dispositivo de represalia soviético capaz de acabar con la humanidad para siempre. La comedia más negra de Stanley Kubrick parece cada vez más relevante en un mundo cuyos habitantes parecen empeñados en destruirse mutuamente.

The Quiet Earth

(Dir. Geoff Murphy, 1985)

El científico Zac Hobson experimenta con una fuente de energía de extraordinario poder: un cinturón de fuerza que rodearía todo el planeta. Pero el experimento tiene severas fallas y envía a casi toda la población a una dimensión desconocida, y el cinturón acaba sin dejar rastro de los seres vivos de todo el planeta. Aunque al principio Zac se desespera pensando que es el único hombre que queda vivo sobre la faz de la Tierra, pronto localiza algún superviviente más.

The Sacrifice

(Dir. Andrei Tarkovsky, 1986)

La película final de Andrei Tarkovsky es un severo y sobrio correctivo a la histeria de algunos éxitos de taquilla que han abordado el fin del mundo, tratando no sólo la posibilidad del apocalipsis, sino también las secuelas de su no aparición. En una serie de tomas largas y persistentes capturadas por el cinemfotógrafo Sven Nykvist, Tarkovsky cuenta la historia de Alexander (Erland Josephson), un esteta agnóstico que, al enterarse de que el mundo está condenado a la destrucción nuclear, hace un trato con Dios en el que él sacrificará todo lo que ama en su vida si lo inevitable puede ser revertido. Cuando se despierta a la mañana siguiente, todo es normal de nuevo y debe cumplir su parte del trato. En el filme se manifiesta un poderoso sentimiento de aislamiento espiritual, pero también un sentido de trascendencia y sanación, particularmente en el carácter del Pequeño Hombre, el hijo del héroe, que es mudo hasta los momentos finales. The Sacrifice  es también la turbulencia intelectual detrás de lo que fue una declaración final del agonizante Tarkovsky.

When the Wind Blows

(Dir. Jimmy Murakami, 1986)

Basado en la novela gráfica de Raymond Briggs, When the Wind Blows ofrece un apocalipsis muy británico en el que una pareja de ancianos, Hilda y Jim, vive su vida cotidiana frente a la guerra nuclear contra la Unión Soviética. Ellos siguen el consejo de Protect and Survive, blanqueando sus ventanas y construyendo un “núcleo interno”. Cuando los misiles chocan, la pareja sobrevive pero descubre que son los últimos restos de la civilización. Ellos mantienen su rutina cotidiana frente a la desesperación, pero finalmente se desgastan por el aislamiento y la enfermedad por radiación. La película de Jimmy Murakami, sencilla pero elegante, es una de las películas más terribles y desgarradoras visiones sobre el Armagedón nuclear.

The Rapture

(Dir. Michael Tolkin, 1991)

El Libro del Apocalipsis es una fuente atractiva para aquellos que tienen un peculiar gusto por las visiones extrañas de la catástrofe y muchas películas han hecho referencia de ello. Pero ninguno lo ha tomado tan literalmente como The Rapture de Michael Tolkin, que concluye con escenas que vienen directamente de las páginas de la Biblia. Los cuatro jinetes del Apocalipsis aparecen, los grilletes de los presos caen, las trompetas suenan y la oscuridad cae sobre el mundo. La película es ampulosamente poderosa y perturbadora, centrada casi en su totalidad en una interpretación dolorosamente creíble de Mimi Rogers como Sharon, una swinger que se convierte al cristianismo al saber que el juicio final está cerca. Pero las cosas salen mal y nos quedamos con una película que plantea más preguntas de las que responde. La escena final, que muestra la desolación espiritual y física, es cruelmente lógica en sus implicaciones sobre exactamente quiénes serían “los elegidos”.

Last Night

(Dir. Don McKeller, 1998)

Parece que el fin del mundo se va a producir en la medianoche del 31 de Diciembre de 1999. Dos meses antes, cuando la noticia se hizo pública, cundió el pánico y la confusión; pero poco a poco, el terror se ha ido transformando en resignación. Para la gente lo más importante es saber dónde y con quién estará cuando se acerque el final.

Donnie Darko

(Dir. Richard Kelly, 2001)

Un conejo gigante llamado Frank le dice a Donnie (Jake Gyllenhaal), un adolescente insatisfecho, que el mundo terminará en 28 días. Esto lo impulsa a un viaje de descubrimiento que involucra los fracasos de la sociedad y la educación, las elecciones presidenciales de 1988, el sexo y los viajes en el tiempo. Si esto suena peligrosamente incoherente entonces en cierto modo lo es, pero la decisión de Kelly de dejar las explicaciones crípticas significa que está abierta a varias interpretaciones. En su forma más simple, se puede disfrutar como un divertido juego mental con una atractiva banda sonora de los años ochenta. Pero en el fondo, Kelly apela a que el mundo puede terminar de muchas maneras, de tantas maneras posibles dependiendo del número de habitantes de la Tierra.

Melancholia

(Dir. Lars von Trier, 2011)

La película de Lars von Trier tiene tanto que ver con la depresión y las relaciones familiares como con el planeta que está a punto de estrellarse contra la Tierra. Toda la histeria y el destino inminente que esperamos de este género se canalizan en un estudio dolorosamente cercano de dos hermanas, Clare y Justine, cuyos roles se invierten durante la película. Al principio, Clara es racional y fundamentada, pero a medida que pasa el tiempo, la propia melancolía persistente de Justine, también el nombre del planeta, le da una sensación de calma mientras la destrucción de la Tierra comienza a parecer inevitable. Justo al comienzo de la película, vemos lo que va a suceder al final y este conocimiento arroja una sombra irónica sobre los eventos que vemos retratados, que a menudo son muy divertidos y ocasionalmente hirientes en el caso del comportamiento de los familiares de las protagonistas. Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg son asombrosamente poderosas como las hermanas y la conclusión apocalíptica, respaldada por la música de Tristan and Isolde de Wagner, es loca y salvajemente hermosa.

Take Shelter

(Dir. Jeff Nichols, 2011)

A veces, las personas como Curtis en Take Shelter tienen sueños sobre las catástrofes y actúan para protegerse a sí mismos y a sus familias de ella. La sociedad podría etiquetarlos locos, pero la película de Jeff Nichols pregunta si debemos quizás darles mayor atención. La extraordinaria interpretación de Michael Shannon como un simple Joe que se obsesiona con que algo terrible está a punto de suceder es el centro de la película, que siempre juega con nuestras simpatías -hay una historia de enfermedad mental en su familia-, pero en última instancia, sugiere que el profeta tenía razón desde el principio. A lo largo de la historia, la sensación de un desastre inminente entre los magníficos campos de Ohio y el interminable aire azul es convincentemente siniestro. Igualmente aterrador es el sentido de una infraestructura social que es terriblemente inadecuada para hacer a cualquier tipo de desastres naturales.

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Anni-Frid Lyngstad: De la locura nazi al grupo ABBA

Música.- ¿Qué relación existe entre el famoso grupo ABBA con el plan alemán Lebensborn?

Vamos por partes… primero, lo primero… El plan antes mencionado tenía como objetivo unir a altos mandos nazis con mujeres nórdicas seleccionadas, y quien llevó a cabo esta idea fue el líder de las SS, Heinrich Himmler. Las mujeres eran escogidas y obligadas a tener relaciones, luego serían monitoreadas hasta el parto y sus hijos llevados a Alemania. Todo iba bien en los maquiavélicos planes alemanes, hasta que la guerra terminó. Ahí se vino abajo todo, el final de la guerra dejó a 12,000 mujeres embarazadas de soldados alemanes, que eran señaladas y criticadas por la sociedad noruega.

De esta manera, el 15 de Noviembre de 1945, en Narvik, Noruega, nació Anni-Frid Lyngstad, la morena cantante de ABBA.

Cuando el Gobierno noruego comenzó a rastrear a los niños nacidos en el plan Lebensborn para recluirlos en instituciones mentales, sus madres comenzaron a huir con sus bebés. Entre ellas estaba Synni Lyngstad, madre de Anni-Frid, quien se refugió en Suecia, junto a la abuela de la pequeña Anni. Dos años después Synni murió, quedando la pequeña a cargo de su abuela, que la crió en Torshälla, manteniendo el secreto.

La abuela le hizo creer a Anni que su padre era un soldado alemán que se había enamorado de su madre y que había muerto en un naufragio antes de finalizar la guerra, y hasta le dijo su verdadero nombre, Alfred Haase.

Anni comenzó una carrera musical desde temprana edad, pero en 1967 gana el concurso New Faces y obtiene como premio una participación en un programa de TV muy especial. Ese suceso le abrió las puertas para formar parte de ABBA.

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En 1977, ya siendo famosa, se emitió en Europa un programa especial sobre el proyecto Lebensborn, y entonces Anni descubrió no solo que era parte de ese proyecto, sino que su padre aún vivía. Luego de meses de shock, su esposo Benny Andersson arregló un encuentro con su padre. Este se disculpó por haber estado ausente, aduciendo que no tenía manera de buscarla, ya que nunca supo qué nombre le había puesto su madre. Padre e hija acabaron en buenos términos.

La vida no se detuvo para Anni luego del reencuentro con su padre. Con el tiempo se divorció de Benny y volvió a casarse con el príncipe Heinrich Ruzo Reuss von Plauen, convirtiéndose en parte de la realeza Sueca. La muerte de su hija en un accidente automovilístico en 1998, y la de su esposo en 1999, la hicieron recluirse en Suiza, donde se dedica a campañas contra el uso de drogas.

Recordamos ahora a Anni-Frid, con uno de los éxitos de ABBA:

VoxBox.-

San Pablo Neruda y su herencia musical

Pablo Neruda. VoxBox.

La herencia de Pablo Neruda no se ha quedado en la literatura: no han sido pocos los músicos y cantantes que han partido de sus sonetos para hacer sus propuestas.

Detalles.- Ricardo Eliecer Neftalí Reyes Basoalto —conocido como Pablo Neruda, o San Pablo Neruda, para los más devotos— cumple este día 43 años de haber partido de esta tierra extraña. Pero como todos los genios, su legado no termina con su muerte. De hecho, su legado quizás no termine nunca. Poeta de obligada referencia: algunas de sus composiciones han pasado a ser parte del imaginario colectivo de pueblos enteros —“Me gusta cuando callas porque estás como ausente”, por ejemplo—.

Pero su herencia no se ha quedado en la literatura: no han sido pocos los músicos y cantantes que han partido de sus sonetos para hacer propuestas musicales. Incluso también han servido para rendirle homenaje.

Algunos ejemplos:

Aquí me quedo, Víctor Jara

La adaptación la hizo Víctor Jara a principios de los 70. Luego de la entrega del premio Nobel de Literatura que ganó Neruda, Jara comenzó a hacerle un homenaje alrededor del mundo.

Antes de amarte, amor, Pedro Guerra

Pedro Guerra hizo la adaptación del soneto número 25 del poeta chileno en 2004, cuando participó en el disco Neruda en el corazón, donde se conmemoraron 100 años del nacimiento de Pablo.

A callarse, Julieta Venegas

En ese mismo homenaje, una de las voces jóvenes que sorprendieron fue la de Julieta Venegas, que hizo la interpretación del poema que en algún momento cantó el mismo Neruda. Asimismo, otro intérprete de este poema es el español Ismael Serrano.

Amor el amor de los marineros, Joaquín Sabina

Desde muy joven Joaquín Sabina se adentró en la poesía de Neruda. Es conocido que en sus conciertos de vez en cuando cite al chileno. En 2004 también participó en el homenaje al centenario del poeta, interpretando el soneto Amo el amor de los marineros.

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El hombre de negro sigue cantando

Opinión.- Han pasado 13 años desde que el gran Johnny Cash dejó este mundo. Esta mañana he escuchado de nuevo sus canciones.

Ver a Johnny Cash siempre enfundado de negro en sus presentaciones, conocer de sus adicciones y escuchar su carrasposa voz presentándose “Hello, I’m Johnny Cash”, nos da una idea de cómo fue en vida este hombre que siempre anduvo por la vida con una guitarra en mano.

Siempre he admirado su amor por su segunda esposa, cantante como él, June Carter. Su historia fue tormentosa, pero con mucho amor. Después de todo, soy mujer cursi, porque siempre me impresionan las historias que van desde las adicciones, la rehabilitación y la redención.

¿Rock, country y gospel? ¿Qué era lo que cantaba este armonioso hombre? Johnny se reconocía como cantante de Gospel, pero su música trascendió no solo géneros, sino también generaciones y países. Como solo la buena música sabe hacer. Como los grandes, cantó al sentimiento que nos une como seres humanos.

Algo que existe en su obra es la tristeza y el desamparo. A mí me lo parece así. La temprana muerte de su hermano siendo niños se refleja en sus canciones, y también el peso de lo pecaminoso del mundo, pero de pronto Johnny toma todo eso y hace maravillosas obras de arte que lo llevan por toda una ruta de giras, dando conciertos en prisiones, teatros pequeños y escalando poco a poco al éxito.

El 12 de septiembre de 2003 murió Johnny. Meses antes, en mayo, había muerto June, su gran amor que estuvo junto a él durante 35 años. Según comentó el propio Cash, antes de su muerte June le animó a que siguiese trabajando, algo que él cumplió, llegando a completar más de sesenta grabaciones en sus últimos cuatro meses de vida.

En el mismo año en el que la parca lo visitó realizó varios covers. De este tiempo rescatamos Hurt, una deliciosa y dolorosa canción, original de Nine Inch Nails. Rarísimas veces un cover supera a la versión original, y considero que esta es una de esa ocasiones. La producción de su video es hermosa y oscura, como su música. No tiene ninguna pérdida admirar este trabajo.

Gracias, Johnny, por compartir con nosotros tu dolor y tu amor.

VoxBox.-