Wolverine le dejó este mensaje a Deadpool en Instagram

Trending.- Hugh Jackman ha compartido un hilarante video en su cuenta de Instagram, en el que aparece oculto tras una careta de Deadpool (guiño a la película de Reynolds, donde este hace lo propio con una careta de Jackman). Durante el minuto que dura la grabación, el actor que da vida a Wolverine, haciéndose pasar por el canadiense, repasa su carrera: “Puede que me recuerden por ser el hombre más sexy de 2011, según la revista People o por la 12.ª mejor película de DC, Linterna Verde”. Alardea de dotes interpretativas: “¿Cómo un tío que suspendió su clase de teatro en el instituto puede tener tanto talento? No tengo una respuesta para eso”. Aprovecha para referirse a cierto ídolo: “Mi actor favorito en el mundo, el gran actor australiano Hugh Jackman, que por cierto fue el hombre más sexy según la revista People, mucho antes que yo”.

@VanCityReynolds asked me to post this 100% real video by him on being honored with a star on Hollywood’s Walk of Fame today.

Un vídeo publicado por Hugh Jackman (@thehughjackman) el

Ambos intérpretes son muy amigos, e incluso Ryan Reynolds ha pedido a sus seguidores que le ayuden a evitar que Jackman deje de ser Wolverine, antes de que puedan hacer una película juntos. Y nosotros, por supuesto, queremos que lo hagan. ¿Lo conseguirán?

VoxBox.-

10 maravillosas películas sobre el fin del mundo

Películas sobre el fin del mundo. VoxBox.

¿Qué sucede cuando los cineastas se imagina el fin de todo? A continuación te compartimos una lista de 10 apasionantes películas sobre el fin del mundo.

Cine.- Desde los días del cine mudo, los cineastas se han dado cuenta de que el fin del mundo es un tema que seduce al espectador debido a que lo confronta directamente con las catástrofes y la inminente desaparición de la civilización tal como la conocemos. El apocalipsis ha sido representado de múltiples maneras en la historia del cine.

A continuación te compartimos una lista de 10 apasionantes películas sobre el fin del mundo.

When Worlds Collide

(Dir. Rudolph Maté, 1950)

Una estrella gigante está por impactarse contra la Tierra, lo que inevitablemente provocará el fin del mundo. Las autoridades se niegan a escuchar a los científicos, y un grupo de empresarios decide financiar la construcción de una nave espacial con el fin de transportar a un número limitado de personas a otro planeta para crear una nueva civilización. A medida que se aproxima el fin, tendrán que luchar no sólo contra el tiempo, sino también contra el pánico de los que están condenados a quedarse en la Tierra.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb

(Dir. Stanley Kubrick, 1963)

El apocalipsis nuclear es iniciado por un general loco (Sterling Hayden) que cree que sus fluidos corporales están siendo manipulados por subversivos comunistas, mientras que los políticos y los altos mandos se sientan a discutir la idea del Armagedón. El presidente de los EE.UU. se pone en contacto con Moscú para convencer al gobierno soviético de que el ataque no es más que un estúpido error. Mientras tanto, el asesor del Presidente, un antiguo científico nazi, el doctor Strangelove, confirma la existencia de la “Máquina del Juicio Final”, un dispositivo de represalia soviético capaz de acabar con la humanidad para siempre. La comedia más negra de Stanley Kubrick parece cada vez más relevante en un mundo cuyos habitantes parecen empeñados en destruirse mutuamente.

The Quiet Earth

(Dir. Geoff Murphy, 1985)

El científico Zac Hobson experimenta con una fuente de energía de extraordinario poder: un cinturón de fuerza que rodearía todo el planeta. Pero el experimento tiene severas fallas y envía a casi toda la población a una dimensión desconocida, y el cinturón acaba sin dejar rastro de los seres vivos de todo el planeta. Aunque al principio Zac se desespera pensando que es el único hombre que queda vivo sobre la faz de la Tierra, pronto localiza algún superviviente más.

The Sacrifice

(Dir. Andrei Tarkovsky, 1986)

La película final de Andrei Tarkovsky es un severo y sobrio correctivo a la histeria de algunos éxitos de taquilla que han abordado el fin del mundo, tratando no sólo la posibilidad del apocalipsis, sino también las secuelas de su no aparición. En una serie de tomas largas y persistentes capturadas por el cinemfotógrafo Sven Nykvist, Tarkovsky cuenta la historia de Alexander (Erland Josephson), un esteta agnóstico que, al enterarse de que el mundo está condenado a la destrucción nuclear, hace un trato con Dios en el que él sacrificará todo lo que ama en su vida si lo inevitable puede ser revertido. Cuando se despierta a la mañana siguiente, todo es normal de nuevo y debe cumplir su parte del trato. En el filme se manifiesta un poderoso sentimiento de aislamiento espiritual, pero también un sentido de trascendencia y sanación, particularmente en el carácter del Pequeño Hombre, el hijo del héroe, que es mudo hasta los momentos finales. The Sacrifice  es también la turbulencia intelectual detrás de lo que fue una declaración final del agonizante Tarkovsky.

When the Wind Blows

(Dir. Jimmy Murakami, 1986)

Basado en la novela gráfica de Raymond Briggs, When the Wind Blows ofrece un apocalipsis muy británico en el que una pareja de ancianos, Hilda y Jim, vive su vida cotidiana frente a la guerra nuclear contra la Unión Soviética. Ellos siguen el consejo de Protect and Survive, blanqueando sus ventanas y construyendo un “núcleo interno”. Cuando los misiles chocan, la pareja sobrevive pero descubre que son los últimos restos de la civilización. Ellos mantienen su rutina cotidiana frente a la desesperación, pero finalmente se desgastan por el aislamiento y la enfermedad por radiación. La película de Jimmy Murakami, sencilla pero elegante, es una de las películas más terribles y desgarradoras visiones sobre el Armagedón nuclear.

The Rapture

(Dir. Michael Tolkin, 1991)

El Libro del Apocalipsis es una fuente atractiva para aquellos que tienen un peculiar gusto por las visiones extrañas de la catástrofe y muchas películas han hecho referencia de ello. Pero ninguno lo ha tomado tan literalmente como The Rapture de Michael Tolkin, que concluye con escenas que vienen directamente de las páginas de la Biblia. Los cuatro jinetes del Apocalipsis aparecen, los grilletes de los presos caen, las trompetas suenan y la oscuridad cae sobre el mundo. La película es ampulosamente poderosa y perturbadora, centrada casi en su totalidad en una interpretación dolorosamente creíble de Mimi Rogers como Sharon, una swinger que se convierte al cristianismo al saber que el juicio final está cerca. Pero las cosas salen mal y nos quedamos con una película que plantea más preguntas de las que responde. La escena final, que muestra la desolación espiritual y física, es cruelmente lógica en sus implicaciones sobre exactamente quiénes serían “los elegidos”.

Last Night

(Dir. Don McKeller, 1998)

Parece que el fin del mundo se va a producir en la medianoche del 31 de Diciembre de 1999. Dos meses antes, cuando la noticia se hizo pública, cundió el pánico y la confusión; pero poco a poco, el terror se ha ido transformando en resignación. Para la gente lo más importante es saber dónde y con quién estará cuando se acerque el final.

Donnie Darko

(Dir. Richard Kelly, 2001)

Un conejo gigante llamado Frank le dice a Donnie (Jake Gyllenhaal), un adolescente insatisfecho, que el mundo terminará en 28 días. Esto lo impulsa a un viaje de descubrimiento que involucra los fracasos de la sociedad y la educación, las elecciones presidenciales de 1988, el sexo y los viajes en el tiempo. Si esto suena peligrosamente incoherente entonces en cierto modo lo es, pero la decisión de Kelly de dejar las explicaciones crípticas significa que está abierta a varias interpretaciones. En su forma más simple, se puede disfrutar como un divertido juego mental con una atractiva banda sonora de los años ochenta. Pero en el fondo, Kelly apela a que el mundo puede terminar de muchas maneras, de tantas maneras posibles dependiendo del número de habitantes de la Tierra.

Melancholia

(Dir. Lars von Trier, 2011)

La película de Lars von Trier tiene tanto que ver con la depresión y las relaciones familiares como con el planeta que está a punto de estrellarse contra la Tierra. Toda la histeria y el destino inminente que esperamos de este género se canalizan en un estudio dolorosamente cercano de dos hermanas, Clare y Justine, cuyos roles se invierten durante la película. Al principio, Clara es racional y fundamentada, pero a medida que pasa el tiempo, la propia melancolía persistente de Justine, también el nombre del planeta, le da una sensación de calma mientras la destrucción de la Tierra comienza a parecer inevitable. Justo al comienzo de la película, vemos lo que va a suceder al final y este conocimiento arroja una sombra irónica sobre los eventos que vemos retratados, que a menudo son muy divertidos y ocasionalmente hirientes en el caso del comportamiento de los familiares de las protagonistas. Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg son asombrosamente poderosas como las hermanas y la conclusión apocalíptica, respaldada por la música de Tristan and Isolde de Wagner, es loca y salvajemente hermosa.

Take Shelter

(Dir. Jeff Nichols, 2011)

A veces, las personas como Curtis en Take Shelter tienen sueños sobre las catástrofes y actúan para protegerse a sí mismos y a sus familias de ella. La sociedad podría etiquetarlos locos, pero la película de Jeff Nichols pregunta si debemos quizás darles mayor atención. La extraordinaria interpretación de Michael Shannon como un simple Joe que se obsesiona con que algo terrible está a punto de suceder es el centro de la película, que siempre juega con nuestras simpatías -hay una historia de enfermedad mental en su familia-, pero en última instancia, sugiere que el profeta tenía razón desde el principio. A lo largo de la historia, la sensación de un desastre inminente entre los magníficos campos de Ohio y el interminable aire azul es convincentemente siniestro. Igualmente aterrador es el sentido de una infraestructura social que es terriblemente inadecuada para hacer a cualquier tipo de desastres naturales.

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Anni-Frid Lyngstad: De la locura nazi al grupo ABBA

Música.- ¿Qué relación existe entre el famoso grupo ABBA con el plan alemán Lebensborn?

Vamos por partes… primero, lo primero… El plan antes mencionado tenía como objetivo unir a altos mandos nazis con mujeres nórdicas seleccionadas, y quien llevó a cabo esta idea fue el líder de las SS, Heinrich Himmler. Las mujeres eran escogidas y obligadas a tener relaciones, luego serían monitoreadas hasta el parto y sus hijos llevados a Alemania. Todo iba bien en los maquiavélicos planes alemanes, hasta que la guerra terminó. Ahí se vino abajo todo, el final de la guerra dejó a 12,000 mujeres embarazadas de soldados alemanes, que eran señaladas y criticadas por la sociedad noruega.

De esta manera, el 15 de Noviembre de 1945, en Narvik, Noruega, nació Anni-Frid Lyngstad, la morena cantante de ABBA.

Cuando el Gobierno noruego comenzó a rastrear a los niños nacidos en el plan Lebensborn para recluirlos en instituciones mentales, sus madres comenzaron a huir con sus bebés. Entre ellas estaba Synni Lyngstad, madre de Anni-Frid, quien se refugió en Suecia, junto a la abuela de la pequeña Anni. Dos años después Synni murió, quedando la pequeña a cargo de su abuela, que la crió en Torshälla, manteniendo el secreto.

La abuela le hizo creer a Anni que su padre era un soldado alemán que se había enamorado de su madre y que había muerto en un naufragio antes de finalizar la guerra, y hasta le dijo su verdadero nombre, Alfred Haase.

Anni comenzó una carrera musical desde temprana edad, pero en 1967 gana el concurso New Faces y obtiene como premio una participación en un programa de TV muy especial. Ese suceso le abrió las puertas para formar parte de ABBA.

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En 1977, ya siendo famosa, se emitió en Europa un programa especial sobre el proyecto Lebensborn, y entonces Anni descubrió no solo que era parte de ese proyecto, sino que su padre aún vivía. Luego de meses de shock, su esposo Benny Andersson arregló un encuentro con su padre. Este se disculpó por haber estado ausente, aduciendo que no tenía manera de buscarla, ya que nunca supo qué nombre le había puesto su madre. Padre e hija acabaron en buenos términos.

La vida no se detuvo para Anni luego del reencuentro con su padre. Con el tiempo se divorció de Benny y volvió a casarse con el príncipe Heinrich Ruzo Reuss von Plauen, convirtiéndose en parte de la realeza Sueca. La muerte de su hija en un accidente automovilístico en 1998, y la de su esposo en 1999, la hicieron recluirse en Suiza, donde se dedica a campañas contra el uso de drogas.

Recordamos ahora a Anni-Frid, con uno de los éxitos de ABBA:

VoxBox.-

El hombre de negro sigue cantando

Opinión.- Han pasado 13 años desde que el gran Johnny Cash dejó este mundo. Esta mañana he escuchado de nuevo sus canciones.

Ver a Johnny Cash siempre enfundado de negro en sus presentaciones, conocer de sus adicciones y escuchar su carrasposa voz presentándose “Hello, I’m Johnny Cash”, nos da una idea de cómo fue en vida este hombre que siempre anduvo por la vida con una guitarra en mano.

Siempre he admirado su amor por su segunda esposa, cantante como él, June Carter. Su historia fue tormentosa, pero con mucho amor. Después de todo, soy mujer cursi, porque siempre me impresionan las historias que van desde las adicciones, la rehabilitación y la redención.

¿Rock, country y gospel? ¿Qué era lo que cantaba este armonioso hombre? Johnny se reconocía como cantante de Gospel, pero su música trascendió no solo géneros, sino también generaciones y países. Como solo la buena música sabe hacer. Como los grandes, cantó al sentimiento que nos une como seres humanos.

Algo que existe en su obra es la tristeza y el desamparo. A mí me lo parece así. La temprana muerte de su hermano siendo niños se refleja en sus canciones, y también el peso de lo pecaminoso del mundo, pero de pronto Johnny toma todo eso y hace maravillosas obras de arte que lo llevan por toda una ruta de giras, dando conciertos en prisiones, teatros pequeños y escalando poco a poco al éxito.

El 12 de septiembre de 2003 murió Johnny. Meses antes, en mayo, había muerto June, su gran amor que estuvo junto a él durante 35 años. Según comentó el propio Cash, antes de su muerte June le animó a que siguiese trabajando, algo que él cumplió, llegando a completar más de sesenta grabaciones en sus últimos cuatro meses de vida.

En el mismo año en el que la parca lo visitó realizó varios covers. De este tiempo rescatamos Hurt, una deliciosa y dolorosa canción, original de Nine Inch Nails. Rarísimas veces un cover supera a la versión original, y considero que esta es una de esa ocasiones. La producción de su video es hermosa y oscura, como su música. No tiene ninguna pérdida admirar este trabajo.

Gracias, Johnny, por compartir con nosotros tu dolor y tu amor.

VoxBox.-

Freddie Mercury y su forma de humanizarnos

Opinión.- La primera vez que escuché el término “homosexual” (con lenguaje verdaderamente respetuoso) fue ligado a Freddie Mercury. Me lo dijo mi papá: “Acaba de morir Mercury”, empezó. Le pregunté de qué había muerto y respondió: “Tenía sida, era homosexual”. Yo tenía 14 años.

Hasta entonces la homosexualidad o cualquier otra preferencia sexual era un tema tabú. Eran los inicios de los noventa y los papás no hablaban de esas cosas con las hijas adolescentes. Sin embargo, para mi papá y para miles de personas Freddie Mercury era importante: tanto como para lamentar su muerte.

Para muchos este hombre es el mejor cantante del mundo. Para mí es un compositor virtuoso que supo amar, sobre todo eso. Amó.

En el pináculo de su carrera, Freddie Mercury dijo que él no sería una estrella del rock, sino que sería una leyenda. A 25 años después de su partida podemos constatar que lo ha logrado. Su singular forma de expresarse en sus presentaciones en vivo, en sus videos… jamás olvidaré la primera vez que vi a ese bigotón enfundado en una minifalda de cuero negra y medias con sujetadores, que nos muestran a un hombre enteramente seguro de su sexualidad, solo que se nos olvida que el amor no se reduce al acto sexual. Lo he dicho antes: Freddie amó.

Muestra de ello es la hermosa canción Love of my Life, que le dedicó a la mujer con la que tuvo una relación muy especial: Mary Austin. Definitivamente este hombre, cuya imagen enfundada en una malla blanca y una chaqueta amarilla, puño en alto, afirmando que la belleza existe a través de la música, nos dejó la lección absoluta: el amor no es cuestión de preferencias sexuales, es lo que simplemente nos hace hermosamente humanos. El gran amor siempre nos humaniza.

Te recordamos este día, Freddie, cuando habrías cumplido 70 años, con esta que es una de tus máximas creaciones.

VoxBox.-

Música electrónica, disciplina y la familia

Música.- Contexto: voy llegando a los 40, tengo 5 hijos recién salidos de la adolescencia, y adicione 75 alumnos de la misma edad que mis vástagos a esta combinación. Es lo que deben saber si se preguntan por qué una mujer de la generación X escucha música electrónica. ¿Por qué escucho a Steve Aoki?

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Cuando escucho el término “música electrónica” pienso en Pet Shop Boys, en Depeche Mode… en cambio mis hijos piensan en Ina, Tiesto, Van “algo” y en Aoki… pero seré honesta, la primera vez que escuché de este DJ de origen estadounidense y japonés fue hace varios años, cuando una exalumna me comentó que iría a la presentación que haría en San Salvador… ¿Steve “quién”?

El acabose de todo sucedió la semana pasada, cuando entré a Netflix y vi el título del documental I’ll Sleep When I’m Die. Me llamó la atención, porque esta frase era mi lema de vida en mis locos años veintes, cuando trabajaba, estudiaba y me divertía sin treguas, sin consideraciones físicas y psicológicas: yo era imparable como este hombre.

Me sumergí en una pantalla llena de gente pintada por las luces neón, y pude recordar qué se siente ir entrando a un antro a escuchar a un artista que te gusta… excepto que en mi caso prefiero el rock, el punk y géneros menos edulcorados y sintéticos.

A medida que avanzó el documental me di cuenta de algo terrible: los adultos somos el inicio de la intolerancia.

Como personas “de bien” cumplimos con el deber de decirle a los jóvenes que uno debe vivir con tolerancia, amor y paz… somos hipócritas. ¿Por qué no había escuchado antes música electrónica salida de las geniales mezclas de DJs? Por una simple razón: alguien me metió en la cabeza de que eso no es arte, no es algo que valga, no es algo bueno.

Los estereotipos hacen mucho mal. Ver a ese peludo de cabellos lacios, saltando, con los brazos extendidos mientras una masa de personas le trata de seguir el ritmo, me hizo pensar en alcohol, droga y sexo. Lo reafirmó ver a jovencitos semidesnudos, mujeres hermosas con flores en la cabeza, sosteniendo carteles que dicen “Cake Me” y que le dan la razón cuando veo al artista en cuestión con un pastel en las manos, dispuesto a estrellarlo en las caras de sus fans.

Pero: alto.

De pronto veo al DJ lanzarse a la  multitud como lo hacían los músicos que me gustaron en mi adolescencia de los años noventa. Algo se estaba pareciendo demasiado a un mosh. Me perturbé, yo estuve en escenas así a mis 21 años, a mis 23, a mis 25… alcohol, droga y sexo; música, ruido y caos. Al parecer esto se está volviendo una especie de déjà vu.

Aoki inició en la música en una banda de hardcore, en 1997. Él era adolescente, yo era adolescente. Somos contemporáneos. Netflix retrata a este músico, DJ, empresario, hijo y hermano de una manera poética, mostrándonos al productor musical que viene de una familia desintegrada y que ha trabajado por lo que parecía lo correcto para él. Nos cuenta la historia de un muchacho que estudió Sociología y Estudios de la Mujer, quien a los 19 años decidió que era buena idea fundar una firma de discos llamada Dim Mak (exacto, usted vio ese singular movimiento de artes marciales cuando en Kill Bill 2, la bella Beatrix Kiddo mata al malvado Bill).

Nos muestra a un hombre profundamente disciplinado, concretando la idea fundamental del éxito: se debe trabajar duro y ser constantes para llegar a nuestras metas. Bota el estereotipo básico que nos hemos formado los adultos: algunos artistas de hoy no son personas que solo “saltan como locos” en un escenario.

Me pregunté si mis chicos saben todo esto de Steve Aoki. Me pregunté si mis alumnos pensarán, mientras menean sus cuerpos, que este hombre casi cuarentón tiene un concepto de la familia muy fuerte. Si saben que es el hijo de Rocky Aoki, fundador de los Benihana y destacado atleta japonés. Hay tanto detrás de un ser humano que solo salta al compás de sonidos estrafalarios. Netflix lo ha logrado de nuevo: logró que me interesara en algo que sale de mi zona de confort.

Eso sí, lamento decepcionarlos, no seré amante de la música electrónica, pero creo que ahora puedo escuchar tres o cuatro piezas de este género y apreciarlas, entre ellas, esta genial colaboración con la rapera Iggy Azalea, de quien hablaré en otra ocasión. Vean el documental, no tiene desperdicio.

VoxBox.-

Omar Rodríguez-López: El dictador de la música

Su nombre: Omar Rodríguez López, es un músico, cantante, productor, actor, director y guionista de cine. Nació en Bayamón, Puerto Rico pero creció en Estados Unidos

(Autor: @ChaloGandul)

 

Yo disfruto ocupar mucho de mi tiempo en buscar música, descargar discos y discos se vuelve una necesidad para mí y esta reseña está dedicada a un artista que se ha ganado mi respeto y admiración, se ha ganado un lugar entre mi selecto grupo de artistas que cariñosamente llamo “mis favoritos”.

Su nombre: Omar Rodríguez López, es un músico, cantante, productor, actor, director y guionista de cine. Nació en Bayamón, Puerto Rico pero creció en Estados Unidos, es hijo de un director de orquesta, lo que explica muy bien su pasión hacia el arte en especial la música.

Los grandes intelectos de nuestra historia se caracterizan por sus extrañas costumbres o sus increíbles experiencias de vida. En el caso de Omar, cuando era muy joven decidió simplemente irse de su casa y rondar por el mundo, viviendo en la calle, entregándose por completo a los vicios. Durante este tiempo su padre lo dio por muerto, puesto que desapareció sin dejar razón. Un día Omar se canso de vivir así y con la ayuda de su amigo de toda la vida Cedric Bixler Zavala (Músico y cantante que ha compartido la gran mayoría de proyectos de Omar) regreso a su hogar, con este acontecimiento, Omar decide empezar a trazarse un carrera dentro de la música que ha estado llena de infinidades de éxitos.

Su carrera de éxito inicia con At The Drive-In, banda de Post Hardcore en la que Omar era el guitarrista líder y Cedric Bixler , el vocalista. La banda gano el reconocimiento y respeto de la crítica con el tercer disco de la banda llamado “Relationship Of Command”, disco que actualmente es considerado uno de los pilares del género Post Hardcore. Desgraciadamente la banda se separo luego de lanzar este disco, dando lugar a que Omar y Cedric se dedicaran a otro proyecto, empezando a formar lo que luego sería su proyecto más exitoso.

Su nuevo proyecto se llamo De Facto, esta vez cambiando al género de Dub Reggae. En esta banda Omar  tocaba el bajo y Cedric, la batería agregando además teclados. Esta banda también fue muy exitosa debido a la expectativa que generaba el hecho de que el grupo estuviera conformado por miembros de At The Drive-In. De Facto únicamente lanzo dos EP y dos discos de estudio.

Omar Rodríguez López no estaba satisfecho con la música que hacía, así que empezó a dar forma a su proyecto más exitoso: The Mars Volta, banda con la que ha ganado el Grammy y ha vendido infinidad de copias, lanzando hasta la fecha seis discos de estudio, entre ellos los aclamados “De-loused In The Comatorium ” y “Frances The Mute”, además ganándose la aprobación y el respeto de artistas como Gustavo Cerati, Juanes y Molotov.

En paralelo con The Mars Volta, Omar ha trabajado en su carrera en solitario, llevando a la fecha 28 discos, cifra que de un momento a otro aumentara debido a la inquietud musical de Omar (el mismo Omar ha dicho que por cada disco que es lanzado al mercado, otras dos o tres producciones, son archivadas en su catalogo personal, lo cual incrementaría su producción como solista casi el doble o el triple). Sus discos tienen un alto grado de experimentación y cuentan con colaboraciones de otros artistas como John Frusciante (siendo también un colaborador constante en la música de The Mars Volta), Lydia Bunch, Damo Suzuki, Ximena Sariñana, Teri Gender Bender y por supuesto su entrañable amigo Cedric Bixler Zavala.

Musicalmente hablando, Omar Rodríguez López es considerado un dictador y un tirano (entre su grupo de amigos y colegas algunos lo llaman “el pequeño Hitler”), debido a que en todos su proyectos es el encargado de la composición de toda la música, cuando decide grabar un disco, el escribe la música de guitarra, bajo, batería, teclado, saxo, sintetizadores y demás instrumentos que desea agregar. Cuando ya las tiene escritas, llama a su grupo de músicos para que se dediquen a grabar las partes que les corresponden, todo esto supervisado por Omar mismo, si no tocan como Omar desea, simplemente no pueden formar parte del proyecto. Durante sus giras de conciertos con The Mars Volta y Omar Rodríguez  López Group (su banda como solista), Omar obliga a sus músicos a ensayar el setlist durante 16 horas al día, los siete días de la semana, todo esto para lograr que toquen la música como Omar desea. Esta dictadura, que se puede ver muy rigurosa y hasta cierto punto despótica, en realidad ha sido una de las mejores cosas que ha podido hacer como artista ya que le ha dado la fama y prestigio, no solo a él, sino también a sus colaboradores a quienes también la critica consideran como artistas de elite.

Como productor Omar se ha encargado de otros proyectos como Big Sir, Zechs Marquise y Le Butcherettes (banda en la cual el también colaboro tocando el bajo en su primer y a la fecha único disco). En cuanto al cine, Omar se ha destacado como actor y director, ya que en las películas que dirige también actúa, tal es el caso de “The Sentimental Engine Slayer” que enmarca la vida y adversidades que sufren la gente latina en la sociedad actual, y también es el caso de su más reciente película “Los Chidos” que retrata de manera excelente los abusos y el machismo que actualmente se vive en Latinoamérica.

Omar es la prueba más grande de que el talento, la dedicación y la disciplina, son la clave para lograr lo que se desea, en especial si te dedicas a lo que amas. En lo personal, como artista Omar siempre me sorprende, cada día encuentro un matiz nuevo entre su música, música que considero de primera calidad, una artista que tiene aun mucho que ofrecer, ya nos ha dado grandes muestras de lo grande que es como artista y creo que hacen falta muchísimos más artistas como él en el mundo.

Para concluir los dejo con un par de canciones del inmenso repertorio de canciones de Omar Rodríguez López tomadas de dos de sus discos como solista, la primera canción llamada “Population Council’s Wet Dream” de su disco “Old Money”, la segunda canción se titula “Locomoción Capilar” de su disco “Solar Gambling” que cuenta con la colaboración de Ximena Sariñana como vocalista. Disfrútenlas.

 

Yo te mentí, Juan Gabriel

Opinión.- Discúlpame, Alberto, no sé cómo he podido vivir así, mintiéndote a ti y a todo el mundo. Tu música me gusta.

Mi esposo dice que es señal inequívoca de que envejezco, que ahora que voy llegando a los cuarenta tararee tus canciones, mientras preparo el almuerzo del domingo. Con él, cada domingo por la noche, durante 14 largas semanas, esperábamos que dieran las 8 p. m. para ver Hasta que te conocí, la serie que cuenta gran parte de tu vida. Alberto, nos hiciste llorar y reír.

Discúlpame, tuve que esperar a escuchar la terrible noticia de tu muerte para sentarme y escribir esta carta que te debo desde que era una adolescente. Has estado presente en mi vida desde muy niña. Como en la vida de miles de latinoamericanos.

Cometí la infamia de decir que tu música era feíta, que no me gustaba solo porque no es rock, metal o grunge. Es mentira: las únicas rancheras que he cantado con el entusiasmo del amor o el inmenso dolor del desamor son las tuyas. Tuyas, Alberto. Tuyas, Juan Gabriel.

Perdóname, Juan Gabriel, no sabes todo lo que pasó por mi mente cuando leí el primer tuit que anunciaba el infarto que te llevó lejos de nosotros. Pensé en mis papás, en mi tía que vive en Estados Unidos, en todos mis parientes que cantaban tus canciones al unísono en cada Navidad o Año Nuevo, cuando nos reuníamos. Recordé a aquella compañera del bachillerato que me decía que una de tus canciones se me aplicaba mucho por la tristeza de la soledad en la juventud. Perdóname, Juan Gabriel.

Y no solo soy yo. Tú nos cantaste los sentimientos, pusiste en letras y acordes, los colores de todas las emociones que se puedan tener: la alegría, la pena, el dolor, la tristeza, el amor, la dicha, el gozo. Todas, tú las pintaste, las esculpiste, las fotografiaste y nos las devolviste para que nosotros, simples mortales, nos rindiéramos ante ti, en cada cantina, en cada esquina de pueblo, en cada karaoke, en cada cocina de cada casa, en cada corazón, en cada cementerio. Fuiste único, eres único, porque cumpliste con un magnífico milagro: nos hiciste únicos.

Gracias, Juanga. Gracias por todos los recuerdos que tengo desde que tengo memoria, gracias por las canciones que hiciste solo para que yo las bailara abrazada a mi padre, por todas las canciones que hiciste y que mi tía cantaba mientras me cortaba el cabello, por todas las canciones que mi madre cantaba con lágrimas en los ojos cuando recordaba a su mamá, por todas las canciones que canté con mi esposo en plena Plaza Garibaldi, apostados en el Tenampa.

Te has ido, pero solo en parte: tú te has quedado conmigo, con cada motorista de bus, con cada señora del mercado, con cada secretaria municipal, con cada gerente que celebra sus logros, con cada padre que le canta a sus amadas hijas, con cada persona que se despide del gran amor de su vida.

Te quedas acá, con tu música, con tus lentejuelas y rubor, con tu libertad, con tu capacidad de perdonar el odio ajeno, con tu capacidad de siempre ver hacia adelante con esperanza loca, con tu valentía que desbanca a cualquier macho, con tu alegría que nos saca lágrimas, y con tus lágrimas que nos sacan del desamor. Quédate conmigo un rato más, Juan Gabriel, te lo pido, por favor.

Top de las canciones que más he cantado del Divo de Juárez.

1. Porque siempre todos hemos encontrado a alguien que nos ha llenado de dolor.

2. Por esas veces en las que simplemente no nos sentimos aptos para amar.

3. Porque hay que tener poca madre para no estremecerse con esta canción.

4. Porque todos hemos tenido al menos una noche en la vida, en la que en realidad lo que importa es divertirse.

5. Porque hace unos años, mientras estaba sin empleo, me sorprendí caminando de regreso a casa cantando esta canción. Venía de una entrevista de trabajo que, por supuesto, no me dieron.

Bonus Track:

Porque con canciones como esta se recibe mejor la realidad: estar enamorados es algo tan terriblemente divino.

VoxBox.-

Saludo vikingo a la selección de Islandia

Noticias.- Los jugadores islandeses sufrieron una fea derrota este domingo ante la selección francesa (5-2) en los cuartos de final.

Pese a la derrota, los aficionados islandeses no dejaron de apoyar a sus jugadores, que sin duda hicieron un gran torneo, sorprendiendo al mundo entero con su buen fútbol.

Por ello, 15,000 personas se reunieron en la capital islandesa, Reikiavik, para honrar a su selección. Y lo hicieron a su manera: al estilo vikingo.

Así lo escribió el periodista español Ignacio Miguélez en su cuenta en Twitter (@IgnacioMiguelez).

 

 

VoxBox.-

Revolución al descubierto, ¿por qué Alicia Keys dejó de usar maquillaje?

Alicia Keys decidió no volver a usar maquillaje. El mundo de la moda, los medios y el internet se volvieron locos, pero su decisión es inamovible.

Estilo de vida.- En realidad, y como la mayor parte de las cosas importantes de la vida, todo comenzó de forma inesperada. Alicia lo recuerda: “Todo sucedió cuando tuvimos que fotografiar la portada de mi último álbum. Acababa de llegar del gimnasio, llevaba un pañuelo debajo de la gorra y Paola —la fotógrafa— me dijo: ‘Te tengo que fotografiar ahora mismo, así. La música es cruda y real, y estas fotos deben serlo’. Me quedé en shock. Al principio estaba nerviosa e incómoda, mi rostro estaba totalmente limpio y llevaba una sudadera. Le pregunté: ‘¿Ahora? ¿Ahora mismo? Quiero que sea realista, pero esto quizá sea demasiado real’. Y así fue, empezó a hacer fotos”.

La experiencia fue tan fuerte, que se tuvo que replantear su propia construcción de qué es ser mujer, y qué significa la belleza para ella y para el mundo entero. Alicia remata aquella anécdota así: “Juro que fue el momento en el que más fuerte, más empoderada, más libre y más honestamente bella me he sentido jamás”.

Pero sin importar qué tanto alboroto generaron sus primeras apariciones públicas sin maquillaje, no debemos olvidar que la cantante siempre le llevó la contraria a las tendencias de la industria musical: jamás ha utilizado su sexualidad para vender, nunca ha explotado su innegable atractivo y siempre se decantó por los temas más ásperos de la sociedad.

La cantante hizo pública una poderosa carta, en la que hacía gala de una postura firme en cuanto a los cánones de belleza que el medio actual exige, sobre todo a las mujeres:

Antes de comenzar mi nuevo disco escribí una lista de todas las cosas de las que estaba hastiada. Una de ellas era lo mucho que a las mujeres les lavan el cerebro para que sean siempre delgadas, o sexys, o deseables, o perfectas. Una de las muchas cosas de las que estaba cansada era del juicio constante hacia la mujer. El constante estereotipo, valiéndose de cualquier medio, para hacernos sentir como si la talla normal no fuera normal, y prohibirte el cielo si eres talla grande. O el mensaje insistente que ser sexy significa andar desnuda.

Así, consciente del poder que tiene para que las personas lo escuchen, Keys pretende iniciar una revolución de las mujeres en contra de los estereotipos y los estándares de belleza, que no hacen sino dañar.

Espero en Dios que esto sea una revolución, porque no quiero cubrirme más. Ni rostro, ni mi mente, ni mi alma, ni mis pensamientos, ni mis sueños, ni mis luchas, ni mi crecimiento emocional. Nada.

(Aquí puedes leer la carta completa en inglés)

VoxBox.-