Todo lo que necesitas saber antes de ver “Thor: Ragnarok”

Ragnarok. VoxBox.

Cine.- Dentro de poco se estrenará en todo el mundo la película Thor: Ragnarok, que es la tercera entrega de las aventuras del dios del trueno, la quinta película de la fase tres de Marvel, y la número 17 de su universo cinematográfico.

Así que es buen momento para repasar a conciencia qué sabemos hasta ahora, pero no se preocupen, esto no contiene spoilers.

Thor

La última vez que vimos a Thor fue en Avengers: Age of Ultron. Tras el ataque de la Bruja Escarlata, tuvo una visión de la destrucción del universo y comenzó a sospechar que las gemas del infinito tienen algo que ver, y que algo o alguien andan tras esas reliquias de inmenso poder.

Con esa información abandona la Tierra, pero sabemos por los tráilers que ha regresado en busca de su padre.

Loki

Hace bastante que no vemos a Loki. Su última aparición es en Thor: The Dark World (2013). Después de que los Vengadores le impidieron conquistar la Tierra fue devuelto a Asgard y languidecía en una prisión, hasta que Thor lo liberó para luchar contra Malekith y su ejército de elfos oscuros.

Por un momento parecía haberse reformado y todo indica que muere ayudando a Thor, pero Loki siempre será un tramposo. The Dark World termina revelándonos que Loki ha engañado a todos, se ha hecho pasar por muerto y ha suplantado a su padre Odín en el trono de Asgard.

Odín

El padre de Thor y Loki, y soberano de Asgard está actualmente en paradero desconocido. Los tráilers de Ragnarok revelan que, de alguna manera, Loki lo ha exiliado a la Tierra, pero no se sabe más. Cuando Thor descubre lo que ha ocurrido viaja a la Tierra para localizar a su padre perdido con la ayuda de…

Dr. Strange

La escena postcréditos de Dr. Strange nos muestra al hechicero recibiendo a Thor en su mansión de Nueva York e invitándole a una cerveza mágica. Strange no está muy contento de tener a los asgardianos en el planeta, y de hecho le dice a Thor que lo que quiere es ayudarle a encontrar a su padre para que todos ellos (especialmente Loki) puedan irse de Midgard cuanto antes.

Hulk

El científico convertido en monstruo imparable favorito de todos también está desaparecido desde Avengers: Age of Ultron. Después de ayudar a sus compañeros a salvar la Tierra, el doctor Benner huye en uno de los Quinjets de SHIELD porque no quiere herir a nadie más, especialmente Black Widow, con la que está empezando a desarrollar una conexión muy fuerte. Incluso ignora las súplicas de ella para que vuelva. Lo último que sabemos sobre su paradero es que su Quinjet se estrelló en el mar, en algún lugar cerca de las islas Fiji.

Por los tráilers de Thor: Ragnarok sabemos que Hulk ahora está en el planeta Sakaar, sirviendo como gladiador en la arena regentada por el personaje de Jeff Goldblum: the Grandmaster. ¿Cómo ha llegado el bueno de Banner a otro planeta? Excelente pregunta.

Los demás asgardianos

Asgard está lleno de personajes memorables que acompañan a Thor. Están los guerreros Hogun, Fandral, Volstagg y Sif, y por supuesto está Heimdall, el guardián del Bifrost que transporta a los asgardianos por el universo. No se conoce el paradero de ninguno de ellos más allá de que estaban en Asgard, pero es importante recordarlos, porque a juzgar por el tráiler de Thor: Ragnarok, Asgard no va a estar en buen estado mucho tiempo.

Jane Foster

La astrofísica Jane Foster, interpretada por Natalie Portman, fue el romance de Thor en las dos primeras películas. En Age of Ultron se menciona que está trabajando en una misión, pero sabemos por Natalie Portman que no va a regresar a Thor: Ragnarok y que probablemente no lo haga en las próximas películas del personaje. El propio Kevin Feige ha confirmado que Thor y ella ya no están juntos y dejó caer que el nuevo personaje de Thor: Ragnarok, Valkyrie (Tessa Thompson), puede llegar a convertirse en el nuevo interés romántico del dios del trueno.

El santuario

Odín es un poco coleccionista, y en su santuario de Asgard hay dos artefactos que merece la pena recordar. El primero es un guante dorado con espacio para seis piedras. Se parece mucho, de hecho, al que se pone Thanos en la escena postcréditos de Avengers: Age of Ultron. El segundo es el Tesseracto, también conocido como la gema del espacio. Loki lo usa contra la Tierra en la primera película de Avengers y al final de esa película lo devuelven a Asgard para mantenerlo a salvo.

La otra piedra que Thor conoce es el Ether (la piedra de la realidad) que aparece en The Dark World. Al final de esa película se nos confirma que esa piedra se envía al museo de El Coleccionista. No sabemos exactamente qué pasa con esa piedra cuando el museo explota en Guardians of the Galaxy, pero es una apuesta bastante segura que para Thor: Ragnarok ya esté en manos de Thanos.

Darryl

Lo sentimos, pero aunque esos videos de lo que Thor estaba haciendo durante Captain America: Civil War son graciosos, no forman parte de Thor: Ragnarok. Thor deja a Darryl, su sufrido compañero de piso, cuando tiene que partir a Asgard a salvar el universo. Siempre nos quedará como extra en los DVD.

Todo está preparado. Thor: Ragnarok se estrena esta semana internacionalmente y ya estamos ansiosos por verlo.

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Director de “Transformers” producirá película de Dora la Exploradora

Dora la Exploradora. VoxBox.

Cine.- Veamos, ¿qué es lo más extraño de todo esto? Primero: hay una película de Dora la Exploradora con actores reales en camino… digamos que solo Hollywood siendo Hollywood; segundo: el productor es Michael Bay.

¿Algo de esto tiene sentido? No.

Michael Bay es conocido por arruinar la franquicia de Transformers y regalarnos películas épicas como Armageddon y Pearl Harbor; es decir, puro cine de acción, la cosa más lejana de este tipo más infantil.

Pero hay que darle el beneficio de la duda, y veamos por ejemplo el caso de George Miller, quien dirigió la saga Mad Max y es también productor de Happy Feet y la encantadora Babe.

El guion de Dora

El guion lo firma Nicholas Stoller, especialista en comedias idiotas y filmes infantiles como Malditos Vecinos (Neighbours), Todo sobre mi desmadre (Get Him Greek), Zoolander 2, The Muppets o Storks (Cigüeñas).

No hay mucho detalle

Los detalles de la película son escasos, pero parece que no será exactamente la versión infantil que conocemos de Nickelodeon, sino una Dora adolescente que llega a la ciudad con su primo Diego. La cosa se complica.

Sin duda, estamos ante la promesa de una obra maestra.

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 “Blade Runner 2049”: Una secuela que supera sus expectativas

Blade Runner 2049. VoxBox.

Cine.- Independientemente de la opinión que se tenga de las constantes secuelas e intentos de revitalizar franquicias hollywoodenses, ha de reconocerse la valentía de pretender continuar una historia como la de Blade Runner.

El anunciar la realización de una secuela directa de un clásico de culto con más de treinta años, que encima en su época fue un completo fracaso de taquilla, pero que aun así logró la forma de trascender históricamente como una de las mejores películas de la historia por sus logros visuales y narrativos, podría sugerir una especie de suicidio cinematográfico.

Por suerte, aun cuando sea difícil que esta película logre recaudar lo suficiente para justificar su presupuesto de producción, Blade Runner 2049 logra superar las expectativas poniéndose a la par de la original como una secuela digna de su estatus y consagrar a su director Dennis Villanue como uno de los mejores talentos de la actualidad.

¿Por dónde empezar?

La historia, como el título lo sugiere, transcurre más de treinta años después de la original (haciendo un paralelismo con el propio estreno de la cinta), con este mismo mundo distópico lleno de radiación que ahora se encuentra dirigido por una nueva compañía todopoderosa tras la quiebra de Tyrell, la corporación Wallace, que hace sus propios modelos de replicantes, supuestamente “incapaces de rebelarse como los viejos modelos”.

La división policial conocida como Blade Runners siguen existiendo y reconoce el uso de oficiales replicantes autoconscientes para eliminar los modelos antiguos capaces de rebelarse. El agente K (Ryan Gosling) es uno de estos agentes, que después de lo que parecía ser una simple misión de exterminio encuentra pruebas que uno de los Replicantes de Tyrell fue capaz de otorgar vida años atrás…

Así comienza un debate moral y existencial de K, al mismo tiempo que comienza su travesía en la búsqueda por este niño “milagro”, cuya existencia podría derivar en la guerra definitiva entre replicantes y la humanidad.

El significado de ser humano

Siendo fiel al legado de su predecesora, esta cinta se atreve a expandir el debate filosófico planteado sobre el propio significado de lo que implica estar vivo, poder considerarse humano o incluso tener un alma…

Se cuestiona constantemente la prevalencia de los recuerdos “reales” para la formación de un individuo o si podría existir una prueba mayor sobre nuestra existencia, como el simple hecho de ser concebido o la incapacidad de sentir e intimar con otros.

A menudo se le da un peso a la incapacidad de los personajes de tener alguna forma contacto físico o mental (voluntario o involuntario), una representación de cómo la propia capacidad de demostrar afecto y la búsqueda de entender a otros convierte a nuestros protagonistas artificiales más humanos que los propios humanos.

Joi (Ana de Armas), el personaje más fascinante de la cinta, una inteligencia artificial capaz de demostrar señales de preocupación e incluso auténtico amor incondicional hacia K… pero es parte de una programación, forma parte de una fantasía, aunque se nota un esfuerzo por transformarlo en algo más real, ¿pueden ser las emociones programadas y aun así ser clasificadas de reales? Se juega con el miedo constante del individuo de formar parte de una programación superior.

Sin querer dar revelaciones importantes de la trama, se podría decir que el debate termina de la misma forma que la original, cuando la propia humanidad de estos seres “artificiales” es alcanzada a través de su propia aceptación de la muerte y entendimiento de no ser tan especiales como se consideraban en un principio, sino por el contrario, terminan siendo aún más extraordinarios cuando renuncian a su programación inicio para salvar a otros, al costo de su propia seguridad. El sacrificio ni siquiera por el bien mayor, sino por el amor ajeno.

La experiencia cinematográfica en sí misma

El filme Blade Runner 2049 es un deleite visual que con creces inmortaliza el trabajo y maestría de Roger Deakins como director de fotografía. No solo emula a la perfección la atmósfera del mundo ciberpunk y su tan característica estética llena de luces de neón, sino que crea imágenes tan poderosas que son capaces de inspirar y cautivar nuestro imaginario durante muchas décadas.

La cinta es lenta, mucho más extensa a lo que se está acostumbrado hoy en día, y es bastante densa, así que no es para todos, pero posee el potencial de recordarnos el porqué adoramos el cine y qué tan capaces somos de ser absorbidos por él. Guarda muchos significados ocultos que podrían verse enriquecidos tras varias visualizaciones, pero en esencia se puede concluir que es una experiencia cinematográfica como muy pocas lo podrían ser hoy en día.

Lo negativo

El único lado negativo podría ser un antagonista que, aunque cuenta con una buena interpretación de Jared Leto, su presencia y motivaciones son demasiado ambiguas para significar una latente forma de conflicto.

Por otro lado, aunque Villanue nuevamente muestra una dirección soberbia, se tomó quizás en exceso el aspecto sci-fi con historia de una mayor magnitud casi épica, cuando mucha de la esencia de Blade Runner era ser prácticamente una historia contenida con elementos clásicos del cine noir. Aquí, aunque se mantiene esa intención, se tiene una historia enmarañada de grandes implicaciones, mientras que la original, por comparación, era una historia compleja con una premisa relativamente simple, bajo una percepción clásica del género.

La música, a pesar de ser un sólido trabajo con Hans Zimmer, un gran compositor para cine contemporáneo, francamente no considero que su estilo haga que la atmósfera destaque como Vangelis lo logró en su época. No tiene tiene ese ritmo blues que junta lo clásico con lo futurista, en una memorable y melancólica tonada.

Son quizás quejas minúsculas, porque dentro de todo es una película bastante satisfactoria y una experiencia bastante valiosa en la cinematografía contemporánea, que puede adquirir un mayor estatus de relevancia en el futuro.

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“Mindhunter”: La propuesta Fincheriana

Mindhunter. VoxBox.

Cine.- No cabe duda que Netflix paulatinamente se ha convertido en un hogar dispuesto a abrirle las puertas a talentosos cineastas con intenciones de destacarse con historias arriesgadas, con mayor desarrollo y que sientan anhelos de liberarse de las limitaciones que pudieran traer los grandes estudios hollywoodenses.

Una de las primeras pruebas de eso fue la aclamada versión americana de House of Cards, la primera producción original de Netflix que en su primera temporada contó con el ya entonces aclamado director de cine David Fincher, siendo el productor ejecutivo y director del episodio piloto.

Ahora, la empresa de entretenimiento streaming se atreve repetir la fórmula de éxitos pasados con Mindhunter, una nueva serie de tan solo 10 episodios, disponibles en su totalidad desde el viernes pasado y que cuenta nuevamente con la firma de Fincher, y además, Charlize Theron como productores ejecutivos. En esta oportunidad, el realizador de Fight Club y Se7en también cumple funciones como director de cuatro de los diez episodios.

¿De qué trata?

La serie se ambienta en 1979, cuando dos agentes especiales del FBI, Bill Tench y Holden Ford, unen sus dotes de enseñanza dentro del departamento de Ciencias de la Conducta, para enseñar a otras unidades alrededor de Norteamérica sobre cómo proceder contra criminales violentos e impredecibles.

Desde el inicio Holden se siente fascinado por esta nueva categoría de criminales, donde no aplican los mismos conceptos comunes de la lógica y se plantea comenzar entrevistar a algunos de ellos, convertir estas conversaciones en un estudio que sirva como antecedente para un perfil psicológico que pueda ayudar a atrapar otros criminales con motivaciones parecidas.

En pocas palabras, el atractivo principal de la serie al inicio es el ser una especie de Road Movie mezclado con un thriller policíaco, donde estos encuentros con conocidos asesinos múltiples permiten hacer observaciones para desentrañar otros casos difíciles de resolver.

“¿Como nos anticipamos a un loco sino sabemos como piensa?”, es lo que dice Bill Tench a sus escépticos superiores, para justificar la investigación iniciada por Holden.

Sin embargo, un espectador que espere algo como El Silencio de los Corderos o Hannibal podría sentirse decepcionado. En realidad, no hay ninguna persecución o enfrentamientos con estos asesinos, ya que el desarrollo de la serie es lento y solo sirve para sentar las bases de conflictos que pudieran suscitarse en temporadas siguientes. Mucho se centra en el rigor de la investigación a base de cuestionar los hechos, hacer las preguntas correctas, suponer escenarios a base de la intuición e incluso contar con algo de suerte al momento de buscar un sospechoso.

Como aspecto fundamental es necesario entender que la serie está ambientada e inspirada en un contexto real, donde el término “asesino en serie” apenas estaba saliendo a la luz y mucha de la terminología básica para entenderlos y clasificarlos está siendo creada en paralelo por los personajes de la serie, que a su vez están basados en agentes del FBI reales. Este aspecto es uno de los principales ganchos y encaja con algunos de sus mejores momentos.

Existe un aire cargado de suspenso y claramente de expectativa por el aspecto policial, pero bajo un foco mucho más realista al que estamos acostumbrados. Aquí, más que ver al criminal como un antagonista o una forma villano, se nos presenta como un objeto de estudio por el que fascinarse, pero que aun así nos inquieta y nos perturba por su naturaleza tan alejada de lo corriente.

Conserva elementos que la permiten compararla más fácilmente con Zodiac, que también resulta ser uno de los mejores trabajos de Fincher; de hecho, la idea más aterradora se plantea casi al final y muy sutilmente se va presentando… ¿cuánto tiempo se puede pasar estudiando la mente de monstruos sin que la obsesión por ello también te afecte de alguna forma?

¿La serie hace bien al nombre de Fincher?

Existe un hecho al que es interesante enfatizar, aunque mucho del mérito se lo lleve Fincher, gracias a su estatus como realizador y ser posiblemente quien planteó la estética general de toda la serie, el mayor involucrado es el creador y guionista John Penhall, quien estuvo detrás de la mayoría de los episodios.

Realmente Fincher es un prototipo de director clásico que no necesita escribir los guiones de sus películas para poder darle su sello particular, al igual que Hitchcock es capaz de adoptar una cierta temática y transformarlo en un trabajo autoral gracias a su estilo visual, y es aquí cuando la serie se beneficia en sobremanera de su influencia. Es una simbiosis entre dirección e historia.

Los personajes pertenecen perfectamente a ese universo fincheriano repleto de personas obsesivas, engreídas, cargadas de respuestas inteligentes pero que al mismo tiempo están siempre aisladas del mundo, cargados de problemas y conflictos personales que se van correlacionando cada vez más con su vida profesional, y se plantean hacer un mundo mejor resolviendo y evitando que ocurran crímenes de gran magnitud, pero al costo de su propia estabilidad emocional.

Además tenemos el agregado visual: una hermosa forma de componer los elementos dentro del cuadro, fotografía tenue perfecta para una atmósfera sombría con un mayor énfasis en paletas de colores amarillentos y verdes, un montaje casi magistral con secuencias que lo establecen todo sin necesidad diálogos y un muy apropiado diseño sonoro con una extremadamente buena selección musical nostálgica por la década de los setenta.

En conclusión, es un producto que está claramente a la altura de cualquier producción cinematográfica, al contar con la muy apropiada intervención y meticulosa visión de Fincher. Es la clase de historia imposible de no relacionar automáticamente con Fincher y su propia forma de trabajar, es un proyecto que está hecho perfectamente a su medida.

Sin duda requiere de una particular atención en los más mínimos detalles, con una resolución de temporada, si bien no del todo satisfactoria. Cumple siendo inquietante y sentando correctamente las bases para conflictos de mayor calibre psicológico en el futuro, que es el campo que está más orientado en representar.

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“Solo: Una historia de Star Wars” será el nombre del spin-off de Han Solo

Han Solo. VoxBox.

Cine.- La película sin título de Han Solo por fin tiene nombre.

Hoy, el director Ron Howard anunció que la película finalmente había envuelto la producción, y que simplemente se llamaría Solo: Una historia de Star Wars.

La película sobrevive a la polémica que ocurrió este verano, cuando los directores originales, Chris Miller y Phil Lord, fueron despedidos por Lucasfilm, por choques creativos con la productora Kathleen Kennedy y los guionistas Lawrence y Jon Kasdan.

El título de trabajo de la producción fue Red Cup, que ahora tiene sentido, dado que la compañía Solo del mundo real produce, bueno, copas rojas.

Se dice que la película sigue los primeros días de Han Solo, mucho antes de encontrarse con Luke Skywalker, Obi-Wan Kenobi y un par de droides en A New Hope.

No sabemos mucho sobre lo que implicará esa historia, aunque Howard ha aludido a lugares como Corellia (el planeta de origen de Solo) y Kessel (donde hizo la famosa carrera de Kessel).

La película también incluirá Tag and Bink, un par de personajes familiares para fanáticos incondicionales de los cómics de Star Wars.

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“Baby Driver”: Un gran killer track en pantalla.

Baby Driver. VoxBox.

Baby Driver no solo es una de las películas más entretenidas en lo que va de año, sino una de las bandas sonoras más esperadas. Es un paseo con un innegable potencial de ser clásico instantáneo.

Cine.- Podría parecer mentira que a estas alturas todavía exista alguien que no haya visto Baby Driver, pero en ciertas partes del mundo (como en mi caso en particular, Venezuela), todavía existen estrenos que llegan con un cierto retraso, casi exagerado en comparación con el resto de países del continente.

No hace falta decir que este retraso no hizo otra cosa que incrementar mi curiosidad (y casi fijación) por la cinta, debido a la gran cantidad de elogios que ha venido recibiendo desde su estreno en Estado Unidos y, al mismo tiempo, hacía cada vez más tortuosa la tarea de evitar enterarme prematuramente de algún giro importante de la trama antes de verla.

Pero finalmente, tras haber cumplido religiosamente con una primera visualización, me di cuenta que quizás necesitaría una segunda… luego una tercera, y solo por si las dudas, una cuarta. No porque necesite desmenuzar todos aquellos elementos escondidos y sutilezas dentro de su puesta en escena (que sí las tiene), sino porque simplemente fue un paseo endemoniadamente divertido.

Lo mejor logrado de Wright

Edgar Wright es un director con una trayectoria fascinante, aunque francamente todavía se siente un tanto reducida. Pero en cada uno de sus proyectos logra conservar un estilo peculiar que desborda de originalidad e impresiona en cuanto ingenio, tanto por sus historias como por su forma de planear visualmente algún gag, o revelar información en el fondo. Así como su montaje tan característico, sumamente rápido y yuxtaposición dinámica.

En lo que concierne a este filme, podría fácilmente posicionarse como su trabajo mejor logrado como director, sin querer menospreciar sus trabajos anteriores, que siguen siendo obras maestras por sus propios méritos. Aquí es palpable el reto de precisión y sincronización musical, casi sobrehumano, por el que tuvo que pasar dentro del apartado técnico tanto dentro del rodaje como en la sala de postproducción.

La música ochentera

No creo ser paranoico ante el hecho de que tras Guardianas de la galaxia y quizás un poco antes exista una obsesión hollywoodense por hacer películas con bandas sonoras llenas de éxitos pop-rock ochenteros, cuyas escenas de acción energizantes emulen la experiencia de videos musicales de diseño estilizado.

Pero en el caso particular de Baby Driver son más que simples imágenes bonitas con música genial: aquí la música es en todo momento diegética, sin excepción, por razones de la trama, que busca mantenerse justificada con el paso de cada nuevo track: Funciona como un engranaje dentro de la historia, más que como un complemento de la misma. Las letras de las canciones van en sincronía con lo que vemos en pantalla y narran acciones e ideas de forma paralela.

Cada efecto sonoro, golpe o disparo se encuentra perfectamente realizados al ritmo de la música, haciéndonos creer que la vida de nuestro protagonista y el mundo al que hemos sido absorbidos forma parte de un interminable video musical. Sonará cursi, pero ¿quién no ha deseado que la vida real funcionara así? ¿Quién no ha querido caminar o conducir por la calle al ritmo de una canción en completa sintonía con nuestro estado de ánimo?

Vemos y escuchamos el mundo tal como lo hace Baby (Ansel Elgort). Aprendemos todo lo que necesitamos saber acerca de sus obsesiones y su carácter en tan solo unas pocas escenas, casi sin necesidad de ningún diálogo en los minutos iniciales. Con la simple secuencia inicial de Baby esperando en el auto al ritmo de los Bellbottoms, mientras ocurre el atraco, sabemos que por su cuenta es un personaje carismático e infantil, pero serio cuando el momento lo requiere, preparado para pisar el acelerador y hacer lo que se le da mejor: escapar con un killer track de fondo.

Y la acción con persecución

Dejando de lado un poco la música, pasamos a hablar de las escenas. Sencillamente las secuencias de acción y persecución son una experiencia sin igual, comparables a la experiencia de alguna de las atracciones de un parque de diversiones, y son todas merecedoras de un puesto honorífico junto a otras películas clásicas del género, ya sea Heat, The Driver o incluso The Blues Brother (todas obvias fuentes de inspiración).

Además de una espectacular química entre sus protagonistas, Elgort y Lily James sobre todo, cada vez que están juntos pueden sentirse chispas salir de la pantalla, su relación cautivadora y casi imposible de imitar.

Aparte, todo el elenco es memorable con sus pequeñas excentricidades: Kevin Spacey, Jammie Fox, John Hamm y Eliza González, aun siendo peligrosos para la vida del protagonista, son entrañables a su manera. Juntos forman el crew ficticio más entretenido en la historia de los atracos del cine.

Ver esta película es entrar de lleno a un mundo de fantasía, en todo el buen sentido de la palabra, como lo expresa el propio realizador. Busca transmitir una cierta cualidad mágica que solo puede ser posible en el mundo de las películas.

Wright ha logrado entrar a un estatus de notoriedad que nadie se hubiera imaginado jamás. Además, es un director con un trabajo sumamente honesto que habla por él a la perfección: no duda en luchar por lo que desea hacer, no niega ni huye en rendir homenaje a los maestros que le sirvieron de antesala, e incluso llega al punto de autodenominarse como un director de cine comercial.

Eso no niega, sin embargo, la posibilidad de superarse a sí mismo y, al mismo tiempo, hacer contenido de calidad, con un estilo visual propio y temas obsesivos subyacentes que lo vuelven un auteur cinematográfico, pero sin la pretensión de querer obligarse ser visto como tal.

Un paseo a lo clásico instantáneo

No solo es una de las películas más entretenidas en lo que va de año, sino una de las bandas sonoras más esperadas. Es todo un paseo con un innegable potencial de ser clásico instantáneo. Películas como esta lamentablemente no son tan comunes y deben ser aprovechadas en su momento.

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“BoJack Horseman”: La temporada más individualista

BoJack. VoxBox.

BoJack Horseman siempre ha tenido sus “arcos principales” escondidos en cada una de sus temporadas, un cierto aire temático que se distingue por los cambios en la intro.

Opinión.- Una de las razones que hacen de BoJack Horseman una serie tan cautivadora es el hecho de que tenga ese compromiso de respetar cada uno de los hilos narrativos de sus respectivos personajes, darse el tiempo de explorar cada una de sus vidas de forma individual y dar justificaciones concretas para sus acciones, junto con el rumbo estos que toman, aun si están separados de la vida del protagonista.

Incluso sin querer considerar esta la mejor temporada, viendo todos sus episodios de manera global, conserva aquellos elementos propios de la serie que ha conservado desde sus inicios; en particular, aquel humor absurdo y tan marcado en lo satírico-social, pero al mismo tiempo existen nuevos elementos adicionales que la hacen distinguible de muchos episodios previos.

En primer lugar, la serie siempre ha tenido sus “arcos principales” escondidos en cada una de sus temporadas, un cierto aire temático que se distingue por los cambios en la intro y distinguen cada una de las aventuras que ha vivido BoJack desde que lo vimos al inicio de la serie, como el proceso de descubrimiento por el que pasó cuando Diane comenzó su biografía, el rol más importante de su carrera al interpretar al ídolo de su infancia y una nueva crisis existencial tras el estreno de su película.

Pero esta temporada, al retomar desde el momento exacto en que terminó la anterior, no le queda de otra que lidiar con un Bojack completamente solo, prácticamente aislado del mundo tras casi haber arruinado por completo todas las relaciones con sus amigos cercanos, casi al borde de la autodestrucción, aun cuestionando su lugar en el mundo y sumiéndose en su propia infelicidad tras la muerte de Sarah Lynn.

Este aspecto se mantiene casi vigente a lo largo de toda la temporada, donde vemos cómo el protagonista se ve obligado a intercambiar a los miembros de su círculo cercano de amigos por el de su familia biológica. Cada vez vemos más y más episodios enfocados individualmente a retratar la vida de los otros secundarios que hacen vida en la serie, cada uno tiene su propio viaje que no necesariamente está ligado de forma inherente a la vida de BoJack, algo bastante innovador, porque finalmente hemos llegado al punto en que nos hemos acostumbrado a sus vidas de la manera en que ellos la ven, o mejor dicho: lo que antes se escapaba de la superficie.

Hollyhock y el oscuro pasado

Sin embargo, aun cuando cada uno de estos episodios son entretenidos, enternecedores y hasta amargos por sus propios méritos, el mayor foco de atención y expectativa a lo largo de toda la temporada ha sido el de revelar el oscuro pasado del clan familiar materno de BoJack, que de una u otra forma no son más que pistas dejadas a lo largo de toda la serie y una anticipación para descifrar la misteriosa identidad de la madre de esta ahora supuesta hija biológica de BoJack, Hollyhock.

Aunque considero que la adición de Hollyhock no termina de cuajar del todo, se entiende cómo su relación con BoJack termina siendo necesaria. Vemos cómo su existencia se convierte en un nuevo motor que levanta un vez más del suelo a nuestro protagonista, lo obliga a reencontrarse con el pasado, con el fin de convertirse en una mejor persona, y le da nuevas razones para vivir, aunque al principio existe una ambigüedad en su dinámica, y esta termina por ser justificada tras la revelación final de su origen.

La revelación de Beatrice

Pero sin duda el mayor interés durante toda la temporada fue Beatrice, la madre de Bojack que habíamos visto previamente en flashbacks, y ahora se ha decidido a aventurar ahondando en su pasado con mayor profundidad. Aunque eso no la convierte en una mejor persona, la convierte en un personaje más complejo, víctima también de los errores de generaciones pasadas. Estos episodios donde el pasado y el presente se reencuentran resultan ser hasta ahora algunos de los mejores de toda la serie (el segundo y onceavo respectivamente), junto con algunas de sus imágenes más perturbadoras.

En fin, a veces cuesta creer cómo una serie de animación resulte ser tan deprimente y al mismo tiempo sea capaz de abordar tramas con temas tan complejos así como atrapantes. Es una serie que definitivamente hasta el momento no ha decaído en cuanto calidad, y aunque todavía no existe una visualización concreta de cierre, no extrañaría que poco a poco este podría estar comenzando a gestarse. De cualquier forma aquí estaremos esperándolo impacientemente para seguir las aventuras de nuestra estrella de televisión y equino antropomórfico favorito.

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J. J. Abrams dirigirá “Star Wars: Episode IX”

J. J. Abrams. VoxBox.

Luego de que Star Wars: Episode IX perdió a su director, hoy se anunció que J. J. Abrams es el nuevo elegido para llevar a cabo el proyecto. Que la fuerza lo acompañe.

Cine.- Lucasfilm anunció hoy que J. J. Abrams asumirá el cargo de director de Star Wars: Episode IX, después de que el director de Jurassic World, Colin Trevorrow, abandonó el proyecto.

Después de la salida de Trevorrow del proyecto, el pasado 5 de septiembre, el reportero de THR Borys Kit tuiteó que Abrams estaba en la lista corta para hacerse cargo del episodio IX.

El último director de la saga, Rian Johnson, también estaba en la lista, pero descartó dirigirlo el pasado fin de semana.

Lucasfilm dice que Abrams también será guionista de la película junto a Chris Terrio, quien ha trabajado en producciones como Argo, Justice League, y Batman v Superman: Dawn of Justice.

El regreso de Abrams a Star Wars probablemente ayudará a traer alguna estabilidad a la franquicia. Sobre todo, tomando en cuenta que no es ajeno a las secuelas, ya que dirigió Star Trek Into Darkness (2013), después de relanzar esa franquicia con Star Trek de 2009. También es uno de los productores ejecutivos de The Last Jedi, lo que probablemente significaría que sería más fácil para él unirse al proyecto que un nuevo director.

A principios de este mes, Lucasfilm anunció que Trevorrow estaba dejando Star Wars: Episode IX, citando diferentes visiones creativas para el proyecto. The Hollywood Reporter señaló que los problemas con el guion “continuaron siendo un punto doloroso durante el desarrollo del Episodio IX”, lo que llevó al estudio a llevar a Harry Potter y al guionista del Niño Maldito Jack Throne para una reescritura.

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“It” es eso: el guiño y el tributo a nuestros mayores miedos

It es un homenaje a décadas de películas de terror (su ascenso, auge y quizá el inicio de su decadencia), además que nos muestra que un tributo puede mostrarnos guiños para hacernos reír, enternecernos, estar serios, y por qué no, también tener miedo.

Opinión.- Lo primero es lo primero: ninguna película tiene la obligación de parecerse al libro de origen, y mucho menos ser la adaptación más fiel o perfecta, no solo porque sus lenguajes y motivaciones son diferentes, sino porque tienen el deber de suscitar distintas clases de emociones en quienes disfrutamos una y otra cosa.

It, Eso, La Cosa, o como quiera llamarlo, —dato friki del día: tanto en el libro como en cualquiera de sus adaptaciones en película no tendríamos cómo nombrarlo, porque en realidad nadie puede asegurar cuál es su verdadera forma, sexo humanamente predeterminado, edad o tamaño—, es un símbolo que representa el miedo más insondable, aquel del que nadie puede escapar: el horror de lo que no conocemos, la certeza de lo que nos espera en un universo infinito de posibilidades.

Al mismo tiempo, en el caso particular de la película (no, todavía no le haré spoilers), es un tributo a la amistad. Eso, La Cosa, o simplemente It (por purismo del idioma de origen) es ese miedo que todos llevamos dentro, que en la más de las veces es capaz de autodestruirnos y que tarde o temprano nos alcanzará, porque somos seres perecederos, pero que podemos aprender a sobrellevar ese destino, con todo y nuestros demonios cotidianos, porque tenemos a personas que nos pueden acompañar en este viaje (al menos si conocemos el inmenso valor de la amistad):

Tal vez —pensó— no existen los buenos y los malos amigos; tal vez sólo hay amigos, gente que nos apoya cuando sufrimos y que nos ayuda a no sentirnos tan solos. Tal vez siempre vale la pena sentir miedo por ellos, y esperanzas, y vivir por ellos. Tal vez también valga la pena morir por ellos, si así debe ser. No hay buenos amigos, no hay malos amigos, Sólo hay personas con las que uno quiere estar, necesita estar; gente que ha construido su casa en nuestro corazón. (cita de la novela de King).

La denuncia del bullying, la presentación de esas sutilezas de la cultura norteamericana, el humor peculiar —a veces infantil, a veces ingenuo, las más de las veces irónico y en otras tierno—, ese no sé qué, que nos hace extrañar el pasado: It es un viaje al pasado, y por eso tenía que ser adaptado en los ochenta, y no apegarse a los cincuenta que nos presenta la novela.

¿Fue mucho spoiler? ¡Vamos! No fue para tanto. La nueva adaptación nos lo avisa desde el tráiler. Eso tenía adaptarse a los nuevos tiempos, y para crear un sentimiento de nostalgia tenía que ser desde los ochenta, para que el prometedor Capítulo 2 nos hable desde nuestra actualidad. ¿Será un guiño para los más jóvenes de la generación X? Eso todavía está por saberse.

Debo hacerle una advertencia: si busca una película que sea la mejor de su género en 2017, entonces se equivocó de cartelera. It tiene sus fallos, como cualquier película, y tuvo que sacrificar información de su fuente de origen (¿cómo resume en un guion de película una novela de más de 1,500 páginas?), tratando de complacer con sendos guiños y referencias tanto a los lectores como a quienes solo verán la nueva adaptación.

EN ESTE PUNTO COMIENZAN LOS SPOILERS

NO ESTOY BROMEANDO

¡ESTÁ ADVERTIDO!

Si la crítica en este momento afirma que esta película es una mejor adaptación, es porque los guiños procuran complacernos con escenas concretas de la novela. Fuera de eso, hay que ser honestos: la película busca tener su propia voz y ser una adaptación libre. Cambia el carácter de algunos personajes, recrea escenas que jamás ocurrieron en la novela (ni en la vieja película) y procura crear su propia atmósfera, porque si fuera una adaptación 100 % perfecta todos sabríamos lo que pasará en el Capítulo 2 (¡oh!, sí… nadie sabrá con certeza cómo será la segunda parte).

Se han sacrificado personajes, escenas y situaciones concretas, para darle efectividad a la historia. En ese sentido, no pueden acusar a la vieja película de ser menos exhaustiva que la actual: cada una quiere que sintamos unas situaciones, en detrimento de otras cuestiones en las que quizá los cinéfilos de ahora se identificarían menos.

El amor, la locura, la amistad, las imprudencias (u osadías… usted sabrá) valen para todos los tiempos: nosotros sentimos en el fondo de nuestros corazones ese drama del día a día. Aunque no lo hayamos vivido directamente. Y en las más de las veces hemos dejado el pellejo por los seres que amamos.

En este caso, vemos a un Bill Denbrough incapaz de sobrellevar un duelo y totalmente obsesionado con la búsqueda de una verdad, a un Ben Hanscom demasiado inteligente para su edad (demasiada erudición y coleccionismo, incluso para un lector asiduo de biblioteca), a un Richie Tozier que nos caería bien a todos, a un Mike Hanlon más invisibilizado (pero más valiente), un Eddie Kaspbrak más despierto (tan despierto que se sintió casi inusual para un supuesto hipocondríaco), un Stan que sigue siendo tan Stan, y una Beverly Marsh más empoderada, más despierta, más dueña de la trama, de sí y de sus circunstancias: muchos me lo criticarán, pero en realidad la heroína de la película es ella.

Pero igual, It trata de un pueblo llamado Derry (perdonará la reseña básica) donde comienzan a ocurrir desapariciones sin resolver, violencia inusitada, niños que comienzan a ver cosas que los adultos son incapaces de ver, y por lo demás, todo ese drama, todo ese miedo latente de cuando la vida nos cambia cuando menos esperamos.

Y si luego la película cae en los males argumentales de nuestra época (el rescate de la princesa, el viaje del héroe, venir de menos a más, o la anagnórisis), eso ya es materia para otra discusión. Si quiere podemos dejarla para después.

VoxBox.-

Star Wars: Episodio IX acaba de perder a su director

Colin Trevorrow. VoxBox.

Colin Trevorrow fue anunciado como el director del proyecto en 2015, recién salido de su éxito en Jurassic World.

Cine.- Star Wars: The Last Jedi no llega a los cines hasta el 15 de diciembre, pero parece que la secuela de la película ya está teniendo problemas: El director Colin Trevorrow, quien dirigió el exitoso éxito Jurassic World, se retiró del proyecto.

Trevorrow fue anunciado como el director del proyecto en 2015, recién salido de su éxito en Jurassic World. Esa película terminó recaudando más de 1,600 millones de dólares en todo el mundo, pero su libro The Book of Henry fue un desastre comercial y crítico.

Esta es la declaración, que apareció publicada en Entertainment Weekly:

“Lucasfilm y Colin Trevorrow han decidido mutuamente separarse en Star Wars: Episode IX. Colin ha sido un colaborador maravilloso en todo el proceso de desarrollo, pero todos hemos llegado a la conclusión de que nuestras visiones para el proyecto difieren. Le deseamos a Colin lo mejor y estaremos compartiendo más información sobre la película pronto.”

Siempre según Entertainment Weekly, el dramaturgo Jack Thorne, más conocido por Harry Potter y el legado maldito, fue contratado recientemente para hacer una reescritura integral del guión del Episodio IX de Trevorrow y su coguionista Derek Connolly.

Aunque la naturaleza del desacuerdo con Lucasfilm no está clara, hubo rumores de descontento durante varios meses. Durante ese tiempo, Trevorrow también sufrió las pésimas críticas que recibió su nuevo filme, The Book of Henry, con Naomi Watts, que a la vez fue un desastre en la taquilla.

Según se informa, el episodio IX comenzará a rodar en enero del próximo año, pero no está claro si este cambio creativo empujará esa fecha más lejos.

VoxBox.-