Damien Chazelle y su visión de la tenacidad

Si Damien Chazelle nació en 1985 debería de considerarse, por definición generacional, como un millennial más. A mí se me antoja etiquetarlo por lo que quiero transmitir en esta entrada.

Cine.- Nuestra generación —llamada millennials por los expertos en antropología del parentesco y cuyo término popularizaron varios medios estadounidenses— suele ser caracterizada como autocomplaciente y caprichosa, además de cierto infantilismo acentuado, que ha hecho que algunos nos llamen generación Peter Pan. A esto debe sumarse el mal del inmediatismo,1 que no es exclusivo de esta generación, pero sí la que se ha llevado la peor parte, ya que afectó varios procesos naturales en diferentes etapas de nuestro desarrollo (es decir, que nos viene serruchando el piso desde la infancia) y que tardaría demasiado en ampliar.2

Para no complicar el asunto, basta con decir que si algo no lo sabemos lo googleamos en el acto, al menos si se da la oportunidad, con lo cual no solo salimos de la duda, sino que a veces llegamos a corregirle la plana al prójimo, por si lo que está diciendo no es exacto. Pero ¿tiene esto algo de malo?, podría estarse preguntando. La verdad es que no y creo que es una ventaja de nuestro tiempo. Lo malo es cuando en el momento no puede encontrar la respuesta y a la larga simplemente lo olvida, lo desplaza, realiza la respectiva bulimia intelectual, gracias a la cual se atiborra de información que realmente no asimila. Solo entonces nos damos cuenta que, en aspectos muy puntuales, el inmediatismo permea mucho de lo que hacemos.

Pero el más grande mal de nuestra generación no es ese, aunque es innegable que abona en él. Transmitido desde hace varias generaciones, pero ya naturalizado en la presente, nuestro peor mal es creer en realidad, como algo natural, que estamos destinados a cumplir todos nuestros sueños y que somos una generación que de alguna manera misteriosa alcanzará todo lo que se proponga. Debates nacen y nacerán en torno a este punto, sobre todo en cuanto a la alienación y enajenación del relato individual que llamamos vida. La discusión es grande, pero por el momento solo necesito que tenga en mente lo hasta aquí mencionado.3

Si Chazelle nació en 1985 debería de considerarse, por definición generacional, como un millennial más. A mí se me antoja etiquetarlo por lo que quiero transmitir en esta entrada, pero por las características de su trabajo no parece uno de los nuestros, o al menos no refleja los vicios y los males que en teoría nos caracterizan. Es decir, no soy experto en cine, pero me parece que dos de sus producciones —Whiplash (2014) y La La Land (2016)— son de una calidad de respeto, que logra transmitir un efecto de impresión, la famosa sensación de extrañamiento de la que hablaban los formalistas rusos.

Podríamos decir que es el director de cine hollywoodense millennial del momento, que pasará a la historia por haber producido una de las tres películas con más nominaciones al Óscar,4 aunque huelga decir que si el Óscar premia o no calidad o solo producto comercial es discusión aparte. El mérito, por el momento, ya lo tiene.

En las dos producciones de Chazelle podemos encontrar elementos en común, lo cual indica que nos quiere transmitir un mensaje en diferentes contextos. Lo primero es que sus personajes son artistas o aspiran a ser grandes en su arte (tenemos a dos músicos y una actriz). Lo segundo es que están convencidos de que quieren ser de los mejores y que están conscientes de que en el camino hay incertidumbre. Lo tercero es que han superado las dudas iniciales y ya están sabedores de sus virtudes y defectos, pero sobre todo están en ese punto al que el artista se enfrenta, que es la cuestión de la validación del trabajo individual, en el que por el momento solo cree el yo, pero que es necesario que lo vean ellos o los otros, porque finalmente el proceso del arte se completa cuando el trabajo lo recibe e interpreta el receptor.

Lo cuarto que podemos percibir, y es al punto al que quería llegar, es que sus personajes son de una tenacidad ahora perdida en el grueso y mayoría de nuestra generación. A uno le sangrarán las manos,5 y los otros dos comprenderán que la felicidad jamás será absoluta y que convertirse en artista requiere de sacrificios individuales. Pero no se detienen.

Los tres saben qué es es lo que quieren y están dispuestos a hacer lo necesario. Con garra, persistencia, lágrimas, frustraciones, a veces vergüenza y bochorno. Pero siempre con tenacidad, jamás detenerse.

Y Chazelle persiste tanto en el punto, que para recalcarnos lo que se requiere para alcanzar nuestros sueños coloca a sus personajes en situaciones-encrucijadas, en las que solo podrán optar por una u otra cosa, pero que jamás ganarán todo el paquete. Es decir, la felicidad no será plena, absoluta, no habrá realidad perfecta en la que nos la ganemos todas de todas, porque en la vida, si queremos algo, ganamos y perdemos de forma impredecible, y ganamos y dejamos en el camino, acumulando experiencia, pero aprendiendo también que la maleta no aguanta con todo lo que queremos cargar.

Y es ahí donde me parece que Chazelle, no sé hasta que punto consciente del alcance de su mensaje, hace una crítica a la generación a la que él pertenece. Es decir, una generación hedonista, que por lo general se rinde y es de lágrima fácil, una generación que ya no lee, reflexiona o cultiva el pensamiento crítico. Una generación que no quiere pagar el precio para alcanzar lo que quiere, que carece de la suficiente paciencia, y que por el contrario, reniega y reprocha la mayor parte del tiempo de su realidad.

Ya sé que no debo generalizar. Hay demasiadas variables en el asunto, además que todas las generaciones en todas las épocas de la historia ha tenido buenos y malos. Pero nuestra generación tiene, dentro de varios esquemas posibles y entre ellos el desarrollo humano, una realidad más favorable que la de hace 20 años, ya no digamos 50 o 100 años. No es necesario que me restriegue la realidad de los países desfavorecidos y todo eso. Sé que se entiende el punto, que es lo importante.

Pero me parece pertinente hacer énfasis en esto, y ya he escrito sobre en ello en otras ocasiones, y quizá por eso veo el mensaje donde sea, porque creo con pasión en ese asunto: la vida debemos afrontarla con tenacidad.

Tal vez —como dijo Bukowski en una entrevista, con una consciencia de la realidad  dura y concreta que ya se está perdiendo—, aunque luchemos toda la vida, sigamos nadando en la porquería de las alcantarillas. Tal vez nuestras posibilidades solo nos permita pasar una realidad más desahogada a la siguiente generación, aunque nosotros no lleguemos a saborear los frutos. Tal vez se nos pase la vida intentando alcanzar lo imposible y la vejez nos agarre cansados de tanto luchar. Y me tiro yo solo la soga al cuello: tal vez nunca me convierta en un escritor consumado, tal vez nunca sea todo eso que desde niño quise ser. Tal vez un día la muerte me agarre desprevenido. Pero quiero que me agarre con las manos en el teclado. Quiero que me agarre de pie. Quiero intentarlo hasta el final, como el baterista al que le sangran las manos, como el músico de jazz que renuncia la felicidad inmediata, aunque desconoce lo que vendrá.

Y no quiero dar la idea equivocada del clásico mensaje motivacional. Sé que hay que pagar el precio. Sé que hay variables en el camino. Pero hablo por mí y espero que usted se dé la oportunidad de extraer una conclusión personal para su propia realidad: si esto es lo que quiero, y amo escribir, y no puedo dejar de hacerlo, ¿por qué no darme la oportunidad de luchar hasta el final?

Aunque el resultado final fuera agridulce, lo vale. Es solo una vida. Es el yo. Es mi vida.


Se considera un efecto secundario provocado por el uso continuo del internet, pero se ha detectado también como una actitud malsana que es sobre todo producto del mejoramiento de nuestra interacción social y el acceso al flujo infinito de información.

2 Si desea ampliar en el tema, le recomiendo el ensayo Superficiales. ¿Qué está haciendo internet con nuestras mentes?, de Nicholas George Carr.

3 A manera de resumen, pero con un punto de vista bastante pedagógico, trata el tema Yuval Noah Harari en su ensayo Homo Deus. Breve historia del mañana. Si desea ampliar en el tema, al menos es un buen comienzo. El mismo Yuval en su ensayo lo redirigirá a bibliografía mucho más amplia.

4 Como usted ya sabrá, las otras que ostentan el récord de 14 nominaciones a la estatuilla son All About Eve (1950) y Titanic (1997).

5 Si físicamente se corresponde o no con la realidad es otro rollo. El director nos quiere transmitir algo con eso y es lo importante. La historia mantiene verosimilitud en su mecanismo interno. La ficción no está obligada a cumplir todas las leyes de la Física.

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Philip Seymour Hoffman en 6 magistrales películas

Cine.- Philip Seymour Hoffman se ha convertido en uno de esos pocos artistas que siguen valiendo la pena. Uno de esos rarísimos actores que sabía hacer interesante cualquier personaje que se propusiera. Un actor de culto, diría.

Tenía solo 46 años cuando murió repentinamente, un día como hoy de 2014. Tomó por sorpresa a todo Hollywood y a todos los cinéfilos que disfrutaron sus películas.

Aquí hay una lista de algunas de sus películas: para los que ya son fans y para los que nunca le han prestado atención.

Almost Famous

En Almost Famous, Hoffman interpreta a Lester Bangs, un periodista de la Rolling Stone que ayuda al personaje principal, William Miller, a convertirse en escritor. Su interpretación del mítico Lester Bangs es una de las mejores actuaciones. En ella muestra la vida de alguien que observa y vive el rock & roll como algo sagrado. La vida de los músicos, las giras y los secretos son revelados por esta persona que se metió tanto, que la hizo parte de sí mismo. Esto se une con el deseo de William, un adolescente, de transformarse en escritor y la realidad que se aparece ante sus ojos.

Sinécdoque en Nueva York

Sinécdoque en Nueva York trata sobre Caden Cotard, un director de teatro que intenta establecer una nueva obra en Nueva York, la cual planea estará llena de realismo. Para esto reúne a un grupo de actores en un teatro de Manhattan y comienza a ensayar el guion. Sin embargo, se cruzarán las historias personales con su exesposa e hija.

Magnolia

En Magnolia hay una serie de eventos relacionados con diferentes personajes, y uno de ellos es Phil Parma, un enfermero de un hospicio deberá cuidar a Earl, un enfermo de cáncer. Lo genial, tanto de su actuación como la película en sí, son los enredos entre todas estas personas de una misma vecindad. Phil tendrá la tarea de reunir a Earl con su hijo Frank y para esto tendrá que buscarlo. Es interesante ver cómo Hoffman puede cambiar de personalidad en cada papel, interpretando algunas veces a alguien rebelde y otras a alguien tranquilo.

The Master

En The Master, Hoffman interpreta a Lancaster Dodd, un líder religioso que llega a relacionarse con el veterano de guerra Freddie Quell (Joaquin Phoenix). Dodd toma a Quell como su discípulo, enseñándole lo que sabe. En esta película desempeña su papel como líder espiritual de manera impecable, mostrándose como una persona de personalidad llamativa y capaz de influir en otros con sus ideas.

Capote

Capote es sin dudas la película que hizo más reconocido a Hoffman. Interpretó a un periodista norteamericano, autor de uno de los libros sobre investigación más conocidos: A sangre fría. En él, Capote relata la historia del asesinato a una familia en Kansas que conmovió a todo el país. El periodista logra entrevistarse con los asesinos, contando una versión de la historia diferente a la que circulaba en los periódicos. Lo interesante de la actuación de Hoffman es su capacidad para representar a un personaje misterioso, pero con una personalidad extrovertida, que generó sentimientos de compasión hacia los asesinos.

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J. J. Abrams prepara película de zombies nazis

No es que J. J. Abrams esté detrás de la producción: lo mejor es que tanto el director como el guionista no son precisamente de serie B.

Cine.- Overlord es una película sobre un equipo de soldados aliados que encuentran un búnker nazi, lleno de zombies fuera de control y en mitad del desembarco de Normandía. Hasta aquí no sería más que una película de muy mal gusto de serie B, pero no: resulta que es el nuevo proyecto de J. J. Abrams.

Overlord será dirigida por Julius Avery, quien se encargó de dirigir Son of a Gun, con Ewan McGregor. Pero al parecer los soldados aliados no solo se tendrán que enfrentar contra zombies nazis —sí, suena muy extraño—, sino también con otros seres sobrenaturales que son el resultados de extraños experimentos alemanes.

Y lo mejor no es que J. J. Abrams esté detrás de la producción: lo mejor es que tanto el director como el guionista no son precisamente de serie B.

¿Qué hace un equipo como ese en una película de zombies nazis? La principal hipótesis es que se trata de la entrega del universo Cloverfield que veremos en 2018.

Billy Ray será el encargado de escribir el guion, aunque la idea de la película fue tanto de él como de Abrams. El guionista de The Revenant, Mark L. Smith, pulió un poco el borrador del guion con Abrams.

Además de los ya famosos “Nazi Zombies” que han aparecido en varios juegos de Call of Duty, hubo una película con la misma temática llamada Dead Snow.

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Y los nominados a los Globos de Oro 2017 son…

Cine.- Llegó el momento de conocer a los nominados a los Globos de Oro, un buen radar previo a los Óscar 2017, y uno de los galardones favoritos de la industria del cine y la televisión en Estados Unidos.

Potenciales ganadores

El musical La ciudad de las estrellas o La La Land lidera, junto a Moonlight, Manchester frente al mar y Lion, las nominaciones a los Globos de Oro, que son concedidos por la selecta Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés).

“Por lo general a los votantes de los Globos les gusta repartir las nominaciones entre películas diferentes, pero puedo decir honestamente que la veo ganando como mejor película y a Ryan Gosling y Emma Stone, sus protagonistas, también”, dijo a AFP el director de la web, Chris Beachum.

Los Globos de Oro serán entregados el 8 de enero en el hotel Beverly Hilton de Beverly Hills, con Jimmy Fallon como presentador.

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Estas son las nominaciones más importantes de la 74.º edición de los Globos de Oro:

Mejor película (drama)

Manchester frente al mar

Moonlight

Lion

Hacksaw Ridge

Hell or High Water

Mejor película (comedia o musical)

La ciudad de las estrellas o La La Land

20th Century Women

Deadpool

Sing Street

Florence Foster Jenkins

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Mejor director

Mel Gibson (Hasta el último hombre)

Damien Chazelle (La ciudad de las estrellas o La La Land)

Barry Jenkins (Moonlight)

Denzel Washington (Fences)

Tom Ford (Nocturnal Animals)

Kenneth Lonergan (Manchester frente al mar)

Mejor actor de drama

Casey Affleck (Manchester frente al mar)

Denzel Washington (Fences)

Joel Edgerton (Loving)

Andrew Garfield (Hacksaw Ridge)

Viggo Mortensen (Captain Fantastic)

Mejor actor de comedia o musical

Ryan Gosling (La ciudad de las estrellas o La La Land)

Ryan Reynolds (Deadpool)

Colin Farrell (The Lobster)

Hugh Grant (Florence Foster Jenkins)

Jonah Hill (War Dogs)

Mejor actriz de drama

Natalie Portman (Jackie)

Amy Adams (La llegada o Arrival)

Jessica Chastain (Miss Sloane)

Isabelle Huppert (Elle)

Ruth Negga (Loving)

Mejor actriz de comedia o musical

Emma Stone (La ciudad de las estrellas o La La Land)

Annette Bening (20th Century Women)

Lily Collins (Rules Don’t Apply)

Jailee Steinfeld (The Edge of Seventeen)

Meryl Streep (Florence Foster Jenkins)

Mejor actor de reparto

Mahershala Ali (Moonlight)

Jeff Bridges (Hell or High Water)

Simon Helberg (Florence Foster Jenkins)

Dev Patel (Lion)

Aaron Taylor Johnson (Nocturnal Animals)

Mejor actriz de reparto

Viola Davis (Fences)

Naomie Harris (Moonlight)

Nicole Kidman (Lion)

Octavia Spencer (Hidden Figures)

Michelle Williams (Manchester frente al mar)

Mejor película de animación

Kubo and The Two Strings

Moana

My Life as a Zucchini

Sing

Zootopia

Mejor película de habla no inglesa

Neruda

Divines

Elle

The Salesman

Toni Erdmann

Mejor serie de televisión (drama)

Game of Thrones

Stranger Things

This is Us

Westworld

The Crown

got

Mejor serie de televisión (comedia)

Atlanta

Black-ish

Mozart in the Jungle

Transparent

Veep

Mejor actor de televisión (drama)

Rami Malek (Mr. Robot)

Billy Bob Thornton (Goliath)

Bob Odenkirk (Better Call Saul)

Matthew Rhys (The Americans)

Liev Schreiber (Ray Donovan)

Mejor actriz de televisión (drama)

Caitriona Balfe (Outlander)

Claire Foy (The Crown)

Keri Russell (Americans)

Winona Ryder (Stranger Things)

Evan Rachel Wood (Westworld)

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Mejor actor de televisión (musical o comedia)

Anthony Anderson (Black-ish)

Gael Garcia Bernal (Mozart in the Jungle)

Donald Glover (Atlanta)

Nick Nolte (Graves)

Jeffrey Tambor (Transparent)

Mejor actriz de televisión (musical o comedia)

Rachel Bloom (Crazy Ex-Girlfriend)

Julia Louis-Dreyfus (Veep)

Sarah Jessica Parker (Divorce)

Issa Rae Insecure)

Gina Rodriguez (Jane The Virgin)

Mejor actor de reparto en serie de televisión

Sterling K. Brown (The People v. OJ Simpson)

Hugh Laurie (The Night Manager)

John Lithgow (The Crown)

Christian Slater (Mr. Robot)

John Travolta (The People v. OJ Simpson)

Mejor actriz de reparto en serie de televisión

Olivia Colman (The Night Manager)

Lena Headey (Game of Thrones)

Chrissy Metz (This is Us)

Mandy Moore (This is Us)

Thandie Newton (Westworld)

Mejor serie de edición limitada

American Crime

The Dresser

The Night Manager

The Night Of

The People v. OJ Simpson

Mejor actor en serie televisiva de edición limitada

Riz Ahmed (The Night Of)

Bryan Cranston (All the Way)

John Turturro (The Night Of)

Tom Hiddleston (Night Manager)

Courtney B. Vanc (The People v. OJ Simpson)

Mejor actriz en serie televisiva de edición limitada

Riley Keough (The Girlfriend Experience)

Sarah Paulson (The People v. OJ Simpson)

Charlotte Rampling (London Spy)

Kerry Washington (Confirmation)

Felicity Huffman (American Crime)

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Las películas más esperadas para 2017

Cine.- Para despedir 2016 y no ponernos nostálgicos, armamos una lista de 12 películas más esperadas del año que viene en esta primera parte, desde enero a junio de 2017. Como sabemos, puede que algún estudio retrase o adelante la fecha, pero por ahora esta es la lista de espera, según las páginas IMDB y Metacritic.

Resident Evil: The Final Chapter

Esta es la sexta y última entrega, dirigida por Paul W. S. Anderson para esta saga de terror y ciencia ficción, y ciertamente el fin de una década combatiendo junto a Alice (Milla Jovovich). La película se estrenará el  próximo 27 de enero.

John Wick: Chapter II

Vuelve el thriller de acción protagonizado por Keanu Reeves (Matrix) y dirigido por Chad Stahelski. Esta vez desde Roma, donde John Wick es enviado para cumplir un pacto de sangre y proteger a uno de sus excompañeros. Para los seguidores de este tipo de películas de acción y disparos, este es sin duda uno de los films más esperados el año que viene. Llegará a las salas de cine el 10 de febrero.

T2: Trainspotting

Después de 20 años de espera, llegará la segunda parte de Trainspotting, la comedia negra dirigida por Danny Boyle y que en la actualidad es considerada una película de culto. Este nuevo año, podremos seguir la historia de estos atípicos amigos ingleses, luego de que sus vidas tomaron direcciones opuestas. Se estrenará mundialmente el 10 de febrero.

Logan

Por fin llega el capítulo final de Wolverine, completando una trilogía muy exitosa. Protagonizada por Hugh Jackman, dirigidas por Gavin Hood y James Mangold, dieron vida propia a este mutante tan genial de los X-Men y nos mostraron su lado más humano. En esta oportunidad veremos los últimos años del superhéroe y su nueva protegida, quien podría seguir su legado como X-23. Podrás verla en el cine el 3 de marzo.

La Bella y la Bestia

El clásico de Disney vuelve a la pantalla grande, pero no en dibujos animados. Esta vez será protagonizada por Emma Watson (Harry Potter, The Perks of Being a Wallflower) y Dan Stevens (Caminando entre las tumbas, The Guest), en un remake que parece traer el cuento letra por letra al mundo real. Podremos verla el 17 de marzo.

Power Rangers. La película

Los superhéroes de tu niñez saltan a la gran pantalla como un reboot completamente distinto a los demás intentos de esta franquicia. Con nombres como Elizabeth Banks (The Hunger Games, Pitch Perfect) y Bryan Cranston (Breaking Bad, Godzilla) en el reparto, esta nueva cinta se viene con muchas sorpresas para los seguidores de los coloridos Rangers. Se estrenará el 24 de marzo.

Ghost in the Shell

Esta será la película no animada del manga homónimo escrito por Masamune Shirow, protagonizado por Scarlett Johansson (Avengers, Lucy) como The Major, y dirigido por Rupert Sanders. Conoceremos un nuevo mundo sci-fi inspirado en esta maravillosa historia que ha cautivado al continente asiático, y a esta intrigante heroína muy al estilo anime. Se publicará el 31 de marzo.

Guardianes de la Galaxia Vol. 2

El próximo año volverá a la pantalla grande esta pandilla de héroes, continuando con la aventura del extraño grupo, mientras intentan salvar planetas y derrotar villanos intergalácticos. Es uno de los estrenos más esperados por los seguidores del mundo cinematográfico de Marvel, el cual sigue creciendo más con cada película. Llegará el 5 de mayo.

Alien: Covenant

Ridley Scott nos traerá a principios de este año la secuela de Promotheus (2012), titulada Alien: Covenant. Esta cinta narrará la historia de una nueva tripulación que viajará hacia el punto más lejano de la galaxia, para encontrar un paraíso inexplorado. Allí se encontrarán con David (Michael Fassbender), quien ha vivido solo en ese planeta desde la última expedición. Te dejamos el tráiler de la primera parte, ya que todavía no han publicado uno oficial para este film. Está pautada para el 19 de mayo.

Baywatch

Este reboot de Baywatch (1989) se viene cargado de comedia y nuevas caras, con Zac Efron (17 otra vez), Dwayne Johnson (Ballers), Alexandra Daddario (Percy Jackson y el ladrón del rayo) y Priyanka Chopra (Quantico) como parte del reparto. Esta adaptación cinematográfica de la serie se nota más actual y fresca, situando las aventuras de estos salvavidas en el mundo de hoy. Llegará a los cines el 19 de mayo.

Wonder Woman

Finalmente se viene la película en solitario de Wonder Woman. Esta vez, protagonizada por Gal Galdot (Fast and Furious, Batman v. Superman), dirigida por Patty Jenkins,  y por supuesto, bajo la producción de Zac Snyder. Este será uno de los reboots más esperados por la comunidad geek, ya que traerá definitivamente a la superheroína al mundo cinematográfico de DC. Llegará el 2 de junio.

The Mummy

Para sumar otro increíble reboot a la taquilla, Alex Kurtzman traerá en 2017 el remake de The Mummy o La Momia, aquella película de Brendan Fraser que ha generado hasta parques de atracciones en las últimas décadas. Esta oportunidad está protagonizada por Tom Cruise (Misión imposible, Jack Reacher) y Sofia Boutella (Kingsman: The Secret Service), quien actuará como la momia iracunda que fue despertada. Estrenará el 9 de junio.

Star Wars, Episodio VIII

Aunque ya existía expectativas, luego de la muerte de Carrie Fisher hay más ansiedad por este estreno programado para diciembre de 2017.

No tenemos un tráiler aún, pero compartimos con ustedes una fotografía tomada por Oscar Isaac, donde aparecen Carrie Fisher y Mark Hamill en el set de grabación.

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10 maravillosas películas sobre el fin del mundo

Películas sobre el fin del mundo. VoxBox.

¿Qué sucede cuando los cineastas se imagina el fin de todo? A continuación te compartimos una lista de 10 apasionantes películas sobre el fin del mundo.

Cine.- Desde los días del cine mudo, los cineastas se han dado cuenta de que el fin del mundo es un tema que seduce al espectador debido a que lo confronta directamente con las catástrofes y la inminente desaparición de la civilización tal como la conocemos. El apocalipsis ha sido representado de múltiples maneras en la historia del cine.

A continuación te compartimos una lista de 10 apasionantes películas sobre el fin del mundo.

When Worlds Collide

(Dir. Rudolph Maté, 1950)

Una estrella gigante está por impactarse contra la Tierra, lo que inevitablemente provocará el fin del mundo. Las autoridades se niegan a escuchar a los científicos, y un grupo de empresarios decide financiar la construcción de una nave espacial con el fin de transportar a un número limitado de personas a otro planeta para crear una nueva civilización. A medida que se aproxima el fin, tendrán que luchar no sólo contra el tiempo, sino también contra el pánico de los que están condenados a quedarse en la Tierra.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb

(Dir. Stanley Kubrick, 1963)

El apocalipsis nuclear es iniciado por un general loco (Sterling Hayden) que cree que sus fluidos corporales están siendo manipulados por subversivos comunistas, mientras que los políticos y los altos mandos se sientan a discutir la idea del Armagedón. El presidente de los EE.UU. se pone en contacto con Moscú para convencer al gobierno soviético de que el ataque no es más que un estúpido error. Mientras tanto, el asesor del Presidente, un antiguo científico nazi, el doctor Strangelove, confirma la existencia de la “Máquina del Juicio Final”, un dispositivo de represalia soviético capaz de acabar con la humanidad para siempre. La comedia más negra de Stanley Kubrick parece cada vez más relevante en un mundo cuyos habitantes parecen empeñados en destruirse mutuamente.

The Quiet Earth

(Dir. Geoff Murphy, 1985)

El científico Zac Hobson experimenta con una fuente de energía de extraordinario poder: un cinturón de fuerza que rodearía todo el planeta. Pero el experimento tiene severas fallas y envía a casi toda la población a una dimensión desconocida, y el cinturón acaba sin dejar rastro de los seres vivos de todo el planeta. Aunque al principio Zac se desespera pensando que es el único hombre que queda vivo sobre la faz de la Tierra, pronto localiza algún superviviente más.

The Sacrifice

(Dir. Andrei Tarkovsky, 1986)

La película final de Andrei Tarkovsky es un severo y sobrio correctivo a la histeria de algunos éxitos de taquilla que han abordado el fin del mundo, tratando no sólo la posibilidad del apocalipsis, sino también las secuelas de su no aparición. En una serie de tomas largas y persistentes capturadas por el cinemfotógrafo Sven Nykvist, Tarkovsky cuenta la historia de Alexander (Erland Josephson), un esteta agnóstico que, al enterarse de que el mundo está condenado a la destrucción nuclear, hace un trato con Dios en el que él sacrificará todo lo que ama en su vida si lo inevitable puede ser revertido. Cuando se despierta a la mañana siguiente, todo es normal de nuevo y debe cumplir su parte del trato. En el filme se manifiesta un poderoso sentimiento de aislamiento espiritual, pero también un sentido de trascendencia y sanación, particularmente en el carácter del Pequeño Hombre, el hijo del héroe, que es mudo hasta los momentos finales. The Sacrifice  es también la turbulencia intelectual detrás de lo que fue una declaración final del agonizante Tarkovsky.

When the Wind Blows

(Dir. Jimmy Murakami, 1986)

Basado en la novela gráfica de Raymond Briggs, When the Wind Blows ofrece un apocalipsis muy británico en el que una pareja de ancianos, Hilda y Jim, vive su vida cotidiana frente a la guerra nuclear contra la Unión Soviética. Ellos siguen el consejo de Protect and Survive, blanqueando sus ventanas y construyendo un “núcleo interno”. Cuando los misiles chocan, la pareja sobrevive pero descubre que son los últimos restos de la civilización. Ellos mantienen su rutina cotidiana frente a la desesperación, pero finalmente se desgastan por el aislamiento y la enfermedad por radiación. La película de Jimmy Murakami, sencilla pero elegante, es una de las películas más terribles y desgarradoras visiones sobre el Armagedón nuclear.

The Rapture

(Dir. Michael Tolkin, 1991)

El Libro del Apocalipsis es una fuente atractiva para aquellos que tienen un peculiar gusto por las visiones extrañas de la catástrofe y muchas películas han hecho referencia de ello. Pero ninguno lo ha tomado tan literalmente como The Rapture de Michael Tolkin, que concluye con escenas que vienen directamente de las páginas de la Biblia. Los cuatro jinetes del Apocalipsis aparecen, los grilletes de los presos caen, las trompetas suenan y la oscuridad cae sobre el mundo. La película es ampulosamente poderosa y perturbadora, centrada casi en su totalidad en una interpretación dolorosamente creíble de Mimi Rogers como Sharon, una swinger que se convierte al cristianismo al saber que el juicio final está cerca. Pero las cosas salen mal y nos quedamos con una película que plantea más preguntas de las que responde. La escena final, que muestra la desolación espiritual y física, es cruelmente lógica en sus implicaciones sobre exactamente quiénes serían “los elegidos”.

Last Night

(Dir. Don McKeller, 1998)

Parece que el fin del mundo se va a producir en la medianoche del 31 de Diciembre de 1999. Dos meses antes, cuando la noticia se hizo pública, cundió el pánico y la confusión; pero poco a poco, el terror se ha ido transformando en resignación. Para la gente lo más importante es saber dónde y con quién estará cuando se acerque el final.

Donnie Darko

(Dir. Richard Kelly, 2001)

Un conejo gigante llamado Frank le dice a Donnie (Jake Gyllenhaal), un adolescente insatisfecho, que el mundo terminará en 28 días. Esto lo impulsa a un viaje de descubrimiento que involucra los fracasos de la sociedad y la educación, las elecciones presidenciales de 1988, el sexo y los viajes en el tiempo. Si esto suena peligrosamente incoherente entonces en cierto modo lo es, pero la decisión de Kelly de dejar las explicaciones crípticas significa que está abierta a varias interpretaciones. En su forma más simple, se puede disfrutar como un divertido juego mental con una atractiva banda sonora de los años ochenta. Pero en el fondo, Kelly apela a que el mundo puede terminar de muchas maneras, de tantas maneras posibles dependiendo del número de habitantes de la Tierra.

Melancholia

(Dir. Lars von Trier, 2011)

La película de Lars von Trier tiene tanto que ver con la depresión y las relaciones familiares como con el planeta que está a punto de estrellarse contra la Tierra. Toda la histeria y el destino inminente que esperamos de este género se canalizan en un estudio dolorosamente cercano de dos hermanas, Clare y Justine, cuyos roles se invierten durante la película. Al principio, Clara es racional y fundamentada, pero a medida que pasa el tiempo, la propia melancolía persistente de Justine, también el nombre del planeta, le da una sensación de calma mientras la destrucción de la Tierra comienza a parecer inevitable. Justo al comienzo de la película, vemos lo que va a suceder al final y este conocimiento arroja una sombra irónica sobre los eventos que vemos retratados, que a menudo son muy divertidos y ocasionalmente hirientes en el caso del comportamiento de los familiares de las protagonistas. Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg son asombrosamente poderosas como las hermanas y la conclusión apocalíptica, respaldada por la música de Tristan and Isolde de Wagner, es loca y salvajemente hermosa.

Take Shelter

(Dir. Jeff Nichols, 2011)

A veces, las personas como Curtis en Take Shelter tienen sueños sobre las catástrofes y actúan para protegerse a sí mismos y a sus familias de ella. La sociedad podría etiquetarlos locos, pero la película de Jeff Nichols pregunta si debemos quizás darles mayor atención. La extraordinaria interpretación de Michael Shannon como un simple Joe que se obsesiona con que algo terrible está a punto de suceder es el centro de la película, que siempre juega con nuestras simpatías -hay una historia de enfermedad mental en su familia-, pero en última instancia, sugiere que el profeta tenía razón desde el principio. A lo largo de la historia, la sensación de un desastre inminente entre los magníficos campos de Ohio y el interminable aire azul es convincentemente siniestro. Igualmente aterrador es el sentido de una infraestructura social que es terriblemente inadecuada para hacer a cualquier tipo de desastres naturales.

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Fidel Castro: “el cineasta menos conocido del mundo”

Cine.- Las producciones Comandante y Looking for Fidel, de Oliver Stone; la miniserie ¡Fidel! (2002), de David Attwood, con Victor Huggo Martin y Gael García Bernal; los trabajos del cronista de la Revolución Cubana Santiago Álvarez (De América soy hijo… y a ella me debo, …Y el cielo fue tomado por asalto, y un largo etcétera)… El foco siempre ha alumbrado a Fidel Castro intentando capturar la dimensión de tamaña figura.

Aun así, antes de acaparar la atención del mundo como gobernante, Fidel Castro luchó por hacerse un hueco como actor en el mundo del cine y en 1946 participó como extra en dos películas de la compañía Metro Goldwyn Mayer: Holiday in Mexico, comedia musical de George Sidney, y Easy to Wed, protagonizada por la Sirena Esther Williams, en la que Fidel Castro aparecía al borde de una piscina.

Obviamente su labor como líder revolucionario y mandatario cubano le ha dado muchos más minutos de protagonismo en las pantallas que su fugaz carrera interpretativa. A partir de 1959, año en que encabezó la Revolución Cubana que derrocó la dictadura de Batista, la figura de Castro ha protagonizado muchos momentos en el cine y la televisión, principalmente en entrevistas y documentales.

Su amigo el premio Nobel colombiano Gabriel García Márquez (fallecido en 2014) lo llamó “el cineasta menos conocido del mundo”, cuando crearon en La Habana la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano en 1985, y un año después la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños, cerca de La Habana.

Castro fue un apasionado del cine porque lo consideraba un campo en su batalla política, en la que incluso legitimó la censura como arma para defender su revolución.

Sabedor del impacto social del cine, tres meses después de entrar triunfante en La Habana en enero de 1959, ordenó crear el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC), al frente del cual puso a su amigo incondicional Alfredo Guevara, que fue estrecho colaborador hasta su muerte, el 19 de abril de 2013.

Para Fidel, el nuevo cine era “una gran batalla” por la identidad, liberación, independencia y supervivencia latinoamericanas. “Si no sobrevivimos culturalmente, tampoco sobreviviremos económica ni políticamente”, dijo en 1985.

Sus imágenes de archivo han ilustrado películas de directores como Alfred Hitchcock (Topaz, enmarcada en la Guerra Fría), Robert De Niro (El buen pastor), el propio Oliver Stone quien, antes de dedicarle un documental completo, utilizó sus imágenes en JFK, o Julián Schnabel, que hizo lo propio en Antes que anochezca, donde Javier Bardem daba vida al escritor y poeta cubano Reinaldo Arenas. Además, el director israelí Elia Suleiman también hace hueco a los discursos de Castro en el film 7 días en la La Habana, película codirigida entre otros con Benicio del Toro o el donostiarra Julio Médem.

Por otra parte, hay una larga lista de artistas que han tenido la responsabilidad de meterse en la piel del  difunto dirigente cubano: Gonzalo Menéndez (La ciudad perdida), Demián Bichir (Che, el argentino y Che: Guerrilla), Enrico Lo Verso (Che Guevara, en la que el guerrillero argentino es interpretado por Eduardo Noriega) e incluso Juan Luis Galiardo (I love Miami).

Mucha gente de cine habló y fumó habanos con Castro, entre ellos Francis Ford Coppola y Kevin Costner, con quien vio en 2001 Trece días, el filme que este protagonizó sobre la crisis de los misiles de 1962.

Admirador de Brigitte Bardot y amigo de Gerard Depardieu, decía conocer todos los filmes de Charles Chaplin, ser capaz de ver “tres o cuatro veces” los del cómico mexicano Mario Moreno Cantinflas y haber sido subyugado por la imagen de Sofía Loren.

A Oliver Stone, autor de dos películas sobre él, Comandante (2002) y Looking for Fidel (2003), le confesó haber visto poco cine desde la debacle soviética en 1991, por falta de tiempo. Entre lo que vio en videocaset figuraron Gladiador y Titanic.

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Los peores fracasos financieros en la historia del cine

Cine.- En Hollywood se les conoce como box office bomb a esas películas que, tras haber levantado grandes expectativas, se estrellan contra la indiferencia del público y acarrean cuantiosas pérdidas a los estudios.

De acuerdo con film.site.com, estos han sido los diez peores desastres financieros de la historia del cine, ordenados de menor a mayor y con las cifras ajustadas a la inflación.

Aquí notarán cómo algunas películas se estrellan contra la indiferencia del público y acarrean cuantiosas pérdidas a los estudios.

10. La puerta del cielo (1980)

Pérdidas: unos USD 121 millones 

Para los historiadores del cine, supuso el fin de una época dorada en la que se dio libertad creativa a la brillante generación de directores de los años 70: Coppola, Scorsese… Quien naufragó fue Michael Cimino, que venía de triunfar con El cazador (1978) y no convenció con su nuevo y faraónico proyecto: un western de autor que duraba tres horas y media.

9. El llanero solitario (2013)

Pérdidas: USD 121 millones 

La fórmula de Piratas del Caribe no funcionó esta vez: ni al público ni a la crítica les hizo la menor gracia ver a Johnny Depp haciendo el indio.

8. John Carter (2012)

Pérdidas: USD 125 millones 

Disney puso toda la carne en el asador en su intento de inaugurar una franquicia basada en las novelas de Edgar Rice Burroughs. Pero pocos apreciaron la exótica mezcla de fantasía, aventuras y ciencia ficción ambientada en Marte.

7. Final Fantasy: la fuerza interior (2001)

Pérdidas: USD 126 millones 

El salto de la exitosa saga de videojuegos a la gran pantalla acabó en siniestro total, pese al esfuerzo económico y tecnológico por seducir a los espectadores.

6. La caída del imperio romano (1964)

Pérdidas: USD 126 millones 

Esta típica superproducción histórica cuajada de estrellas tuvo el mismo destino que la época que retrataba.

5. Pluto Nash (2002)

Pérdidas: unos USD 126 millones 

Normal que no te suene. Casi nadie fue a ver al cine esta comedia espacial de, quien en algún momento fue taquillero, Eddie Murphy.

4. Marte necesita madres (2011)

Pérdidas: USD 137 millones 

Otra apuesta de Disney, esta vez de animación por ordenador, que transcurría en el planeta rojo.

3. La isla de las cabezas cortadas (1995)

Pérdidas: USD 137 millones 

Tras Thelma y Louise (1991), la carrera de Geena Davies parecía imparable… hasta que protagonizó esta carísima y fallida película de piratas dirigida por su entonces marido Renny Harlin.

2. La leyenda del samurái (47 Ronin) (2013)

Pérdidas: USD 151 millones 

Ni los espectadores japoneses ni los norteamericanos acudieron en masa a los cines, como esperaban los productores de esta fantasía con mucho ruido de espadas, vagamente basada en una leyenda nipona.

1. El guerrero N.º 13 (1999)

Pérdidas estimadas: entre USD 98 millones y USD 183 millones 

Se trata del peor negocio cinematográfico de todos los tiempos, aunque no se sabe muy bien cuánto costó hacerla. Quienes la han visto creen que no está tan mal como para merecer semejante castigo. Salen árabes, vikingos y Antonio Banderas.

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Películas de terror basadas en hechos reales

Cine.- La realidad ha inspirado muchas historias hermosas que luego se han hecho película y nos han enseñado el lado bueno de la vida.

Pero ese no es el caso de estas cintas que te presentamos a continuación. Aunque sí han estado basadas en hechos reales, no son historias con finales felices ni mucho menos.

Te presentamos 3 películas basadas de terror inspiradas en hechos reales:

Chucky (1988)

La saga de Chucky fue basada en la historia del muñeco Robert en la Florida, Estados Unidos. Se dice que Robert fue influenciado por magia vudú y por ello se podía mover por la casa donde habitaba. Los vecinos comentaban que podían verlo pasear de vez en cuando y las tres familias que allí habitaron dicen que vivieron varios sucesos paranormales, y que todos se relacionaban con Robert. El muñeco se encuentra en el museo East Martello, en Key West, Florida.

Chucky

Eaten Alive (1977)

Cuenta la historia de un dueño de hotel que posee un cocodrilo como mascota, el cual alimenta con los inquilinos que llegan. Joe Ball, quien sería conocido como el carnicero de Elmendorf, asesinó alrededor de 20 personas arrojándolas a sus caimanes mascotas. Se suicidó de un disparo antes de que la policía pudiera llevárselo.

La masacre de Texas (1974)

Una de las películas de horror más famosas de la historia tiene su origen en una historia real de los años sesenta. En la película se puede ver que el villano Leatherface (“cara de cuero”) utilizaba una máscara hecha de piel humana y que poseía un taller del horror. Todo esto se inspira en el asesino serial Ed Gein, quien realizaba varios objetos con los cadáveres de sus víctimas, en especial utensilios de cocina. A diferencia de Leatherface, no tenía una máscara de piel humana, pero sí había hecho guantes con la piel de sus víctimas.

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Películas anime que sí querrás ver

Cine.- Sabemos que a la mayoría de personas el anime les resulta molesto. Probablemente en más de una ocasión te has burlado de esas almas que andan por la vida disfrazados de sus personajes favoritos y que se pasan el día dibujando cosas extrañas en las últimas páginas de los cuadernos.

Pero —por más difícil que te resulte creerlo— desde esta particular forma de dibujo se han contado historias maravillosas en forma de películas.

¿Por qué no les das una oportunidad?

Aquí te dejamos con estas 5 películas a las que sería bueno que le echaras un vistazo.

La tumba de las luciérnagas

En el Japón del final de la Segunda Guerra Mundial, 1945. La aviación estadounidense somete las ciudades japonesas a continuos ataques aéreos. El escenario es desolador, así como lo es esta película.

Viaje a Argatha

Antes de morir, el padre de Asuna le dio a su hija una peculiar radio de cristal. Con ella sube a la montaña para sintonizar extrañas melodías. Un día un monstruo ataca a Asuna, siendo rescatada por Shun, un joven procedente de la dimensión paralela de Agartha.

Mi vecino Totoro

La película es un retrato de la vida rural japonesa en los años cincuenta. Un profesor universitario se traslada junto a sus dos hijas a una casa cerca de un bosque, mientras su mujer se recupera de tuberculosis en un sanatorio rural. Sus hijas descubren la existencia de los “duendecitos de polvo” y de este modo aprenden que hay seres que no todos pueden ver, como los espíritus del bosque, que solo pueden ser vistos por aquellos de corazón puro.

Paprika

En un futuro próximo, la psiquiatra Atsuko Chiba ha utilizado un método de terapia revolucionario, gracias a que forma parte de un proyecto corporativo, en el cual un grupo de investigadores están realizando un dispositivo para navegar de forma consciente a través de los sueños, y mejorar así la detección, análisis y solución de traumas psicológicos.

El cuento de la princesa Kaguya

La historia comienza cuando una pareja de ancianos campesinos encuentran a una niña diminuta dentro de una planta de bambú y deciden adoptarla como si fuera su hija. Convertida rápidamente en una hermosa mujer, es pretendida por muchos hombres, incluido el emperador. Sin embargo, su inicial júbilo se ve reducido a tristeza, pues asegura que vendrán por ella las personas de la Luna, lugar del que es originaria.

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